Gato Barbieri, "Ruby, Ruby" (1977).

Leandro “Gato” Barbieri (Rosario, Argentina; 28 de noviembre de 1932), es un saxofonista de jazz argentino.
Representante destacado del jazz latino, participó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino, Lalo Schifrin. Ha abordado también en su carrera el jazz de vanguardia, sobre todo en la década de 1960, y el pop y la fusión a finales de la década de 1970.
Ha sido influenciado por John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana. Su música tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.
A los doce años aprende a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de Now's the Time de Charlie Parker. Se traslada con su familia a Buenos Aires en 1947 y continúa recibiendo lecciones de música, cambiándose al saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. Se traslada a Roma en 1962 y conoce en París a Don Cherry, uniéndose a su grupo y empapándose del jazz de vanguardia. Tocó también con la Mike Mantler's Jazz Composers' Orchestra a finales de la década de 1960.
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo El Pampero on Flying Dutchman y sus obras para Impulse, con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial el que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci Último tango en París, de 1972. Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970. Se centró luego, a principios de la década de 1980, en un sonido sudamericano más intenso e influenciado por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas son constantes en su carrera.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos.

de la Wikipedia.

tracks
01 Ruby
02 Nostalgia
03 Latin Reaction
04 Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing
05 Sunride
06 Adios
07 Blue Angel
08 Midnight Tango

Músicos:
Gato Barbieri, Wayne Andre, Joe Caro, Joe Clayton, Paulinho Da Costa, Chuck Domanico, Jon Faddis, Paul Faulise, Steve Gadd, John Gale, Peter Gordon, Don Groinick, Eddie Guagua, Steve Jordan, Gary King, Tom “Bones” Malone, Eddie Martinez, Cachete Maldonado, Portinho, Bernard “Pretty” Purdie, Lee Ritenour, Alan Rubin, Lew Soloff, David Spinozza, Marvin Stamm, David Taylor, Ian Underwood, Lenny White.

que lo disfrutes

Joni Mitchell, "Painting with Words and Music" (ripeado de DVD, en vivo, 1998).

Después de más de una década de exilio voluntario del circuito comercial, Joni Mitchell ha recobrado gran parte de su perfil mediático (si bien no su impacto comercial), gracias a los honores merecidos pero tardíos de los críticos y de sus pares en el mundo musical. Los recientes premios Grammy y una posición especial en Billboard son epítomes de la ironía que constituye el lugar marginal de Mitchell en los 80: A causa de que ella alcanzó su posición más alta con el amplio éxito en 1974 de Court and Spark, que sigue siendo su álbum más opulento y accesible, la pintora y música canadiense se ha visto, en comparación, relativamente ignorada en los años posteriores, simplemente porque su trabajo se aventuró en amalgamas más eclécticas de sus influencias ya de por sí bastante diversas. Pero aun en sus incursiones en ese collage de world music, jazz y pop, Mitchell siguió siendo una artista preclara e influyente.
Este concierto especial de 1998 arroja una bienvenida luz sobre su trabajo, desde ese cuarto de siglo pasado desde Spark, con 22 canciones dominadas por el acento confesional que sigue siendo la marca más fuerte de Mitchell. Canciones anteriores como "Big Yellow Taxi" y "Just Like This Train" retienen su encanto, pero es en las piezas más maduras de Mitchell, como "Amelia" (de Hejira) y "Sex Kills" (de Turbulent Indigo) donde mejor se muestra la profundidad y agudeza de su trabajo. Una banda soberbia -que incluye a Brian Blade, Mark Isham, Larry Klein y Greg Leisz- proporciona un marco vigoroso y empático, bien ajustado a esa paleta con colores del jazz, el folk y el pop que Mitchell estampa en sus canciones. Para añadir aun mayor intimismo a la presentación hay un escenario de diseño circular, una pequeña audiencia y una bienvenida falta de efectos de "gran" producción; en cambio, Mitchell se da el gusto de exhibir antes del concierto el trabajo de su segunda carrera, la de pintora, mediante una panorámica de su galería de trabajos visuales.
La delicada salud de Mitchell durante los 90, además de toda una vida de fumadora, ha dejado una marca en su voz, que ha perdido gran parte de su registro superior. Aun así, hay una riqueza añadida a su registro bajo, que realza el arte de esta sobreviviente de mirada aguda. Los viejos fans reconocerán asimismo las ráfagas de sus risas chiquilinas entre canción y canción, además de poder saborear de qué modo han madurado las capacidades de Mitchell como escritora e instrumentista (especialmente su sonido nuevo y sorprendente con la guitarra eléctrica).

adaptado de la reseña de Sam Sutherland.

Track Listing:
1. Tiger Bones
2. Big Yellow Taxi
3. Just Like This Train
4. Night Ride Home
5. Crazy Cries Of Love
6. Harry's House
7. Black Crow
8. Amelia
9. Hejira
10. Sex Kills
11. The Magdalene Laundries
12. Moon At The Window
13. Face Lift
14. Why Do Fools Fall In Love?
15. Trouble Man
16. Nothing Can Be Done
17. Song For Sharon
18. Woodstock
19. Dreamland

si querés bajatelo de acá

dos aclaraciones importantes:
1) como podrás ver vos mismo/a si te interesa en los comentarios acerca de este producto en lugares como Amazon.com, la calidad de sonido del original de este DVD no es la óptima. con esto queremos aclarar que la calidad de sonido de este post no remite a la calidad del ripeo sino, en todo caso, insisto, a los defectos del original.
2) agradezco inmensamente a mi sobrino el Chelo, de quien es en realidad este post... ¡Mil gracias Marcelo por tu segunda incursión en el sagrado territorio del tremendo Diego!!!

Nick Cave & the Bad Seeds, "The Boatman's Call" (1997).

Murder Ballads había llevado la morbidez de Nick Cave a niveles casi paródicos, lo cual hace a las canciones desarmantemente francas e introspectivas de The Boatman's Call mucho más sorprendentes. Un ciclo de canciones inspiradas tanto por los fallidos asuntos románticos de Cave como por sus dudas religiosas, The Boatman's Call lo captura en sus lados más honestos y desesperados. Si bien mantiene una fascinación por las imágenes góticas y bíblicas, tiene poco de la gran teatralidad y la poética autorreferencial que habían hecho emotivamente distantes a sus álbumes anteriores. Esta vez, no hay posturas, ni de Cave ni de los Bad Seeds. La música es directa, aun así tiene múltiples texturas, desde el blues hasta el jazz, que ofrecen un lecho revelador y empático para las mejores canciones, las más afectivas, de Cave. The Boatman's Call es uno de sus álbumes más refinados y, posiblemente, la obra maestra que él ha estado prometiendo a todo lo largo de su carrera.

adaptado de la reseña de AMG.

Track listing

All tracks composed by Nick Cave.

1. "Into My Arms" – 4:15
* Nick Cave – vocals, piano
* Martyn P. Casey – bass
2. "Lime Tree Arbour" – 2:56
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Mick Harvey – bass
* Thomas Wydler – drums
3. "People Ain't No Good" – 5:42
* Nick Cave – vocals, piano, vibes
* Mick Harvey – vibes
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violins
4. "Brompton Oratory" – 4:06
* Nick Cave – vocals, Casio
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – maracas
5. "There Is a Kingdom" – 4:52
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano, backing vocals
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Jim Sclavunos – Bells
6. "(Are You) The One That I've Been Waiting For?" – 4:05
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – guitar, Hammond
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Jim Sclavunos – drums
7. "Where Do We Go Now but Nowhere?" – 5:46
* Nick Cave – vocals
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
8. "West Country Girl" – 2:45
* Nick Cave – vocals, piano
* Blixa Bargeld – piano treatment
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
9. "Black Hair" – 4:14
* Nick Cave – vocals
* Mick Harvey – bass organ
* Warren Ellis – piano accordion
10. "Idiot Prayer" – 4:21
* Nick Cave – vocals, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Mick Harvey – guitar
* Conway Savage – piano
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
11. "Far from Me" – 5:33
* Nick Cave – vocals, piano, Hammond
* Blixa Bargeld – guitar
* Martyn P. Casey – bass
* Thomas Wydler – drums
* Warren Ellis – violin
12. "Green Eyes" – 3:32
* Nick Cave – vocals, piano
* Mick Harvey – acoustic guitar
* Jim Sclavunos – melodica

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Charlie Mariano & Quique Sinesi, "Tango para Charlie" (2000).

La música de Quique Sinesi está basada en elementos rítmicos y melódicos de la música popular argentina. El tango, el candombe, la milonga y los ritmos folclóricos han sido interpretados bajo un nuevo concepto a través de la incorporación de improvisación y armonías poco usuales de la música popular argentina.
Entre otros destacados músicos, actuó con Dino Saluzzi en diversos festivales en Europa y grabó dos discos en la Argentina. Pablo Ziegler, pianista del Quinteto de Astor Piazzolla, lo invitó a integrar su Cuarteto para Nuevo Tango, y con él grabó dos CD y realizó giras por Estados Unidos, Canadá, Alemania, Grecia, Italia, Inglaterra, México, Colombia, Bolivia y Brasil.
Por otro lado, con el grupo Alfombra Mágica -junto a Horacio López, Matías González y al cual se incorporó más tarde Carlos Aguirre- grabó los primeros tres discos para el sello Melopea.
Ha tocado, entre otros, con Carlos Aguirre, Pedro Aznar, Daniel Binelli, Bernardo Baraj, Jorge Cumbo, Paquito de Rivera, María Gabriela Epumer, Juan Falú, Osvaldo Fattoruso, León Gieco, Manolo Juárez, Marcelo Moguilevsky, Rubén Rada, Beto Satragni y Lito Vitale.
Participó de festivales internacionales en Suecia, Alemania, Dinamarca, Turquía, Uruguay, Francia y en Argentina. El músico reside actualmente en Argentina y Europa.
Editó libros de partituras y discos en diversos lugares del mundo. Algunos de ellos son Cielo abierto (CD reeditado en 1986, con Marcelo García y el Mono Hurtado), Color cielo (1999); ha realizado conciertos con Charlie Mariano y grabó el compacto Tango para Charlie; Viaje Latinoamericano, con Sergio Terán y Pablo Paredes; Prioridad a la emoción, con Daniel Messina; y el CD Microtangos Guitarra Solista.

El saxofonista alto y compositor Charlie Mariano (Boston, 1923) debutó en 1948 al lado del trompetista Shorty Sherock, mientras estudiaba en la "Schillinger House", actualmente la célebre y renombrada Berklee School of Music. Discográficamente debutó con el arreglista Nat Pierce, con quien estuvo dos años (1949 y 1950). Posteriormente trabajó con Chubby Jackson y Bill Harris. Entre 1953 y 1955 colaboró con la orquesta del maestro Stan Kenton, donde llegó a ser uno de sus grandes instrumentistas. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde se contactó con el grupo del baterista Shelly Manne y con otros músicos de la Costa Oeste.
En 1959 contrajo matrimonio con la pianista y compositora japonesa Toshiko Akiyoshi, con la que formó un cuarteto junto al contrabajista Gene Cherico y el baterista Eddie Marshall. Tras algunos años de matrimonio, la pareja se separó, conyugal y musicalmente, y Charlie formó un nuevo cuarteto con otro saxofonista alto: Jerry Dodgion, pero su carrera empezó a mostrar síntomas de decadencia. Viajó por Europa y Extremo Oriente, y en Alemania se contactó con músicos jóvenes e inquietos, cuyas señas de identidad, musicalmente hablando, eran la fusión del jazz con el rock.
Charlie Mariano siempre fue un músico valiente, innovador y admirador del estilo de Charlie Parker.
Músico ecléctico y de gran emotividad, su afán por abarcarlo todo lo perdió en ocasiones, y su música se resentía por esa actitud fragmentaria. A pesar de todo, Charlie Mariano siempre fue un músico creativo, inteligente y poroso respecto de otros estilos musicales.

datos de Charlie Mariano tomados de www.apoloybaco.com; los datos de Sinesi los envió el gran sobrino Chelo.-

Track Listing

01. Berliner Tanguismos Part I (Quique Sinesi) 5:18
02. Berliner Tanguismos Part II (Quique Sinesi) 2:48
03. Berliner Tanguismos Part III (Quique Sinesi) 5:37
04. Berliner Tanguismos Part IV (Quique Sinesi) 4:32
05. The Lady (Charlie Mariano) 7:17
06. Faluseando (Quique Sinesi) 2:24
07. Zephyr (Charlie Mariano) 7:19
08. Tarde De Lluvia En Koln (Quique Sinesi) 5:42
09. Alta Paz (Quique Sinesi) 4:32
10. If Only (Charlie Mariano) 4:11
11. Tango Para Charlie (Quique Sinesi) 6:53
12. Gone (Charlie Mariano) 2:00

Artist List

Charlie Mariano – alto saxophone, flute
Quique Sinesi – 7 string spanish guitar, charango, piccolo guitar

mil gracias a mi genial sobrino el Chelo que hizo posible este post en el reino del tremendo sobrino Diego!!!

Tok Tok Tok, "It Took So Long" (2003).

Tok Tok Tok es un grupo musical alemán de estilo soul-acústico, con grandes influencias de jazz. El grupo, radicado en Friburgo, Alemania, comenzó como trío en la Academia de Música de Hannover en 1998 (voz, saxo tenor, contrabajo), evolucionó luego a quinteto con la adición de teclados, bajo y percusión; y actualmente es un cuarteto. Siempre ha estado encabezado por la pareja Tokunbo Akinro (cantante) y Morten Klein (saxofón), que ya habían colaborado en otros proyectos antes de la creación del grupo.
Klein es asimismo el compositor de la música de la mayoría de las canciones del grupo, y Akinro de las letras en inglés, aunque la banda se ha caracterizado por sus versiones de otros cantantes o compositores (sus discos segundo y tercero, 50 Ways to Leave Your Lover y Love Again, lanzados en 1999 y 2000, están compuestos íntegramente de versiones). El grupo es especialmente famoso en Alemania y Austria, aunque es conocido en los círculos de jazz y soul de toda Europa occidental, la que recorrieron en una gira en 2006.
El grupo es internacional por vocación, contenido y orígenes: Tokunbo Akinro es hija de alemán y nigeriana, criada hasta los diez años en Nigeria; Morten Klein es hijo de alemán y danesa: y el grupo ha tenido colaboradores de Islandia (Hrólfur Vagnssonnut), EE. UU. y Gran Bretaña. Hasta 2007 ha recibido premios en Alemania (German Jazz Award por "It Took So Long" y "About") y Francia (SACEM, sociedad de autores y compositores), y ha publicado nueve álbumes, de los cuales uno es en directo ("Reach Out...and Sway Your Booty", 2007), además de un dvd ("Live in Bratislava", 2005).
Morten Klein es un instrumentista extremadamente versátil, y en varios discos ha incluido instrumentación vocal, es decir, elementos de percusión o de cuerda realizados con su propia voz, mientras que Akinro es una vocalista de jazz y soul con un enorme registro.

TRACKS
1. It Took So Long
2. Weight
3. Like Music from the Skies
4. Secrets of the Night
5. Nothing Stays the Same
6. I Cannot Sleep
7. Day in the Life
8. Something Restless
9. Spooky
10. Can You Keep It?
11. When You're Far Away

que lo disfrutes

Nnenna Freelon, "Better than Anything" (comp. 2007).

La extraordinaria cantante Nnenna Freelon es sin duda una de las cantantes de jazz contemporáneas más importantes. Su música tiene una calidad extraordinaria, y la popularidad que ha conseguido fuera de los ámbitos exclusivamente jazzísticos, no la han desviado del camino del swing. 3 veces nominada para los premios Grammy, sintió desde muy temprana edad la llamada de la música, si bien antes de emprender la carrera profesional que le habría de llevar al sitio que ocupa en la actualidad, se graduó en Servicios Sociales en la Universidad de Durham, de Carolina del Norte, y tuvo tres hijos. Estudió con Yusef Lateef y perteneció durante varios años a una banda en la que Woody Williams era el baterista.
Tras una aparición estelar con Ellis Marsalis, graba su primer disco en 1992, que atrae la atención de la crítica, que rápidamente ve en ella la influencia de Sarah Vaughan. Su segundo álbum fue recibido más favorablemente, y en ocasión del tercero, incluso los más recalcitrantes detractores se vieron obligados a reconocer el extraordinario talento de la cantante y su prodigiosa voz. Freelon extrae su repertorio no sólo del jazz, sino también de la música pop y folk, asimilando dichas corrientes en una síntesis muy personal. Nnenna Freelon, sin duda, ha encontrado ya un estilo que se pone aún más de manifiesto cuando cambia de sello discográfico en 1966 e inicia un camino mucho más personal, encarnado sobre todo en su segunda grabación para Concord Jazz, Maiden Voyage (1998), en el que, entre otras cosas, expone su interés por el papel que la mujer ha de desarrollar en el ámbito musical y en la sociedad en general.
En el 2000, Freelon debuta en el campo de la interpretación en What Women Want, y graba su primera producción propia, Soulcall. Freelon ha grabado y actuado con una variada gama de músicos, y un examen de ese elenco puede testimoniar acerca de los gustos de la cantante y por donde se encaminan sus pasos. Esos artistas son, entre otros, los exquisitos Kenny Barron y Herbie Hancock, Joe Beck, Christian McBride y Kirk Whalum.
La voz de Freelon es rica en calidades emocionales, acompañada últimamente de un sonido fuerte. No obstante, si las circunstancias musicales así lo demandan, es capaz de dar con el tono cool aunque sensual, especialmente persuasivo cuando se trata de baladas. Su variedad de registros le permite crear desde un escenario propicio a la confidencia a otro en el que se interpretan en clave de humor clásicos del pop, del soul, del jazz o del gospel, todo en un clima de libertad en el que siempre cabe el recurso a la improvisación.
Nnenna actuó varias veces con la legendaria Julie Andrews en la "Society of Singers", en la "Ella Awards" y en "Variety's The Childre's Charity" como vocalista del grupo "Stephen Sondheim Tribute" en el Carnegie Hall de Londres y en muchos festivales, con un gran éxito. En su quinto álbum grabado para el sello discográfico Concord Records, titulado Live, Nnenna aporta todo su talento y el resultado es un disco intimista de extraordinaria belleza. Se grabó en el "Centro de Kennedy" en Washington DC, entre el 21 y 22 de febrero de 2003. El disco resume toda una década de carrera musical, con más de 20 años en la carretera. Ha sido dos veces ganadora en los premios "Billie Holiday Award" de la prestigiosa Academia de Jazz y de los premios "Eubie Blake Award". También ha sido nominada dos veces para "Lady of Soul" de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson entre otros.

DATOS TOMADOS DE APOLOYBACO

trax

1. Better Than Anything
2. I Won't Dance
3. Straighten Up And Fly Right
4. Nature Boy
5. Them There Eyes
6. I Say A Little Prayer
7. Body And Soul
8. Button Up Your Overcoat
9. The Tears Of A Clown
10. Ooh Child
11. One Child At A Time
12. Balm In Gilead

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Renato Russo, "The Stonewall Celebration Concert" (1994).

Renato Manfredini Junior nació el 27 de marzo de 1960, a las 4, en Humaitá, zona sur de Río de Janeiro. Tuvo una infancia común. Correteaba, saltaba, andaba en un carrito de rodamientos donde habitaba, en la Isla del Gobernador, en el barrio de Leopoldina.
En cierta ocasión, preguntado por una periodista del Jornal de Brasil si era un muchacho introspectivo, respondió en tono irónico: "Yo aprovechaba los días de lluvia".
Hijo de padre economista del Banco do Brasil, y de madre profesora de inglés, Renato tuvo una infancia tranquila, en una familia de clase media alta, donde pudo adquirir una buena formación cultural, principalmente después de su estancia fuera de Brasil.
A los siete años de edad, "Juninho", como era llamado en aquel entonces, se trasladó a Nueva York, porque el padre tenia que hacer allí un curso, y allí se matriculó en una escuela local. Juninho y Carmen Teresa, su hermana, pudieron entonces ampliar la lengua de Shakespeare.
Después de retornar a Río, la familia se instaló en Brasilia. Allí comenzaría la fase más traumática hasta entonces. En 1975, con 15 años, Renato quedó imposibilitado para caminar. Sufría epifosiliosis, una dolencia extraña que atacaba los huesos. Pasó por diversos tratamientos y operaciones quirúrgicas. Volvería a caminar a los 17 años.
A pesar de la complicación natural de la situación, Renato acabó aprovechando el tiempo para leer. Llegó a inventarse una banda ficticia en la cual el cantor/alter ego se llamaba Eric Russel. El sobrenombre artístico era un homenaje colectivo al filósofo Jean Jacques Rousseau, al pintor naif Henri Rouseau y al filósofo Bertrand Russell. Este mezcla filosófica y artística daría origen al "Russo" del Renato.
Antes de realizar su sueño, no obstante, el futuro músico aún sería profesor de inglés, programador de radio y periodista. Enseñando en la Cultural Inglesa, fue escogido por la entidad para recibir al Príncipe Carlos, cuando el monarca inauguró una de las filiales del grupo. Allí estaba Juninho con su perfecto inglés.
Por aquellos años andaba con una cierta "pandilla de la colina". Muchachos que se reunían en un conjunto de locales construidos para albergar a profesores y funcionarios de la UnB. Un enclave de libertad en una Brasilia sombría. Envueltas por las drogas y las garrafas de vino, diversas bandas de punk rock surgían del núcleo cultural. "Mucha gente lo encontraba aburrido, pero Renato era el catalizador. Era quien unía a toda aquella gente. Quien hacía que las cosas sucediesen" decía Renato Rocha, el entonces futuro bajista de Legión Urbana. Frecuentaba fiestas, escuchaba discos importados. El gusto general era por el punk.
"Del 76 al 78 yo escuchaba mucho rock progresivo. Entonces el progresivo acabó. Genesis y Yes perdieron componentes. Comencé a escuchar a los Beach Boys, Jefferson Airplane, Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces los periódicos pasaron a hablar mal de toda esa gente. Apuntaban para los Sex Pistols. Yo me sentía picado por la curiosidad" comentaba Renato Russo a la revista Bizz.
Con esas influencias, y las de The Clash y Eddie And The Hot Rods, Renato, que aún no se llamaba Russo, formó "Aborto Eléctrico". Renato tocaba el bajo, Fê era el batería y André se ocupaba de la guitarra y la voz. Llegaron a tener cierto cartel en las pequeñas fiestas de Brasilia.
Renato se manifestó siempre beligerante contra la falta de ética, los prejuicios, las injusticias. Durante sus trabajos buscó el rescate de los valores morales, sin ser panfletario.
Un día de 1984 saltó la noticia bomba: Renato Russo se había cortado las venas. La conmoción fue general. Pero el implicado insistía en decir que el gesto no pasaba de haber sido un accidente. "Me corté las venas pero no para matarme ni para nada. Fue un juego, y yo estaba bebido", explicaba el joven. Era una burrada para llamar la atención de algún muchacho. Renato era visceral, capaz de apasionarse con la mayor facilidad. Y de frustrarse aún con mayor facilidad.
Según el periodista Arthur Dapieve, en la biografía del músico, en la serie Perfiles de Río, la inactividad de Renato Russo planteaba problemas. Había perdido alguna movilidad en la mano y no podía tocar el bajo durante algún tiempo. El músico también estaba queriendo tener más libertad para cantar y cuidar los intereses de Legión Urbana, su grupo.
En esa época, los "Paramalas do Sucesso" ya habían grabado y tenían mucho suceso. Con el ejemplo de los amigos de la Capital, "los legionarios" pensaban que era una cuestión de tiempo para que alcanzasen la fama. Renato estaba ilusionado. Llegó a decirle a sus padres que sería el líder de la mejor banda del país.
Una cinta demo de Legión Urbana sonaba en la Radio Flaminense de Río, madre del renacimiento del rock brasilero de los años 80.
Después de dos meses en Brasilia, tuvieron la noticia de que el productor del disco sería el periodista José Emilio Rondeau. Con él, llegaron a un acuerdo entre lo que la discográfica deseaba y los que los muchachos aceptaban hacer. Poco tiempo después sería lanzado el disco Legión Urbana. Había quien decía en la EMI que el objetivo era vender Paralamas y derribar a Legión. Pero el vinilo se saltó las expectativas vendiéndose de salida 50 mil copias.
En 1988, alegando no poder engañar más a su público, Renato Russo asumió públicamente ser homosexual, aunque antes la homosexualidad aparecía camuflada en algunas letras de la Legión, como "Daniel en la cueva de los leones" y "Soldados". . "Esto forma parte de mi vida, no es un problema", acostumbraba decir. Y realmente no lo era. En cambio sí eran problemáticas sus relaciones afectivas.
El cantor tuvo dos grandes pasiones. La primera surgió en 1990, cuando conoció en un bar de Nueva York al americano Robert Scott, enganchado a las anfetaminas. La relación duró dos años y el muchacho llegó a convivir con Renato en Río de Janeiro. En la temporada americana, llegaron a sumergirse durante un mes y medio en sesiones constantes de heroína. "Pienso que voy a estar unos diez años escribiendo músicas del tipo Mi amor partió", comentó alguna vez.
A finales del 90, el poeta buscó la autointernación para tratarse del problema del alcoholismo. En la clínica incendió unos muebles como protesta por la prohibición de tocar un violín para los otros pacientes en la celebración de fin de año.
El músico compró un apartamento en Ipanema, zona sur de Río de Janeiro. Estaba muy deprimido, tenso, irritado y bebiendo como loco. Tenía la convicción de que era portador del SIDA. Le faltaba coraje para hacerse las pruebas. Tal vez por eso, cuando recibió el resultado que verificaba sus temores, su reacción fue más que conformista: fatalista.
En 1993 inició un tratamiento para librarse de la dependencia a sustancias químicas. Para salir de la depresión, Renato grabó en 1994 el disco en solitario The Stonewall Celebration Concert, en el cual interpretaba canciones populares americanas. El álbum conmemoraba los 25 años del surgimiento del movimiento gay en Estados Unidos y traía en la portada una recordatoria dejada para Scott.
La otra pasión de Renato fue el joven carioca Cristiano, un muchacho de la periferia con el que el artista se relacionó hasta mediados de 1995. La ruptura ocurrió durante la grabación del segundo disco en solitario, con canciones en italiano, de título Equilibrio distante.
Este trabajo es uno de los más premiadísimos, y en sus canciones se homenajea a la colonia italiana de donde eran sus bisabuelos, que habían llegado al Brasil como inmigrantes.
A comienzos de 1996, comenzó a tener serios problemas de salud que perjudicaron los trabajos del álbum de estudio de la Legión La tempestad (o El libro de los días). Renato se encerró en su apartamento tras haber concluido el álbum, y allí fue donde falleció en octubre del mismo año por las complicaciones del SIDA.
En las últimas semanas de vida, Renato no salía de casa, se negaba a comer, se apartó de sus amigos. Se encerró a cal y canto en su apartamento de Ipanema, solamente en compañía de su padre y de un enfermero. No quería tomar más el penoso cóctel de drogas que los médicos le habían recetado. "Cuando tomo el cóctel es como si me estuviese comiendo un cachorro vivo. Es el cachorro que me come por dentro", le dijo a un amigo.
A la tarde, los vecinos repararon que la música, siempre alta en el segundo piso del edificio de la calle Nascimento Silva, había cesado. Y los fans no dejaron de reparar luego que la frase URBANA LEGIO OMNIA VINCIT (La Legión Urbana vence todo, en latín), estampada en todos los discos de la banda, estaba ausente en A Tempestade, su último álbum.
En 1997 salió el album Último solo. Ese trabajo contiene canciones anteriores y no incluidas en los anteriores álbumes. Estos tres discos completan las grabaciones en solitario de Renato Russo.

resumido del texto hallado en:
http://www.islaternura.com/APLAYA/NoEresElUnico/R/RUSSOrenato/RussoUNICO.htm

trax
1. Send In The Clowns
2. Clothes Of Sand
3. Cathedral Song
4. Love Is
5. Cherish
6. Miss Celie'S Blues
7. The Ballad Of The Sad Young Men
8. If I Loved You
9. And So It Goes
10. I Get Along Without You Very Well
11. Somewhere In My Broken Heart
12. If You See Him, Say Hello
13. If Tomorrow Never Comes
14. The Heart Of The Matter
15. Old Friend
16. Say It Isn't So
17. Let'S Face The Music And Dance
18. Somewhere
19. Paper Of Pins
20. When You Wish Upon A Star
21. Close The Door Lightly When You Go

que lo disfrutes

Elis Regina, "Saudade do Brasil" (CD doble, 1980).

Elis Regina fue una de las cantantes brasileñas más populares en los años sesenta y setenta.
Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.

En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.
Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.
En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.
Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.
Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años.

de la Wikipedia.

faixas
Disc: 1
1. Abertura/Arrastao
2. Terra de Ninguem
3. Maria Maria
4. Agora Ta!
5. Alo, Alo Marciano
6. Cancao Da America
7. As Aparencias Enganam
8. O Primeiro Jornal
9. Moda de Sangue
10. Marambaia
Disc: 2
1. Presidente Bossa Nova
2. Conversando No Bar
3. Onze Fitas
4. Menino
5. Aos Nossos Filhos
6. Sabia
7. Mundo Novo Vida Nova
8. Aquarela Do Brasil
9. O Que Foi Feito Devera
10. Redescobrir

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Caetano Veloso, "Noites de Norte. Ao Vivo" (CD doble, 2001).

Hay mucha reacción en la prensa contra el hábito de hacer discos de la grabación de un show, que nacieron de un disco de estudio.
Personalmente, he mantenido una opinión diferente. Por un lado, me gusta el calor de la música registrada fuera de los estudios; por otro considero saludables las re-versiones del repertorio y las reiteraciones de estilos que este tipo de disco favorece. Naturalmente, como de cualquier lado, pueden surgir obras buenas, obras aceptables u obras malas.
Entiendo que la reacción contraria se justifica por el riesgo al comercio banal. Pero me gustaría ver un mayor rigor crítico por parte de quien exhibe tanta antipatía por el mercado, por el éxito y por las grabadoras.
El disco Fina Estampa estaba asentado en canciones inéditas muy fuertes: "Cucurrucuru Paloma", "Lábios que bejei", "Você esteve com meu bem", "O samba e o tango" etc. El disco Livro (En vivo, "Prenda Minha") en la ausencia total de canciones de estudio.
Ahora, Noites do Norte. Bien, esta vez terminé aprobando el documento de un show completo. Es el disco de show más disco-de-show que hice hasta el momento.
No sólo está ahí todo el repertorio (y en el orden en que fueron tocadas), sino que además está también toda la impureza técnica de las presentaciones del show en su primera fase, cuando el mismo aún no estaba tan maduro como ahora.
Como en el caso de Prenda Minha, Circuladô o Fina Estampa, no hice personalmente ningún trabajo de post-producción en estudio para corregir lo que no me gustase de mis participaciones vocales. Sólo que en aquellos discos hubo una selección: Como se trataba de una pequeña parte del show, me permitía hacer una selección de lo que mejor estuviese. También hubo en aquellos casos una mudanza en el orden de las canciones. En este está todo.
Para mí, el disco es un tesoro por el trabajo de los músicos. El sonido que resulta de las guitarras de Davi y Pedrinho con los coros de Cesinha, Márcio, Junior, Du y Jó –en el diálogo singular que ese sonido mantiene con el arco musical de Jaques Morelembaum- es también una poderosa máquina. Ella produce liberación.
Me acuerdo de los ensayos: Todas mis ideas se traducían con una asustadora precisión en los timbres de la guitarra de Davi; precisión vigorosa por parte de los percusionistas (con Márcio siempre liderando); intervenciones sabias de Pedrinho; una perfecta seguridad por parte de Cesinha, todo eso con la interpretación general de Jaques, siempre explicando lo que estaba pasando musicalmente y mostrando cómo hacer para que todo pasase más claramente y conscientemente. Él conseguía eso hablando con calma –y lo que es más eficaz- tocando con inspiración.
Fue también Jaquinho quien después de organizar nuestra mente musical en los ensayos, entró a los estudios y dirigió la producción, orientando la recreación de los sonidos en la mezcla. Como lo grabamos el día de mi cumpleaños, tuve (y puedo compartirla con los que compran este CD) la presencia de Lulú Santos.
Así, aunque pida disculpas por eventuales demostraciones de inhabilidad de mi parte, aconsejo comprar y escuchar este CD doble y extensísimo, donde, sobre todo gracias a los instrumentistas, se puede entrar en contacto con una milagrosa parte de lo que más vivo se hace en música en Brasil.

Caetano
Noviembre de 2001.

faixas
1 - Two Naira Fifty Kobo 2 - Sugar Cane Fields Forever 3 - Noites Do Norte 4 - 13 De Maio 5 - Zumbi 6 - Haiti 7 - O Último Romântico 8 - Cobra Coral 9 - Como Uma Onda (Zen Surfismo) 10 - Mimar Você 11 - Araçá Blue 12 - Escândalo 13 - Menino Deus 14 - Magrelinha 15 - Rock' N' Raul 16 - Zera A Reza 17 - Dom de iludir / Tapinha 18 - Caminhos Cruzados 19 - Tigresa 20 - Trem Das Cores 21 - Samba De Verão 22 - Gatas Extraordinárias 23 - Língua 24 - Cajuína 25 - Gente 26 - Tropicália 27 - Eu E A Brisa 28 Homenagem ao Jorge Amado*.

* (Nota): Este está afuera del show, pero como me pareció un momento emotivo (había muerto Jorge Amado hacía poco) lo agregué al recital.

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Toninho Horta & Carlos Fernando, "Qualquer Canção - A Música de Chico Buarque" (1994).

Carlos Fernando brilla excelsamente en la parte vocal de este álbum dedicado enteramente a las canciones consagradísimas de Chico Buarque. Y en el proceso se consagra él. Registren su nombre porque la voz raramente podrán olvidarla una vez que lo escuchen cantar: Cantando este muchacho, el Carlos Fernando, es un verdadero coloso.
La forma de encarar la MPB que tiene Carlos Fernando tiene mucho de jazz, especialmente de cool. Fue el vocalista de un grupo de jazz brasileño llamado Nouvelle Couisine, que ya no existe. Y dicen los cumpas brasileños que han tenido la suerte de escucharlo en vivo que cantando jazz es verdaderamente impagable.

En cuanto a Toninho, vaya este texto:
Un músico de creatividad caudalosa, más de veinte discos, un estilo que combina el samba con el jazz y el pop de aires cariocas. La forma de tocar del brasileño Toninho Horta influyó en un guitarrista como Pat Metheny, que tomó ciertas líneas de armonización de ese estilo.
Considerado uno de los grandes guitarristas contemporáneos, la revista Melody Maker lo calificó, en 1977, como el "mejor intérprete de guitarra en el mundo".
Más allá de semejantes reconocimientos, Horta, se reveló como una persona sencilla y dijo que su estilo era, básicamente, el de un guitarrista de estilo minero con muchas influencias.
Nacido en un hogar musical (sus padres tocaban la guitarra y la mandolina), creció escuchando música clásica y jazz. Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Wes Mongomery, Barney Kessel y Stan Getz amenizaron las calurosas tardes en el hogar familiar. Quizá de aquellos días tomó esa sensualidad vigorosa tan presente en el saxo tenor de Getz.
A los diez años tocaba la guitarra y a los trece hizo su primera composición para que su hermana Gilda la cantara. "Era algo así como un pre bossa nova, una música abolerada", señala el músico desde su casa en Belo Horizonte.
A los 18 años, pisó Río de Janeiro para quedarse y poder conocer a Tom Jobim. También conoce a la inigualable Elis Regina, quien lo incorpora en su grupo para trabajar en los arreglos, junto con otro guitarrista y compositor minero, Nelson Angelo.
Pero su relación con Milton Nascimento es determinante no sólo para su carrera artística, sino también para desarrollar una dirección como compositor.
Forma parte del movimiento El Club de la Esquina, liderado por Nascimento, cuya fuerza lo ayudará para convertirse en un sideman prestigioso y buscado por su originalidad a la hora de armonizar e interpretar.
Actuó con toda la línea de grandes artistas brasileños, como Jobim, Elis, Caetano Veloso, Chico Buarque, Hermeto Pascoal, Gal Costa, Maria Bethania, Lenny Andrade, Nana Caymmi, Nana Vasconcelos y Joao Bosco.
Arreglador de mano delicadísima y sesionista incomparable, sólo en 1980, con "Terra de pássaros", es reconocido en toda su dimensión.
Viaja a Nueva York, donde se radica por diez años y asombra al mundo jazzístico de los Estados Unidos. Actuó con Pat Metheny, Wayne Shorter, Paquito D´Rivera, Randy Brecker, Larry Carlton, Gil Evans, Gary Peacock y Omar Hakim, entre otros.

Fuente para la reseña: Parte de un reportaje de César Pradines para el Diario La Nación, edición del 29/07/04

Tracks
1. Samba E Amor
2. Pedro Pedreiro
3. Joana Francesa
4. Tatuagem
5. Carolina
6. Brejo Da Cruz
7. Bastidores
8. Trapaças
9. Quem Te Viu, Quem Te Vê
10. As Vitrines
11. Qualquer Canção
12. Futuros Amantes

que lo disfrutes

Dusko Goykovich, "Samba Tzigane" (2006).

Dusko Goykovich está entre las leyendas vivientes del jazz europeo. La lista de músicos con los que ha trabajado se parece a un "quién es quién" en la historia del jazz: Benny Bailey, Chet Baker, Kenny Barron, Gary Burton, Kenny Clarke, Miles Davis, Maynard Ferguson, Tommy Flanagan, Stan Getz, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Johnny Griffin... y muchos más.
Ciudadano de Munich, Alemania, Dusko tiene todavía una apretada agenda de giras, que incluye actuaciones con small band, con big band, y apariciones como invitado en múltiples países europeos, además de Japón y Corea.
Por lo general muy admirado por sus perfectas líneas bebop y por sus entrañables baladas (la mayor parte de ellas con trompeta o flugel en sordina), Goykovich abrió un nuevo capítulo en el 2003, cuando presentó "Samba do mar", su primer album completamente inspirado en el Brasil, que cautivaría y conquistaría a auditores del mundo entero. Acompañado por un equipo de su elección en guitarra, bajo y batería y emprendiendo una mezcla de clásicos (Jobim, Villa-Lobos) además de originales, la ejecución de Dunko añade un toque fresco, elegante, a veces elegíaco, a las adorables melodías de la música del Brasil. "Samba do mar" fue un gran éxito, recibió una gran aclamación crítica y ganó el prestigioso premio de la German Record Critics.
Ahora, Dusko y su equipo internacional -Ferenc Snétberger en guitarra, Martin Gjakonovski en bajo, Jarrod Cagwin en batería- vuelven al Brasil con "Samba Tzigane" en el sello Enja Records. Presentan en el disco apariciones de invitados como el flautista brasileño Márcio tubino y la adorable cantante brasileña Celine Rudolph. El nuevo álbum versiona un territorio aun más amplio de temas del samba y la bossa. Además de los clásicos de Jobim, Villa-Lobos, Baden Powell y Luiz Antonio, ofrece originales relajados y encantadores de Tubino, Rudolph y el mismo Goykovich. Lanzado en ocasión del 75mo. aniversario de Dusko, en octubre del 2006, este album celebra la melodiosidad, imaginación y vitalidad de un gran trompetista.

1.Samba Tzigane
2.Melodia Sentimental
3.Meninha Moca
4.O Grande Amor
5.A Descoberta Da Lentidao
6.Trio Loco
7.Samba Triste
8.Coracao Del Sul
9.Five O'Clock In The Morning
10.Este Seu Plhar
11.Everyday And Everynight I Dream Of You

que lo disfrutes

Morelenbaum2 & Sakamoto, "Casa" (2002).

Sakamoto 'resucita' a Tom Jobim en su propia casa
Nota de: QUICO ALSEDO

MADRID.- Sólo una casa. Apenas una construcción de paredes blancas y aire minimal, con vistas a Río de Janeiro. Quizás la madriguera de, pongamos, un mito de la bossa nova: Antonio Carlos Jobim.Tal vez, incluso, «un instrumento musical» en el que, asegura Ryuchi Sakamoto, «hasta las ventanas suenan, vibran con la música».
La casa. Y, dentro, Sakamoto y los Morelenbaum, ex colaboradores de Jobim. Grabando, durante sólo cinco días, las canciones de Jobim. En el piano que usaba Jobim. Sakamoto sentado en la silla en que solía hacerlo el maestro, Jobim (1927-1994).
Pero una Casa que es, al fin, un delicioso álbum (Sony), y que ahora llega a España en directo: hoy a Madrid (sala La Riviera) y el próximo lunes a Barcelona. El feliz encuentro de un trotamúsico de la vanguardia de fin de siglo, Sakamoto (Tokio, 1952), con dos de los mimbres con que Tom Jobim solía construir sus melodías: el chelo de Jaques Morelenbaum y la tenue voz -como manda el canon- de su hija Paula.

«Desde allí se oye el viento, el rumor del océano, los insectos, las ranas del jardín», recuerda Sakamoto: «Naturaleza por todas partes... Jobim la amaba». Por los grandes ventanales, a lo lejos, el Jesús del Corcovado. Y también por las esquinas de Casa se cuela, cómo no, el discurso de esa naturaleza a la que, dice el japonés, «Jobim dedicó la vida».

Desnudez y simplicidad

La casa: una «maravilla» de simplicidad proyectada por el propio hijo de Jobim, Paulo, arquitecto y también músico. Curiosamente, con leve reminiscencia oriental: «El suelo, por ejemplo, es de madera desnuda, muy japonés», dice Sakamoto. Desnudez clave, además, también en la casa grabada: un prodigio de artesanía y concisión. Apenas piano, chelo y voz. Regusto totalmente vintage.

Pero sencillez que Sakamoto, con una parquedad muy asiática -habla casi en haikus-, quiere desmentir: «Su música es fácil de escuchar, pero no de hacer. Tardaba en componer una canción hasta dos y tres años».

El piano que Jobim utilizó durante 20 años, que ahora llena Casa, parece haber hipnotizado a Sakamoto: «Es que lo he sentido dentro, y a la vez creo que yo me he metido en él».

El japonés conoció a la viuda de Tom Jobim en 1995. Fue, claro, en la casa. «Estuvimos una tarde allí, bebiendo, tocando, fue divertido, muy natural y ya entonces me fijé en cómo sonaban las ventanas». Sakamoto cuenta que ya entonces fantaseó con la idea de homenajear a Jobim, «pero no se lo comenté a nadie».Sólo tres años después, Paula Morelenbaum recibió telepáticamente el mensaje. Sakamoto aceptó al momento: Casa estaba en marcha.Como guinda, además, Paulo Jobim hizo una aportación al proyecto: Tema para Ana, un acuático corte instrumental sólo registrado por el maestro en una cinta que Paulo localizó en Nueva York.

Y Sakamoto, acostumbrado ya al turismo musical -en su currículo, desde el techno pop a lo Kraftwerk de YMO a las bandas sonoras de El último emperador y Tacones lejanos, por ejemplo-, ya tenía nueva escala en su particular viaje: «Podría vivir en cualquier parte... Este planeta es sólo uno y yo vivo en él».

Pero no ha albergado esta Casa sólo un triángulo amoroso. Sakamoto: «Al final de la grabación de un tema, un pájaro se posó en el piano y empiezó a cantar ¡con el timing perfecto!». Cuenta el japonés que, de inmediato, llamaron a Ana Jobim a Nueva York: «Quién sabe, quizás sea lo que imagináis», les dijo. Ellos se miraron. Tom volvía a casa.

http://www.elmundo.es/papel/2002/10/02/cultura/1240224_impresora.html

1. As Praias Desertas
2. O Amor em Paz
3. Vivo Sonhando-Dreamer
4. Inutil Paisagem
5. Sabia
6. Chanson pour Michele
7. Bonita
8. Fotografia-Photograph
9. Imagina
10. Estrada Branca
11. O Grande Amor
12. Cancao em modo menor
13. Tema para Ana
14. Derradeira Primavera
15. Esperanca perdida-I Was Just One More For You
16. Sem Voce Album Version
17. Samba Da Aviao
18. Improvisation (Live)

que lo disfrutes

Simone, "Essential" (comp. 2000).

Habiendo tenido un comienzo promisorio como una de las grandes voces de la MPB, Simone ha grabado más de 31 álbumes, abandonando cada vez más el repertorio más activista de composiciones de João Bosco/ldir Blanc, Geraldo Vandré, Chico Buarque y Milton Nascimento, en favor de canciones románticas más comerciales, con las que ha gozado de un gran éxito internacional.

Hija de un cantante de ópera y de una pianista, Simone se mudó a São Paulo a los 16 años en pos de una carrera como jugadora de básquet (incluso fue miembro del equipo nacional). Grabó su primer LP, Simone, en 1973. Hermínio Bello de Carvalho la invitó a cantar en Bruselas y París, actuaciones en vivo que fueron registradas discográficamente. Su segundo LP llegó en 1975, Quatro Paredes, que tuvo éxito con canciones de João Bosco/Aldir Blanc. En 1976 grabó "O Que Será" (Chico Buarque), que fue el tema de la película Dona Flor e Seus Dois Maridos. Milton Nascimento y Fernando Brant escribieron especialmente para ella el tema "Cigarra" (del LP homónimo, de 1978). En 1979, tuvo su éxito mayor con el tema de Ivan Lins "Começar de Novo". La canción fue incluida en su LP Pedaços que también incluyó "Tô Voltando" (Maurício Tapajós/Paulo César Pinheiro), una canción representativa del período del final del régimen militar y el advenimiento de la amnistía política. En 1980 regrabó otra canción política, el anatema pacifista "Pra Não Dizer Que Não Falei Das Flores" (Geraldo Vandré). Fue la primera artista en hacerlo, en tanto la canción había estado censurada anteriormente. Fue asimismo la primera cantante en llenar el estadio Maracanãzinho, en 1981. En 1982 llevó cada noche a 15.000 personas a sus actuaciones en el estadio Morumbi (São Paulo).
Simone fue contratada por la CBS americana, y grabó inmediatamente en USA, siendo alabada por la crítica. En ese nuevo período, marcado por un éxito descomunal, tuvo éxitos con temas como "Alma" (Sueli Costa/Abel Silva), "Tô Que Tô" (Kleiton/Kledir), "Um Desejo Só Não Basta" (Francisco Casaverde/Fausto Nilo), "Você é Real" y "Yolanda" (Pablo Milanés/Chico Buarque). Lanzó Café Com Leite en 1996; el CD estuvo dedicado a las composiciones de Martinho da Vila, autor que compartió con ella el tema "Ex-Amor".
Simone ha seguido actuando con regularidad en Brasil, Portugal y USA. En 1997, fue incluida en la serie de Sony de las Celebridades de la Música de la MPB (compartió ese privilegio con Ângela Maria, Sílvio Caldas y Cauby Peixoto), con la edición de una caja de 4 CDs que conmemoraron los 25 años de su carrera. En el 2000, publicó Fica Comigo Esta Noite, con clásicos del repertorio romántico de la samba brasileña.

datos tomados de la AMG.

FAIXAS
1. Cantos De Maculelê
2. O Que Será
3. Face A Face
4. Maria Maria/Cigarra
5. Sambas De Roda Da Bahia
6. Coqueiro De Itapoã
7. Bodas De Prata
8. Começar De Novo
9. Mulher E Daí
10. Revelação
11. A Sede Do Peixe
12. Tô Voltando
13. Canoa, Canoa
14. Mar E Lua
15. Gota D'Água
16. Eu
17. Estrela Da Canção

que lo disfrutes

Zizi Possi, "Mais Simples" (1996).

Zizi Possi emprendió diferentes caminos durante su carrera. Tuvo su primer éxito con una canción de Chico Buarque, "Pedaço de Mim", y luego con una serie de baladas pop durante los 80; pero finalmente, en los 90, encontró su camino en un repertorio de clásicos de la música brasileña en versiones acústicas altamente pulidas. Aplica muchas variaciones sobre el original, como en Per Amore, álbum completamente dedicado a canciones románticas italianas, cantadas en idioma original.
Cantando sola desde que era una niña, Possi comenzó a tomar clases de piano a los 5 años. A los 20, abandonó el intensivo programa en Composición Musical de la Universidad del Estado de Bahía y comenzó a trabajar como actriz en un musical, descubriéndose a sí misma como cantante.
En 1978, partió hacia Río, adonde fue invitada por Roberto Menescal para grabar su primer álbum, Flor do Mal. El primer éxito de Possi fue el tema que dio título a su segundo album, Pedaço de Mim, de Chico Buarque, tomado de la obra de este Opera do Malandro, en la cual participó ese mismo año. En los 80, Possi expandió su repertorio pop, a expensas de la MPB, logrando éxito con "Asa Morena" (Zé Caradípia, 1982). Otros éxitos de esa década fueron "Perigo" (Nico Resende/Paulinho Lima, 1986), "A Paz" (Gilberto Gil/João Donato, 1987); "É A Vida Que Diz" (Marina) y "O Amor Vem Pra Cada Um" (versión de "Love Comes to Everyone" de George Harrison). El LP Estrebucha Baby (1989) representó una fase diferente, casi experimental, siendo la primera vez que "Meu Erro" (Herbert Vianna) fue grabado no como rock o pop (como fue escrita) sino como un tema de una densa interpretación, que funcionaba como el aggiornamiento de la MPB que hacía ingresar diferentes géneros, fenómeno que encontraba en Brasil sentimientos cruzados.
En los 90, el show Sobre Todas As Coisas representó para ella el hallazgo de una coherencia interna tras haber tomado diferentes caminos. Premiada por el éxito durante las giras, aceptó la sugerencia de Marcos Suzano de incorporar el cello de Lui Coimbra, para grabar el álbum Sobre Todas As Coisas (1991).
La estética de un sonido acústico sumado a los clásicos de la música brasileña se intensificó en Valsa Brasileira (1993) y en sus álbumes posteriores. Valsa Brasileira tuvo dos éxitos importantes: "Bom Dia" (Swami Jr./ Paulo Freire) y "Lamento" (Pixinguinha).

Faixas
1. Melodia sentimental
2. Béradêro
3. Filho de Santa Maria
4. Olho de peixe
5. Mais simples
6. Um beijo meu
7. Se meu mundo cair
8. Explode coração
9. Mundo cruel
10. Eu quero um samba
11. Só pra chatear
12. Provei
13. Brasil
14. Juízo final

Que lo disfrutes

Joyce, "Hard Bossa" (1999).

Joyce Silveira, oriunda de Río de Janeiro, nació el 13 de enero de 1948. Desde que Joyce comenzara su carrera hace 30 años como una joven armada con una guitarra, una voz cristalina, un inmenso talento de compositora y un compromiso claramente feminista, hasta su nominación para los premios Grammy por su album Astronauta (1998) o esa joya que es Gafieira Moderna (2001), ha recorrido una carrera que ha contribuido a poner la música brasileña en el lugar preeminente que ocupa en la actualidad dentro de la música ligera internacional. Joyce comenzó su carrera grabando en 1968 y, de las muchas artistas que comenzaron en esa época, fue la única en utilizar composiciones propias, que se caracterizaban además por estar escritas desde una perspectiva sinceramente feminista.
Las canciones de Joyce han sido interpretadas y grabadas por los principales intérpretes de música brasileña, como Milton Nascimento, Elis Regina, Gal Costa y Astrud Gilberto. El redescubrimiento en los 90 de su album Feminina (1980), delicado tejido de folk y samba en un sencillo estilo acústico, le supuso el ganar una nueva generación de admiradores en Europa y Japón y ampliar el número de seguidores de una música que combina los ritmos brasileños, las armonías jazzísticas y unas letras inteligentes con una bellísima voz de gran expresividad. Para Jobim, hombre poco dado al exceso en el halago, Joyce era una de las grandes cantantes de todos los tiempos.

faixas
1 Zoeira (Paulo César Pinheiro - Joyce)
2 Quarup (Paulo César Pinheiro - Joyce)
3 Criança (Joyce)
4 Nome de guerra (Paulo César Pinheiro - Joyce)
5 London Samba (Maurício Maestro - Joyce)
6 Todos os Santos (Paulo César Pinheiro - Joyce)
7 Juparana (Paulo César Pinheiro - Joyce)
8 Novelo (Paulo César Pinheiro - Joyce)
9 Hard bossa (Joyce)
10 Vatapá (Lea Freire - Joyce)

que lo disfrutes

Jussara Silveira, "Canções de Caymmi" (1998).

Se eu fosse vento,
se eu fosse só o vento...
se eu fosse vento e saudade
se eu podesse ser vento e me chamar Dorival...

Canções de Caymmi, de Jussara Silveira, es un trabajo que tiene todo lo necesario para ser considerado un disco de Música Popular Brasilera. "O mestre" Dorival, bahiano, guitarrista, letrista, compositor, cantante, es un artista popular, como pocos pueden jactarse de serlo. Corrijo, debería decir: popular sin concesiones, como pocos, etc.
La bahiana Jussara Silveira se atreve a las canciones de Caymmi y las canta, dice, sopla, mastica, respira; y revitaliza un repertorio que sobrevive y se agiganta con el tiempo. En su trabajo hay no sólo un homenaje al gran mestre, sino también a un modo de concebir la música popular.
Hace un par de renglones se afirmó que revitaliza un repertorio -como si la obra de Caymmi lo necesitara- y es que estas canciones inmortales son recreadas, re - creadas, por la voz y el candor de Jussara, con el apoyo de tipos como Jaques Morelenbaum, Ronaldo Bastos y Luiz Brasil.
Jussara, Canções de Caymmi, editado en 1998, es un álbum para escuchar y vivir una vez más y soñar con esa Bahía casi mítica, casi inexistente de tan bella en el recuerdo que proponen estas canciones, y llamar al viento...

(reseña escrita por mi hermoso hermanito Claudio, en ocasión de su post en un anterior blog que alguna vez tuve).

Lista de Temas:
01- O Vento
02- Lá vem a Baiana
03- Nem Eu
04- O Anjo da Noite
05- Você diz que amar é crime . Vou vê Juliana
06- Maracangalha
07- Yayá não sabe . Você não sabe amar
08- Horas
09- Milagre . História por sinhozinho
10- Canto de Nanã . Quem vem pra beira do mar
11- Saudade de Itapoã
12- Adalgisa
13- O Vento (Vinheta)

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Jun Miyake - Innocent Bossa In The Mirror

Comentando un disco de nuevas versiones de viejos éxitos de la Bossa Nova, a Carlos le agarró la saudade de otros tiempos, en que la Bossa era algo más que un tempo que, aplicado a casi cualquier cosa, da como resultado un producto comercializable como lounge. Es así, mi querido amigo, aquello que tenía de nuevo la Bossa parece haber quedado reducido a un beat repetido por una máquina, o en el mejor de los casos, a versiones sin alma y sin ideas nuevas.

Existen, si embargo, algunas raras excepciones. Una de ellas es este disco de Jun Miyake, un japonés nacido en Tokyo y graduado en el Berkley College of Music. Descubierto por la leyenda del Jazz Terumasa Hino, Jun comenzó su carrera como trompetista de jazz, grabando con Ron Carter y Al Foster, entre otros.

Jun Miyake se desarrolló luego como compositor, arreglador, productor y músico. Miyake ha publicado 13 álbumes en su país natal, y compone música para anuncios publicitarios, obras de teatro, películas de largometraje, y piezas para danza, como las que realizó en colaboración con el coreógrafo Philippe Decouflé.

Este disco lo descubrí gracias al siempre sabio consejo de Joe Sixpack, autor de una fabulosa Guía de la Música Brasilera. Acerca de Inocent Bossa In The Mirror dice Joe Sixpack: "Un rareza, un hermoso disco enteramente nuevo de Bossa Nova hecho por outsider. El multi instrumentista japonés Jun Miyake nunca se había acercado a la música brasileña entes de este álbum, pero con la ayuda de los modernistas Arto Lindsay y Vinicius Cantuaria, Miyake lanza un delicado hechizo que recuerda los mágicos días de gloria de Joao Gilberto, Carlos Lyra y otros grandes. Como lo hace en sus propios albumes, Lindsay escribe y canta las letras en portugués, mientras Cantuaria aporta el más suave, más convincente acompañamiento con guitarra imaginable. El piano de Miyake recuerda el inquietante sonido de Erik Satie, y mientras cada track tiende hacia una prolongada exploración de un único tema ( una canción con una percusión extraña, otro con un flugelhorn como instrumento líder), el efecto total es mágico y sereno."

Descargalo haciendo clic aquí.

Celso Fonseca & Ronaldo Bastos, "Polaroides" (2006).

Influido por Baden Powell, el exitoso compositor, productor e instrumentista Celso Fonseca comenzó en música a los 12 años, habiendo aprendido ya la guitarra. A los 19 comenzó a dedicarse a la música como profesión. Gilberto Gil lo invitó en 1981 a su banda, con la cual tocó Fonseca por todo Brasil y en varios otros países.
Fonseca también tocó y grabó con Chico Buarque, Djavan, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Gal Costa, Elza Soares, Marisa Monte, João Bosco, Jorge Benjor, Leila Pinheiro, Simone, y varios otros. Su curriculum incluye varias giras internacionales, cuatro actuaciones en el Festival de Montreux y en varios otros festivales en Europa, Canadá, USA y Japón. En 1986, comenzó a trabajar como productor, trabajando para Vinícius Cantuária. También produjo discos para Daúde, Virgínia Rodrigues, Leo Gandelman, Gal Costa y muchísimos otros artistas. Las canciones de Fonseca han sido grabadas por Caetano Veloso, Gal Costa Gilberto Gil, Maria Bethânia, Ney Matogrosso, Nana Caymmi, Milton Nascimento, Carlinhos Brown, Daúde, Vinícius Cantuária, Verônica Sabino, Adriana Maciel y Zizi Possi.
Al notable letrista Ronaldo Bastos se lo conoce principalmente por haber sido compañero varias veces de Milton Nascimento.
Pero también demostró ser un competente productor. A través de su sello discográfico Dubas Música, estuvo a cargo de los álbumes Clube da Esquina 2 (Milton Nascimento) y Amor de Índio (Beto Guedes). Fue premiado por estas producciones y también por su trabajo para Nana Caymmi y Toninho Horta. Bastos escribió letras para varios otros compositores, tales como Lulu Santos ("Um Certo Alguém"), Marina Lima, Edu Lobo, Toninho Horta, Caetano Veloso, João Donato, Djavan, Tom Jobim y Beto Guedes. Ney Matogrosso grabó su "Olhos de Farol" (con Flávio Henrique) en el álbum del mismo título.
Bastos también tuvo éxito escribiendo covers que fueron grabados por Gal Costa, Beto Guedes y Sarah Vaughan.
En este disco se presentan 14 pequeñas joyas, que demuestran la vigencia de la atemporal bossanova, que se muestra tremendamente frágil, susurrante y embriagadora alrededor de la bella guitarra de Celso Fonseca, sola (My broken heart) o acompañada por cuidados arreglos de cuerda (Satélite bar , Slow Motion Bossa Nova), melosos teclados (Meu Tudo Pra Mim), una simple y maravillosa percusión (La Piú Bella Del Mondo) o bellas flautas y vientos (Valeu). Una bossa que se presenta seductora y vital cuando se rodea de un espléndido y cálido saxo que recuerda la pareja Jobim-Getz (Denise Bandeira), o de un chispeante órgano que parece rememorar los gloriosos días de Walter Wanderley (Samba É Tudo). Bossa que a veces se acerca al jazz más cool y sugerente (Out of the blues , Ledusha Com Diamantes), al pop soul sofisticado y melodioso (A Noite É Meu Ópio) e incluso al folk pop de los 60 (Polaroides). Un disco con sabor a clásico, con una línea muy definida alrededor de la bossa más clásica, pero con múltiples y ricos matices que incluyen hasta insospechadas bases programadas.

datos tomados de lacoctelera.com y AMG.

Tracklist:
--------------
01. Satelite Bar (4:04)
02. Denise Bandeira (2:57)
03. Ela Vai Pro Mar (3:19)
04. Meu Tudo Pra Mim (4:13)
05. La Piu Bella Del Mondo (4:40)
06. Polaroides (3:34)
07. My Broken Heart (3:30)
08. Samba e Tudo (4:57)
09. Valeu (4:43)
10. Out Of The Blues (3:55)
11. A Noite e Meu Opio (3:48)
12. Ledusha Com Diamantes (4:38)
13. Slow Motion Bossa Nova (4:50)
14. Sorte (4:01)

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Marisa Monte - Infinito ao meu redor (Audio del DVD)

Marisa Monte nació el 1 de julio de 1967 en Río de Janeiro y desde mediados de los 90 se ha convertido en una de las cantantes brasileñas más populares.

Su padre era el director musical de Portela, una de las más importantes escolas do samba de Río de Janeiro. Así, rodeada de música, creció Marisa, que desde pequeña estudió piano, batería y más tarde guitarra. En su adolescencia grabó algunos demos y fue corista de la banda pop Laranja da terra.

Comenzó a estudiar canto lírico y al cumplir la mayoría de edad viajó a Italia a perfeccionarse. Allí la descubrió, cantando música brasilera en un pub, Nelson Mota, que estaba preparando un show llamado Tudo veludo. El show se estrenó en 1987 en el canal JazzMania, en Río, y el éxito fue tal que Marisa, comenzó a ser considerada una de las voces más prometedoras de la música popular brasileña.

Entre 1988, fecha en que apareció MM, su primer disco, y 2008, cuando se editó Infinito ao meu redor, Marisa Monte ha grabado ocho discos en estudio y editado DVDs con conciertos. Infinito ao meu redor es el segundo de estos DVDs y contiene un documental que muestra la vida de la artista durante la gira de presentación de sus discos Universo ao meu redor e Infinito particular.

El DVD viene acompañado de un CD con nueve canciones, pero el archivo que les presentamos, es el audio extraído del DVD, un archivo con 19 canciones grabadas en vivo. Infinito ao meu redor presenta a la cantante acompañada por una orquesta, interpretando temas de los discos que motivaron la gira y clásicos de su repertorio, como Alta Noite, Não Vá Embora o María de verdade. El concierto termina con Não é proibido, un tema cuya versión original se puede escuchar en Rarezas y Colaboraciones vol. 3, y que nunca había sido grabado en un disco.

¡Que lo disfuten!

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Joyce e Toninho Horta, "Sem Você" (1995).

En las notas internas del álbum Joyce chante Antonio Carlos Jobim & Vinicius de Moraes, Jobim consideró a Joyce como la mejor intérprete de sus canciones. Sin llegar a tanto, no cabe duda de que la excepcional voz de Joyce se adecua a la perfección a las características melódicas de los temas del maestro. Joyce es, sin duda, una de las mejores voces de Brasil, al nivel de otras grandes como Elis Regina, Gal Costa, Simone o Maria Bethania.
Toninho Horta es probablemente el más grande guitarrista que ha dado Brasil desde Baden Powell, aún cuando su obra no goza del reconocimiento que merece, especialmente en el propio Brasil. Esta grabación, Sem Você, producida para el público japonés, y muchos años después disponible en el mercado occidental, es un emotivo homenaje a Jobim, marcado por la extraordinaria calidad musical de Toninho Horta.

Fuente para la reseña: www.jazznoend.com

01. Ela é carioca (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:53)
02. Correnteza (Tom Jobim - Luiz Bonfá) (3:35)
03. Inútil paisagem (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:52)
04. Frevo de Orfeu (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:04)
05. Lígia (Tom Jobim) (3:35)
06. Vivo sonhando (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (2:37)
07. Dindi (Tom Jobim - Aloysio de Oliveira) (4:02)
08. Só danço samba (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:02)
09. Outra vez (Tom Jobim) (3:41)
10. Sem você (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (3:39)
11. Este seu olhar / Só em teus braços (Tom Jobim) (2:39)
12. Estrada do sol (Dolores Duran - Tom Jobim) (2:45)
13. Ela é carioca - Replay (Tom Jobim - Vinicius de Moraes) (4:08)

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Trio da Paz - Partido Out

Queridos amigos: Las horas que debo dedicarle a mis actividades fuera de la web, me han impedido últimamente ocuparme de actualizar Bienvenidos a la Monga. Es por eso que he aceptado el generoso ofrecimiento de mi amigo Carlos de suplantarme en esa tarea. Mis apariciones serán, de aquí a un tiempo, esporádicas y generalmente en fines de semana. Mientras tanto quedan ustedes invitados a disfutar de la excelente selección de música que nos propone el querido tío arlos. Muchísmas gracias Carlos!

Partido Out es el tercer album del Trio da Paz, el trío formado por Romero Lubambo en guitarra, Nilson Matta en contrabajo y Duduka da Fonseca en percusión. El título surge de un juego de palabras con "partido alto", una forma de samba que se caracteriza por la improvisación.

Lubambo, Matta y Fonseca son instrumentistas sorprendentes, pero esa habilidad no va en detrimento de su capacidad como compositores. En temas como Melancia, donde se lucen Lubambo y Fonseca, el baião P'ro Flávio, o una maravillosa mezcla entre armonías de Bach y ritmo de baião, Bachião, los músicos encuentran un vehículo para probar su destreza.

El lado melódico del disco está formado por temas como Paraty, composición de Nilson Matta que es de las más lindas del disco, Luísa, de Toninho Horta, Rosa, tema que Matta escribió para su madre, y Song for Kaya, que Lubambo dedicó a su sobrina.

Trio da Paz asombra con su sonido, su fusión natural de lo brasilero, su cretividad y espontaneidad. Que lo disfruten!

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Nilson Matta & Friends, "Walking with My Bass" (2006).

Nilson Matta no necesita presentación. Es el bajista brasileño más conocido de los que viven fuera del Brasil, y uno de los mejor conocidos en el mundo entero. Solamente su trabajo con el Trio da Paz ya sería suficiente para establecer su nombre pero, en la amplia carrera de Nilson, éste es solo la punta del iceberg.
Habiendo tocado con casi todos los que tienen un nombre en la música popular brasileña, Nilson tiene un vasto círculo de amigos musicales y una rica fuente de colaboradores con quienes contar cuando planifica un CD propio.
"Este proyecto" -dice Nilson- "representa un poco de toda mi vida musical y expresa mi gratitud hacia los artistas con quienes he compartido hasta ahora esta vida. He trabajado con todos los músicos que están en este CD, excepto uno, en grabaciones a lo largo de más de 30 años".
Walking With My Bass no es tanto una muestra espectacular del bajo de Nilson como sí de sus talentos para los arreglos. Este album de jazz brasileño, con Nilson tan bien acompañado, prodiga una variedad de estilos y rasgos musicales, además de bellos trabajos vocales y de expertos instrumentistas que conforman un grupo totalmente diverso, en el que se cuentan Rosa Passos, Joyce & Tutti Moreno, Ivan Lins, João Bosco y el siempre incomparable Filó Machado.
He aquí los temas
Naná: Un tratamiento de big-band para este clásico del jazz, con refinados solos a cargo de Claudio Roditi (trompeta) y Anne Drummond (flauta).
Samba Sem Você: Rosa Passos dando lo mejor de su talento jazzístico. Su impecable trabajo de división y de swing mantiene una conversación con el juguetón bajo de Nilson y la conducente percusión de Valtinho.
Take the A Train/Smile: Estas pistas representan las dos facetas del trabajo armónica-bajo-batería. La primera es juguetona y enérgica; la segunda, una meditación lírica.
Atlântida: Un modesto arreglo de voces, piano, guitarra, bajo y batería que brinda resultados pródigos. El scat de Ivan y el solo bajístico de Nilson sobresalen.
“Berimbau” es una exploración del bajo como instrumento melódico. Y por qué no, si tiene más cuerdas que un berimbau. "Here´s That Rainy Day" está dominado por el sutil piano de Kenny Barron.
I Only Have Eyes for You: Joyce (una de las pocas vocalistas brasileñas que puede hacerlo) canta en inglés y toca la guitarra. Tutti en la batería y Nilson en el bajo completan un arreglo íntimo.
Bossa for Copacabana: Compuesto por Nilson Matta, este instrumental pleno de swing presenta solos adorables a cargo de Helio Alves (piano) y Claudio Roditi (trompeta).
Perfume de Cebola: El sonido de Filó Machado es, como dicen en portugués, inconfundível. Aquí canta su propia melodía con letras de Cacaso, cuyo nombre fue curiosamente omitido en los créditos.
Jade: João Bosco sabe cómo imbuir de un fuerte sabor africano sus letras terrestres (“Luz talismã misterioso cubanacã/Delícia sensual de maçã/Saborosa manhã”), así como también lo hace en el arreglo de esta canción poderosa.
Night and Day: Este arreglo bulle. El saxo de Harry Allen y la flauta de Anne Drummond saltan y danzan mientras el bajo de Nilson y la percusión de Cro Baptista mantienen el ritmo funcionando.
Creek: Anne Drummond es la que conduce, con un virtuoso trabajo de flauta, y la asisten Helio Alves (piano), Vic Juris (guitarra) y Paulo Braga (batería).

Nilson Matta & Friends: Walking With My Bass
(Blue Toucan Music BT0120819; 2006) 67:32 min.

faixas
01. Nanã (Moacir Santos/Mário Telles)
02. Samba Sem Você (Rosa Passos/Fernando de Oliveira)
03. Take the A Train (Billy Strayhorn)
04. Atlântida (Ivan Lins/Celso Viáfora)
05. Berimbau (Baden Powel/Vinicius de Moraes)
06. I Only Have Eyes for You (Harry Warren/Al Dubin)
07. Bossa for Capacabana (Nilson Matta)
08. Perfume de Cebola (Filó Machado/Cacaso)
09. Smile (Charles Chaplin)
10. Jade (João Bosco)
11. Here’s That Rainy Day (Jimmy Van Heusen/Johnny Burke)
12. Night and Day (Cole Porter)
13. Creek (Vitor Assis Brasil)


traducido y adaptado por Carlos del texto hallado en:
http://daniellathompson.com/Texts/Reviews/Matta-Walking.htm

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Mayra Andrade, "Navega" (2006).

Mayra Andrade nació en 1985 en Cuba, hija de padres caboverdianos. Creció en Cabo Verde pero ha vivido en Senegal, Angola, Alemania y por fin en Francia, aunque siempre guarda en su corazón el amor por Cabo Verde. Apasionada desde pequeña por la música, a los dieciséis años se presentó al concurso de canción de la Francofonía en Canadá y triunfó frente a varias decenas de candidatos, logrando así para Cabo Verde la primera medalla internacional de oro.
Después de recorrer varios festivales del mundo, regresó para grabar en 2006 su primer álbum: Navega (Sony-BMG). Con este trabajo, Mayra se impone como una de las promesas de la música de Cabo Verde, recogiendo el testigo de grandes voces de la isla como la de Cesaria Évora.
Así, sin dejar de beber de la cultura caboverdiana, Mayra Andrade impone su estilo único sobre el escenario. Su cálida voz y sus interpretaciones ricas en colores y ritmos hacen de Mayra una artista singular. Puede cambiar con una facilidad increíble de “morna” a “funana” y de “coladeira” a “batuque” añadiendo su toque personal en estilo jazz.

Lo que dice la prensa.
"Una de las voces más prometedoras de Cabo Verde que no pierde de paso su alma” (Vibrations)
"De una soltura vocal y escénica asombrosa, Mayra Andrade se afirma como una de las más prometedoras revelaciones de la música caboverdiana " (Le Monde)
"El Cabo Verde de Mayra se parece a una isla a sotavento, barrida por las olas que traen a su orilla efluvios cargados de jazz, soul, músicas africanas y brasileñas." (Les Inrockuptibles)
"Mayra Andrade, caricia de Cabo Verde" (Liberation)

La cantante caboverdiana Mayra Andrade está ultimando su esperado segundo disco, cuyo lanzamiento está previsto para abril de 2009.

texto tomado de:
http://www.bamwam.com/01_artistas/mayra.htm

Tracks
1. Dimocransa
2. Lapidu Na Bo
3. Mana
4. Tunuca
5. Comme S'il En Pleuvait
6. Nha Sibitchi
7. Lua
8. Navega
9. Poc Li Dente É Tcheu
10. Dispidida
11. Regasu
12. Nha Nobéza

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Rodrigo Rodrigues, "Fake Standards" (2001).

Durante algunos años, la voz, la guitarra y las sensibles interpretaciones de Rodrigo Rodrigues fueron un tesoro prácticamente restringido al público paulistano. Tesoro que, ahora, comienza a dividirse entre todos, gracias al disco póstumo Fake Standards, en un lanzamiento de Dubas Música. Rodriguez murió hace unos años, el 6 de abril del 2005, el día en que cumplió los 44 años, víctima de leucemia; pero su arte permanece vivo en este álbum precioso y atemporal, en una coproducción de él mismo y del multiinstrumentista y arreglador Mario Manga, disco que estuvo listo ya en el 2001.
Precioso porque funciona como una cátedra de cómo recrear los clásicos de la canción americana pre-rock´n´roll, y atemporal por reunir un repertorio inmune a las modas, el mismo que en los últimos años ha sido banalizado por decenas de cantantes, con Rod Stewart al frente.
Con la excepción de Suzanne Vega (compositora del pop americano que fue un éxito en los años 90 con "Luka" y de quien aparece en este disco el tema "Caramel"), Rodrigues apela a los autores que ayudaron a escribir el cancionero de la primera mitad del siglo XX. Gente como Irving Berlin (“Let´s Face The Music and Dance”, “Isn´t It A Lovely Day” y “Change Partners”), Hoagy Carmichael” (“I Get Along Without You Very Well”), Richards Rodgers e Lorenz Hart (“My Funny Valentine”), David Raksin e Johnny Mercer (“Laura”) y Walter Donaldson & Gus Khan (“Love Me or Leave Me”).
Una instrumentación minimalista -las guitarras del cantante o de Mario Mango, y algunos vientos eventuales, como saxofón, clarinete y gaita, ejecutados por el propio Rodrigues- que realza a un intérprete preciso, con algo de João Gilberto, Joe Mooney y Chet Baker. Voz límpida, dicción perfecta, sin apelar a vibratos, Rodrigo Rodrigues saborea cada sílaba de las sabrosas letras. De “fake” (falsos, fraudulentos) estos standards no tienen nada. Rodrigo consigue dar una nueva lectura a canciones que ya han recibido grabaciones casi definitivas, de artistas como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra y Chet Baker.

FAKE STANDARDS
1. Let's Face the Music and Dance
2. Love Me Or Leave Me
3. Cry Me a River
4. September Song
5. I've Never Been in Love Before
6. Sweet Lorraine
7. Isn't This a Lovely Day
8. Caramel
9. Change Partners
10. It's Only a Papermoon
11. Moonlight in Vermont
12. I Get Along without You Very Well
13. Laura
14. My Funny Valentine

que lo disfrutes

McCoy Tyner, "McCoy Tyner with Stanley Clarke and Al Foster" (2000).

Como lo declara el título, el pianista McCoy Tyner se empareja aquí con dos compañeros inspirados e inspiradores, que conforman una sección rítmica que posee un toque liviano y a la vez cantidades de energía. Mientras que por momentos había parecido que a Tyner le daría por dirigir él un trío, eso aquí nunca ocurre. En vez, el trío toca aquí sobre muchos de los cimientos post-bop habituales y lo hace con una vitalidad fresca.
La empatía es visible desde la apertura, "Trane-like", en la que el bajista Stanley Clarke y el baterista Al Foster crean un entorno rítmico pujante que hace que las teclas de McCoy suenen como piedras danzando a lo largo del agua. Esta centelleante interpretación se extiende hasta "Will You Still Be Mine?" y hasta la afrocubana "Carriba", mientras que el pianista hace una expansiva panorámica del blues en su "Goin´Way Blues", en la que combina abordajes tradicionales y modernistas. Clarke es igualmente competente, sea en su rol de acompañante o en el de solista, esté tocando acústico o eléctrico. Él usa reservadamente su bajo eléctrico, contribuyendo con un contagioso funky a la primera toma de "I Want to Tell You ´Bout That" y con una reverberante conducción a su otro original en el disco, "In the Tradition of", una melodiosa bossanova que recuerda a Antonio Carlos Jobim. Pero quizás sea Foster quien haga lo máximo para hacer tan lograda esta sesión. Su batería echa chispas, y él produce una musicalidad que levita sin resultar nunca intrusiva. Los resultados son profundos para la tradición del formato piano-trío, y es el mejor lanzamiento que Tyner ha tenido en muchos años en este formato.

adaptado de la reseña de Stuart Broomer

trax
01. Trane-Like
02. Once Upon A Time
03. Never Let Me Go
04. I Want To Tell You 'Bout That (Electric Bass Version)
05. Will You Still Be Mine
06. Goin' 'Way Blues
07. In The Tradition Of
08. The Night Has A Thousand Eyes
09. Carriba
10. Memories
11. I Want To Tell You 'Bout That (Acoustic Bass Version - Alternate Take)

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Bob Brookmeyer - Bob Brookmeyer and Friends

Nacido en Kansas City, Missouri, en 1929, Robert Brookmeyer es uno de los escasos músicos de jazz que han elegido el trombón de pistones como instrumento en su carrera.

En 1952 se unió al grupo del saxofonista Stan Getz, donde empezó ser conocido. Un año más tarde ocupó el lugar del trompetista, Chet Baker en el famoso cuarteto de Gerry Mulligan y permaneció en él entre 1954 y 1957.

Tras una aparición en el festival de Newport de 1958, decidió trabajar de forma independiente con su propio nombre y grabó algunos discos, entre ellos, uno famoso con el pianista, Bill Evans. En 1963 se incorpora a un proyecto que daría jugosos momentos en la historia del jazz: la famosa bigband organizada por el saxo barítono, Gerry Mulligan conocida como "Concert Jazz Band".

En 1964 Brookmeyer convocó a algunos amigos para grabar un disco como líder. Stan Getz, viejo compañero de ruta, estaba en uno de los momentos más importantes de su carrera. Había regresado de Dinamarca y el disco Jazz Samba, grabado junto al guitarrista Charlie Bird, le había permitido recuperar popularidad, introduciendo, además, la bossa nova en estados Unidos. Ese mismo año grabaría su famoso disco junto a Joao Gilberto.

Elvin Jones, por su parte, formaba parte del Cuarteto de John Coltrane, que a fines de ese año grabaría A Love Supreme. Ron Carter y Herbie Hancock formaban parte del grupo de Miles Davis, que ese año se convertiría, con la incorporación de Shorter, en el segundo Quinteto. Junto a esos músicos grabó el trombonista Bob Brookmeyer su disco Bob Brookmeyer and Friends

A pesar del nivel de los músicos y del excelente momento que atravesaban todos, la primera jornada de grabación no los dejó satisfechos. Getz invitó entonces al joven vibrafonista Gary Burton, de 21 años, para que vaya al estudio al día siguiente a brindar "apoyo moral".

Burton cuenta su sorpresa ante la amigable bienvenida que le dió Brookmeyer cuando apareció sopresivamente con su vibráfono. El trombonista decidió cambiar algunos arreglos para incluirlo.

Jones, Carter y Hancock forman una base sólida que permite a Brookmeyer y Getz desarrollar su cretividad. La calidad de las interpretaciones y la química que existe entre ellos y Burton dieron como resultado este disco maravilloso, de tono relajado y romántico.

La edición original estaba formada por ocho temas, tres originales de Brookmeyer y cinco standards. Esta edición incluye tres temas decartados originalmente, entr ellos el bellísimo Pretty Woman, de Brookmeyer, y Day Dream, tema en el que participa el cantante Tony Bennet.

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Miles Davis - Salle Playel

A fines de 1964, Miles Davis comenzó a darle forma al grupo que se conocería como el Segundo Quinteto. El primero había estado integrado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones.

Cuando Coltrane abandonó el grupo, Davis comenzó a trabajar con distintos saxofonistas hasta que se encontró con Wayne Shorter. Este segundo quinteto, integrado por Shorter, Ron Carter en contrabajo, Herbie Hancock en piano y Tony Williams en batería tuvo una breve pero prolífica existencia, grabando junto a Davis discos fundamentales como E.S.P., Miles Smiles, Nefertirti y Filles de Killimanjaro.

Wayne Shorter es el centro creativo de la banda, y el trabajo de Miles es el de dirigir, arreglar y pulir. Escuchar los temas de Shorter grabados en sus discos solistas o por el Quinteto de Miles Davis, muestran la forma en la que Miles influía sobre los músicos y la música que tocaba su banda.

Esta grabación no oficial, es la última que existe del Quinteto, antes de su disolución. Fue realizada en París, el 6 de Noviembre de 1967 en Salle Playel. El reprtorio incluye originales de la banda como Agitation, Masqualero o Footprints y standards como 'Round About Midnight y I Fall In Love Too Easily. Que lo disfruten!

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McCoy Tyner - Counterpoints

McCoy Tyner es uno de los favoritos de este blog. Carlos lo sabe, y por eso me alegra cada tanto, con alguno de sus discos.

En Julio de 1978, en el festival Live Under The Sky, que se llevó a cabo en Tokio, Japón, McCoy Tyner dividió en dos su presentación. Una parte él solo tocando el piano, la otra junto a Ron Carter en contrabajo y Tony Williams en batería. La grabación de ese concierto se publicó en dos discos, en los que esos sets están mezclados: Passion Dance, publicado en 1978, y Counterpoints, publicado en 2004.

Counterpoints abre con una composición de Tyner, The Greeting. Tyner y Carter sorprenden con sus solos y sus ideas, y la energía del Williams es impresionante. Un año antes de este concierto, el trío ya había grabado seis temas en el disco de Tyner Supertrios, donde habían probado su compatibilidad.

Prelude to a Kiss, de Duke Ellington, es el mejor momento de Counterpoints. Interpretado como un dueto de piano y contrabajo, comienza con unos acordes delicados de Tyner, que poco a poco se vuelve más extrovertido y experimental. Durante su solo, se pueden escuchar sus característicos riffs. En contraste, Carter toca de una forma mucho más clásica, en un estilo mucho mas orientado al bebop.

El disco se completa con dos temas del set de solo piano (Aisha y Sama Layuca) y un tema que nunca había sido editado en ningún otro disco, Iki Masho (Let's Go).

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Trío Los Chasquis - Musique Creole d'Equateur et du Perou

Justo en el momento en que la reunión plenaria de la Junta Directiva de Bienvenidos a la Monga! estaba discutiendo su despido por abandono de sus tareas, llegó una encomienda de Nestor, nuestro hombre en Francia.

Algunos de los miembros de la Junta, sucias sus conciencias por la infame acción que pretendían llevar a cabo, se echaron debajo de la mesa, suponiendo que podía tratarse de un atentado del futuro desempleado. Por supuesto que no se trataba de una bomba, si no de el disco que hoy les presento aquí.

El Trio Los Chasquis, que nada tiene que ver con Los Chaskis de Rodolfo Dalera, está formado por Queta Rivero, Santiago "Cato" Caballero y Ricardo Eyzaguirre, y editaron Musique Creole D'Equateur Et Du Perou (Música Criolla de Ecuador y Perú) en 1995 en Francia.

En Musique Creole..., el Trío Los Chasquis hace un recorrido por los estilos criollos más conocidos: el vals, la polca y la marinera peruanos y los ecuatorianos sanjuanito, tonada, pasillo, pasacalle y albazo. También incluyen dos festejos y un landó afroperuanos.

En punto de caramelo, el vals que abre el disco narra una fiesta a la que concurren los distintos ritmos del folclore peruano. A continuación, otro vals, el sentido y romántico Nuestro secreto. Otros temas que destacan dentro del repertorio peruano son la marinera limeña El Jilguero, el vals Lima de Octubre, la polca Labios rojos y el landó Azúcar de caña, que fuera incluído en una recopilación del sello de world music, Putumayo.

Parentesis: A los que disfruten de este disco les recomiendo darse una vuelta por La Pata Maldita, donde van a encontrar una magnífica colección de música criolla de Perú.

Del repertorio ecuatoriano vale la pena destacar el pasillo Añoranzas, el albazo Tu cariñito, el sanjuanito Pobre corazón y la tonada tradicional La naranja. Es notoria la influencia de la música indigena en algunos de los estilos ecuatorianos como el sanjuanito o la tonada.

Alguno puede señalar que entre los destacados nombré, más o menos, la mitad del disco, pero que quieren que haga si me gusta! La voz de Queta Rodríguez tiene una característica que remite a otro tiempo, como si nos llegara a través de una radio a válvula, directo desde la época de oro de la canción criolla, entre 1940 y 1960.

Gracias Néstor!

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Varios - The Soul of Black Perú

El folclore peruano, riquísimo y variado, puede agruparse en tres grandes grupos definidos por las características geográficas: el folclore costeño, el andino y el amazónico. En la costa, más influida por la cultura española y más proclive al mestizaje, se combinan ritmos tradicionales europeos con ritmos de origen africano.

La mitad de la población de la Lima colonial estaba compuesta por esclavos negros, y la influencia de su cultura sobre la música criolla actual fue enorme. La zamacueca, por ejemplo, es un baile de origen afroperuano que dió origen a la marinera, que es hoy considerada la danza nacional del Perú.

Dice Wikipedia que la zamacueca es un estilo musical y baile limeño en el que se representa el asedio amoroso de una mujer por parte de un hombre. Proviene de la terminología de "zamba "clueca" en alusión a aquél asedio, similar al que efectúan los gallos a las gallinas. Esta terminología probablemente nace a partir de la conjunción y mestizaje de los bailes de los esclavos negros y los gitanos durante la inspirada afición que existía por la pelea de gallos en el Virreinato del Perú, sobre todo en Lima y la costa norte de Perú. De la zamacueca surgirían también la cueca chilena, la cueca cuyana, la zamba argentina y la cueca norteña o boliviana.

La comunidad negra tiene, además, ritmos que le son propios como el alcatraz, el festejo o el landó, que son comunes entre las comunidades negras de la costa sur del Perú. Esta música fue marginal durante muchos años, hasta que a mediados de los 60s, los creadores como Nicomedes y Victoria Santa Cruz y los interpretes como Abelardo Vázquez, formados por Porfirio Vázquez en la primera esuela de Folclore en Perú, comienzan a lograr difusión comercial para el género.

Afro Peruvian Classics - The Soul of Black Peru es una recopilación de la música negra de Perú seleccionada por David Byrne. Cuenta Susana Baca que el profesor de español de David Byrne, le hizo escuchar al es Talking Heads, como parte de una clase, la canción María Landó. Byrne quedó fascinado con la cantante y la canción, y contactó a Baca.

The Soul of Black Peru reune un excelente puñado de canciones entre las que destacan No me cumben, del legendario Nicomedes Santa Cruz, Prendeme la vela de Abelardo Vásquez, la potente Enciendete candela, de Roberto Rivas, la conmovedora Azúcar de caña, de Eva Ayllón, el Landó del fabuloso conjunto Perú Negro y el de Chabuca Granda, y el tema que le dio proyección internacional a Susana Baca, María Landó.

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Salazar, González, Stagnaro, Casaverde - Cuatro guitarras

Esta es una de esas cosas maravillosas que uno se topa por casualidad en la red. La verdad es que excepto a Lucho González no conozco a los otros músicos.

Víctor Salazar, Lucho González, Ramón Stagnaro y Félix Casaverde son considerados los mejores guitarristas peruanos de la actualidad, según pude leer en algunos sitios dedicados a la música peruana. En este disco se reúnen para interpretar algunos valses criollos peruanos clásicos, de autores como Manuel Acosta Ojeda, Victoria y Nicómedes Santa Cruz y Pablo Casa Padilla.

Aunque creo que nadie extrañaría, si no estuvieran allí, los arreglos de cuerdas que suenan de fondo en algunos temas, eso no alcanza para empañar las magníficas interpretaciones de estas cuatro guitarras. Lamentablemente no cuento con información que permita individualizar a los interpretes e indique quien interviene en cada pieza.

Puedo decirles, sin embargo, que no se pueden perder canciones como Rosa Luz, En un atardecer y Lima dominguera. Que lo disfrutes!

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Varios - Guitarristas

Hace ya un tiempo, Horacio, viejo amigo del blog me envió la esta excelente recopilación de guitarristas argentinos realizada en los 1988 por el sello Melopea. El cassette reune piezas interpretadas por distintos artistas editados por el sello y nunca fue reeditado en CD.

En los temas interpretados por Ricardo Lew, Lito Epumer y Mingui Ingaramo se pueden reconocer la influencia de Pat Metheny y el Miles Davis de discos como Amandla, sonidos que marcaron la etapa del Jazz Fusión. Las guitarras no quieren llorar, de Lito Nebbia, comparte ese sonido, sin embargo al impronta de Nebbia como compositor es claramente reconocible dentro de la recopilación.

Gotas de Néctar, de Quique Sinesi, es una bellísima composición "llena de climas y sonidos sensibles", dice el sobre interno del cassette. Luis Borda, Hugo Romero y Lucho Gonzáles se inclinan hacia los ritmos autóctonos, aunque claro, fuera de las formas tradicionales.

Coincido con Horacio en decir que es Improvisación por marineras, de Lucho González, el tema más lindo dentro de una recopilación que no tiene desperdicio. Afirma Horacio: "Se la recomendaría a todos los amigos!"

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Dino Saluzzi - Bermejo

Cuando pensé Bienvenidos a la Monga! lo imaginé como una manera efectiva de compartir música con algunos amigos con los que por distintas razones, ya no nos resultaba tan fácil sentarnos en la misma habitación y escuchar un disco tras otro, como lo hacíamos años atrás.

Hoy, el blog a dejado muy atrás esa idea, y se ha convertido en algo que jamás había soñado. La idea de compartir música que casi no tiene difusión comercial, o que directamente ha sido descatalogada, generó una respuesta maravillosa que nos permitió tener el honor de sacar a la luz documentos como los recitales del Cuchi junto al Dúo Salteño y a Patricio Jiménez o las fabulósas grabaciones de Oscar Alemán junto a Gastón Bueno Lobo en Les Loups.

Claro que es algo en lo que no estamos solos. Hubo blogs como Incunables, Los inconseguibles del Rock Nacional, El blog de Carlos y otros que fueron los que iniciaron una movida que se fue gestando junto a otra gente y otros blogs como Los que no se consiguen, Ao Passarinho, Canto nuevo, La pata Maldita, Voces de la Patria Grande y otros compañeros de ruta en donde encontramos tantas cosas que nos sorprenden y deleitan.

Ayer recibí un mail de Marcelo, que desde otra ciudad me ofrecía enviarme su cassette original de Bermejo, de Dino Saluzzi para que lo digitalice y lo publique. Por una de esas casualidades yo me había encontrado con este material hace un par de semanas (bueno, no por casualidad, si no porque lo estaba buscando) y estaba esperando el momento para publicarlo.

Y digo que estaba esperando el momento porque siento que publicandolo ahora los mal acostumbro, y que va a ser imposible mantener el blog con nivel de esta semana. Ojalá aparezcan más sorpresas hermosas como esta!

"Tengo un cassete de Saluzzi del año 80 donde se empieza a ver lo que luego serán los discos Vivencias I y II", dice Marcelo. "El disco se llama Bermejo y tiene algunos clásicos ( El condor pasa, De mis pagos) y algunos propios ( Bermejo, Candombe del tío José y otros)."

"Recuerdo que la primera vez que lo escuché, en el año '81, y me partió el bocho. Yo venía del palo del rock, y encontrar ese disco me abrió la cabeza para empezar a escuchar, entre otras cosas, folclore."

Bermejo es un disco influido por el Jazz Rock que reinaba a fines de los 70's. Como dice Marcelo, anticipa los cambios que vendrían en la música de Saluzzi. Y es que Bermejo, así como anticipa Vivencias, es un lógico paso luego de Dedicatoria, el disco donde se hace notoria la ruptura de Saluzzi con las formas tradicionales.

Acompañado por Bernardo Baraj en saxo, Pocho Lapouble en batería, Matías González en bajo, Rubén Rada en percusión, Juan Barrueco en guitarra, Ricardo Sanz en bajo en Puna y Soledad, El cóndor pasa y De mis pagos y el Cuarteto Zupay y Patricia Saluzzi en coros, Dino Saluzzi grabó este discazo donde se lo puede escuchar cantando.

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Kelo Palacios - Para Sudamérica

Hace unos días, después de publicar el bellísimo disco Tiempo de Kelo Palacios, encontré en mi mail un mensaje que me dejó sin palabras.

"Eduardo Arolas", ese es el seudónimo de nuestro amigo, me volvió a sorprender con un regalo maravilloso. Como si hubiera sido poco con las grabaciones de Les Loups, el primer grupo de Oscar Alemán, Eduardo quiso compartir con nosotros Para Sudamérica, el otro disco de Kelo Palacios.

Dice Eduardo: "Respecto al Kelo Palacios, guitarrista, percusionista y arreglador de cuanto folclorista quería un acompañamiento de lujo, llega por 1º vez al disco con ese material (Tiempo de Kelo Palacios). A mi gusto (lo que no es medida de nada) uno de los 2 o 3 mejores L.P.s de la década"

"Leí su comentario sobre otro disco del que sabe solo el nombre: Kelo Palacios para Sudamérica. Este archivo está digitalizado del disco original, que tengo en mi poder. Por un compromiso de amistad y de pelear juntos por el tango y el folclore te aviso que sale también para mi " hermano" Martín y sus Voces de la Patria Grande."

En Para Sudamérica, Kelo Palacios toca en guitarra y charango, un repertorio que va desde Balderrama, de Leguizamón y Castilla, hasta Chiquilín de Bachín, de Piazzolla y Ferrer, pasando por temas propios como el bellísimo Tema para Malena o el que le da título al disco. Palacios también ejecuta el clásico, bastante reciente en ese entonces, El cóndor pasa, del grupo Los Incas, antecesor directo de Urubamba.

Eduardo se tomó, además, el trabajo de copiar la ficha completa del disco y de escanear la tapa, que yo no supe unir, motivo por el cuál puse esta otra imagen que corresponde a una reedición posterior.

Grabado en febrero, marzo y abril de 1976, Kelo Palacios comparte arreglos y dirección con Juan Carlos Cuacci y músicos como Oscar Alem, Luis Ferreyra, Alberto Alcalá, Rodolfo Mederos, Carlos Goldeberg, "Nene" Giménez, Amadeo Monges, Fernando Suárez Paz, Ricardo Domínguez, Carlos Marrodán, Chango Farías Gómez y su hijo Ángel Luis Palacios.

Mientras Eduardo promete más material de primera, se está formando, aquí en Bienvenidos a la Monga, una Comisión Pro Monumento a "Eduardo Arolas". Gracias Eduardo!

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Dúo Salteño y Cuchi Leguizamón - En vivo

El 13 de diciembre del año pasado recibí un mensaje de Felipe, un visitante del blog, contándome que poseía un cassette con una grabación obtenida durante concierto del Dúo Salteño en el que también participó el Cuchi Leguizamón.

Luego de varios mails, logré encontrarme con Felipe, que vive en otra ciudad. Generosamente, y a pesar de ser practicamente un desconocido, Felipe me prestó el cassette que había que digitalizar para poder subirlo al blog. Mis amigos Nicolás y Julián, poseedores de la tecnología necesaria, hicieron ese trabajo.

Después, fue la insistencia del Capitán Beto la que no me dejó aflojar y me obligó buscar y aprender a manejar un programa que me permitió separar en tracks la grabación. Hoy, por fin, el contenido del famoso cassette de Felipe está listo para compartirlo con todos ustedes.

"Debe estar grabado en 1981", asegura Felipe acerca de este concierto del Dúo Salteño. El archivo, incluye trece temas grabados "en un boliche de Córdoba".

En los últimos cinco temas participa, tocando el piano, Gustavo "Cuchi" Leguizamón. "No sé si era algo preparado y frecuente, pero Cuchi comienza tocando una chacarera, se equivoca, y uno de los dos le grita: que la toque de nuevo, hasta que la aprenda" describe Felipe el comienzo de El hombre del ají, último tema del archivo.

La calidad del audio es bastante buena pero se escucha un poco de soplido de la cinta. Si algún voluntario se ofrece a mejorarlo, yo pongo a su disposición el audio sin comprimir.

Para ilustrar el post, estuve buscando una foto aparecida hace unos años en la revista Ñ, que mostraba a los integrantes del Dúo junto al Cuchi en un camarín, en los momentos previos a un concierto. Lamentablemente no pude encontrar la revista, perdida en alguna mudanza. Después de mucho buscar, encontré finalmente la foto que ven más abajo y que tomé prestada del sitio del Dúo en My Space.

Agradeciendo a Julián y a Nicolás, al Capitán Beto y a Cuaresmillo, webmaster del blog del Dúo, pero sobre todo a Felipe, Bienvenidos a la Monga se enorgullece en presentar una nueva grabación inédita del maravilloso Dúo Salteño junto al Cuchi Leguizamón.

Que lo disfruten!

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Dino Saluzzi - Bandoneón tierra adentro Vol.2

La primera vez que escuché a Saluzzi, fue en el maravilloso film Saluzzi, ensayo para bandoneón y tres hermanos, de Daniel Rosenfeld. Me cautivaron tanto el protagonista y su música como el film en sí mismo, y ese fue el punto de partida para comenzar a investigar en la obra del bandoneonista salteño.

La discografía de Saluzzi es extensa y abarca tres etapas: una primera etapa de música folclorica, de la cual sólo es posible conseguir una o dos recopilaciones; una segunda etapa (1978-1984) donde sin abandonar el repertorio folclórico se inclina hacia el jazz rock, a la que es posible acceder a través de Vivencias I y II, editados por el diario Página/12; y su etapa europea, tal vez la de más difícil acceso musicalmente, pero la más probable de encontrar en las disquerías.

Bienvenidos a la Monga ya publicó el lindísimo Bandoneón tierra adentro y hoy me enorgullezco en presentar Bandoneón tierra adentro Volumen 2, lanzado en 1975 y no disponible en la red hasta la fecha.

El sitio El Tangauta publicó un interesante reportaje al músico, del cuál extraigo algunos fragmentos.

¿Cómo es Campo Santo, su lugar de origen en la provincia de Salta? Creo que es el mejor lugar en el mundo. Es un pueblito, con casas derruidas y muchas dificultades para vivir. Antes había tres fuentes de trabajo: la fábrica de azúcar, la fábrica de cemento pórtland y una plantación de olivares. Todo eso desapareció y recién ahora comienza a reconstruirse en parte. Se puede imaginar cómo es la vida en un lugar donde no hay nada que hacer…

¿Cuándo decidió irse a vivir a Alemania? Entre los años 1980 y 1981. Desde hacía tiempo tenía intenciones de irme porque acá no se podía vivir. Aún le agradezco al gallego del almacén de mi barrio parte de mi subsistencia, el tipo me aguantaba… Alberto. Todavía sigue siendo vecino. En la época que mencioné visitó Buenos Aires el presidente de un importante Festival de Jazz europeo, recorrió toda Latinoamérica e invitó a gente de Perú, Bolivia, Brasil, Chile y me invitó a mí por Buenos Aires. Fue una elección mía apoyada por la fortuna, pude conocer otras realidades y sobre todo entender que yo era músico, que estaba lo suficientemente preparado. Muy poco tiempo antes vendía aerosoles en los ómnibus, pero nunca dejé de estudiar, amaba el bandoneón como lo amo ahora, un instrumento muy difícil, para tocarlo bien se necesitan muchas horas de ejercicios, de prácticas, crear la bibliografía necesaria para evolucionar en la técnica del instrumento, porque con el tango se adquiere una especie de amaneramiento de tocar y ahí se detiene la evolución del bandoneón.

¿Por qué el tango detiene la evolución del bandoneón? El bandoneón está preso del tango. La Orquesta Típica tenía cuatro bandoneones. Se los denominaba bandoneón A y bandoneón B y después tercero y cuarto. Ahí no había rotación de solistas, el músico quedaba para siempre en ese puesto, siendo bandoneón de apoyo de un solo solista. Eso para mí fue una equivocación porque no ayudó o no impulsó la posibilidad concreta de evolucionar del resto. En una orquesta sinfónica seria hay seis ‘concertinos’ por lo menos. O sea que cada uno ocupa un lugar importante. Entonces el aprendizaje, y por ende la evolución, estaban vedados para nosotros. Lo mismo sucede cuando se dice “Gardel cada día canta mejor”, eso trabó la evolución de los cantantes que lo sucedieron, una cosa bastante cruel. Por supuesto que Gardel canta bien, pero hay otros que cantan también muy bien. Uniformar el gusto me parece poco prudente y de no muy buen tino.

¿Qué relación encuentra entre el tango y el folclore? La otra vez hice una prueba en una de las funciones del Tasso: se me ocurrió una melodía e improvisé un poco. Primero la toqué con forma de tango y luego con forma de zamba. Creo que la gente percibió las dos formas distintas, pero al final es música de acá, en los giros armónicos y melódicos se nota que hay una argentinidad visible. Entonces pienso, en mi locura, que las dos son maneras de expresar un solo sentir, el sentir argentino. No creo en la dicotomía. Creo que el folclore, el verdadero folclore, todavía no está gestado. Está gestada la costumbre, una especie de hábito, pero aquellas cosas que serían el arte de las provincias, que son bien parecidas al tango, como la zamba, aún no han encontrado verdadera expresión. Lo demás es una postura separatista.

¿Puede un músico hacer tango y folclore? Se puede, pero tenés que conocerlos. ¿Conocer las dos cosas es un doble trabajo? ¿O es una fortuna vivir los dos ámbitos? La pregunta más importante es ¿cuál es el destino que tienen dos cosas que están separadas pero son en definitiva los polos de un mismo elemento? No hay una verdadera oposición. Esto lo digo por primera vez. Pero sí hay un descuido en la investigación de todo el repertorio de lo que significa la música argentina, y de ahí, por qué no, se pueden fusionar las dos cosas, en lugar de fusionar el tango con la música electrónica. Sólo que hay trabajar y estudiar más, para no hacer un mensaje pseudo artístico.

¿Cómo fue la composición de Bandoneón tierra adentro, uno de los discos fundacionales de su carrera? Era inconsciente, ahí se nota mucho la inocencia, y por eso es que hasta ahora sigue vigente. Con los demás músicos ni sabíamos qué íbamos a grabar y arrancamos con cualquier cosa. Todas las canciones guardan para mí un recuerdo muy querido, tengo deseos de grabarlo de nuevo. La gente necesita reconocerse en sus propias cosas, si no hay desorientación.

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Kelo Palacios - Tiempo de Kelo Palacios

Kelo Palacios es un músico, compositor, docente y arreglador argentino. Hijo de la cantante catamarqueña Margarita Palacios, comenzó tocando el bombo y bailando en el conjunto de su madre, y más tarde la guitarra y el charango.

Como músico tocó junto a Eduardo Lagos, Hugo Díaz, Gato Barbieri, Armando Tejada Gómez, Los Arroyeños, Ariel Ramírez y Jaime Torres. Como arreglador y director de conjuntos se destaca su trabajo junto a Rodolfo Dalera y Los Chaskis.

La información disponible sobre Kelo Palacios es bastante poca y es muy difícil rastrear su discografía solista. Existe un disco llamado Para Sudamérica, que no he podido escuchar y el que hoy presentamos aquí, que fue rescatado y publicado por Danito en su fantástico blog Los que no se consiguen. A él le agradezco la gentileza de permitirme publicarlo aquí, pero sobre todo, le agradezco el trabajo que hace en Los que no se consiguen.

Con un repertorio de temas propios y ajenos, Kelo Palacios grabó Tiempo de Kelo Palacios en 1972, acompañado por amigos como Hugo Diaz en armónica, Domingo Cura en percusión, Eduardo Lagos en piano, Dino Saluzzi en bandoneón y Oscar Alem en bajo.

El archivo incluye un escaneo de la cubierta del disco, con un texto de Eduardo Lagos.

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Hugo Díaz - Jazz

Hugo Díaz nació en Santiago del Estero, Argentina, el 10 de agosto de 1927. Cuando tenía 5 años una pelota lo golpeó en los ojos y lo dejó ciego hasta que 14 meses después recuperó la vista gracias a una operación. Fue durante ese período que comenzó a tocar la armónica, convirtiéndose en un niño prodigio: debutó en la radio de Santiago, en 1936, e integró la primera orquesta folclórica creada por el Consejo de Educación de Santiago del Estero.

Su pasión por la música no conoció límites de género: interpretó con igual maestría música de raíz folclórica, tango y jazz. De manera autodidacta aprendió también a tocar el contrabajo, que tocaba en una banda de jazz, el violín y el piano. En 1946, debutó en Buenos Aires como solista y en 1949 formó su primer conjunto, "Hugo Diaz y sus Changos", integrado por su esposa Victoria Cura como cantante; su cuñado, el percusionista Domingo Cura; y los guitarristas José Jerez, Julio Carrizo y Nelson Murúa.

Logró reconocimiento internacional y en sus viajes a Europa y Estados Unidos, tuvo ocasión de tocar con Luis Armstrong y Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Sara Vaughan y Jean Toots Thielemann. En Argentina, compartió escenario, compuso y grabó con los músicos y poetas más importantes de la cultura popular.

Su trabajo discográfico casi no ha sido reeditado en Argentina, y sólo gracias a los ripeos que circulan en la web es posible acceder a mucha de su música. Esos archivos en MP3 carecen de cualquier información acerca de la grabación o de los músicos que en ella perticiparon. Agradecería, por lo tanto, que algún amable lector aporte los nombres de los músicos que lo acompañan en esta sesión maravillosa.

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Hernán Oliva - El violín del jazz

Descubrí la música de Hernán Oliva, como tantas otra música, en el Blog de Carlos. El violín del jazz es un discazo, y al publicarlo hoy aquí vuelvo a agraderceles a Carlos y a Horacio, que fue quien aportó el disco, el haberme permitido conocerlo. A continuación reproduzco el el conmovedor artículo que acompañaba el post de Carlos y Horacio y que fue escrito por Ricardo Espinosa para mundoclascico.com.

Hernán Oliva, tocando para la vida y la muerte.

Ese hombre bajo y regordete ha sentado su violín en la vereda. Carga 74 años en las ojeras y pasea la música por las calles, esperando que alguna mano le arroje unas monedas. Ha transitado la noche sin suerte. Ya casi nadie lo recuerda. El frío ha comenzado peligrosamente a perforarle los remiendos del alma. Es de madrugada. Está en el barrio de La Boca, a dos metros de La Bombonera, cuando el bastón se quiebra, el violín cae y destapa Polvo de estrellas en las nieblas del Riachuelo. Es 17 de junio de 1988. Hernán Oliva se acuna ya en el silencio para siempre.

'Mi vida es simple y la puedo resumir así: yo, el violín y el violinista'. Bastó que el adolescente Oliva escuchara un disco del gran Joe Venuti para que supiera cuál era su camino. Había visto la luz en Valparaíso (Chile) el 4 de julio de 1913. 'Mi madre Laura era una mujer chapada a la antigua y se dedicaba a las tareas de la casa. Aníbal, mi padre, era corredor de bolsa y aficionado a los burros. Pero la vocación me la fomentó mi mamá, a quien le gustaba la música. El primer juguete que tuve fue un violín chiquitito; supongo que ahí empezó todo. Recuerdo que lo salvé de un incendio cuando se quemó nuestra casa'.

A trompadas

El 24 de abril de 1935 llega a Mendoza. Se ofrece en Radio Cuyo como intérprete de jazz, pero le piden que toque un tango que, sin saberlo, pintará su destino. Con Alma de bohemio consigue su primer trabajo. Recala luego en Buenos Aires y la orquesta de René Cóspito lo convoca. 1940. En la boîte Chaumière abraza su violín al piano del Mono Villegas. 'El para mí fue una escuela. Si uno no aprendía con Enrique Villegas, no aprendía más'. Con Oscar Alemán la historia termina mal. 'Estuve un tiempo en su orquesta, pero no lo aguanté. El embolsaba 6 mil pesos y nosotros $400. No podía ser. Nos agarramos a trompadas una noche en Punta del Este porque se le ocurrió decir ante el público que él era lo más genial de la orquesta'.

1958. Se trepa a un barco que va a Nueva York. 'Me hubiera gustado ir con más frecuencia a Estados Unidos, pero nunca viviría allí. Los norteamericanos viven para ellos, es otra cosa, otra vida. Yo prefiero esto, lógico'. En los carnavales del club Independiente conoce a Sara, su esposa. Tienen tres hijos. 'Siempre me he ganado el peso tocando el violín. Mi vida económica no ha sido muy buena, qué le vamos a hacer. Para mí la música representa una válvula de escape. Me gustaría llegar a tocar muy bien, aún me falta mucho. El violín requiere práctica constante porque la gente está esperando que uno se equivoque y no voy a darle con el gusto. El mayor estímulo cuando toco, es que la gente me escuche, que no hable. Cuando toco no pienso en nada ni en nadie, pienso que las notas tienen que salir al aire con ideas nuevas. Un tema se desarrolla como un pescado o un pollo: hay que alimentarlo de una forma o de otra hasta que madure'.

Una sola pasión

En Holanda sostienen que Oliva es el mayor violinista de jazz del mundo. Boliches de la calle Corrientes, el Viejo almacén, la Richmond, Jazz & Pop conocen de la magia sobre las cuatro cuerdas. El tango es un sentimiento que se sacude en Malena, El entrerriano, Amurado, Silbando... Mito García lo acompaña en piano. 'Pero todavía no me siento identificado con el tango. No se puede tener dos pasiones a la vez. Soy músico de jazz y al jazz he consagrado mi vida y trato de tocarlo lo mejor posible'.

Los discos le dejan gratos elogios, pero Hernán tiene alma de bohemio. 'Salgo temprano a visitar los boliches para preguntar a los dueños si a la noche va a haber trabajo. Yo solito me procuro el trabajo y me ayudo a conseguir un peso más. Todos los días lo mismo. El drama mayor de mi vida no es el dinero, sino la falta de trabajo. Con trabajo se tiene dinero, lógico... En este país realmente no reconocen a nadie'. Una vez más, Hernán ha salido a encontrar la esperanza en cada calle. Esa madrugada de junio, su violín tocará para la muerte. Al día siguiente, los diarios lo buscarán en el olvido. Pero será demasiado tarde.

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Oscar Alemán - Les Loups

Hace unos días recibí un mail que me produjo una gran alegría. Eduardo, un lector del blog, quizo compartir con todos este maravilloso archivo que recopila las grabaciones que Oscar Alemán y Gastón Bueno Lobo realizaron bajo el nombre de Les Loups.

Se trata de las primeras grabaciones de Oscar Alemán y hasta ahora no estaban disponibles en la web! Generoso, Eduardo incluyó en el archivo, un texto con información acerca de Alemán. La información ha sido recogida de la web, pero no figura la fuente. A continuación, reproduzco algunos fragmentos.

Excepcional guitarrista chaqueño, nacido en Resistencia el 20 de febrero de 1909. Su padre, Jorge Alemán Moreira, era guitarrista folklórico, integrante de un grupo familiar, el Sexteto Moreira. En 1915 decidió intentar la aventura de Buenos Aires, con su esposa y sus hijos; comenzó con suerte, consiguiendo un modesto contrato para presentarse en los escenarios del viejo Luna Park, en Corrientes y Carlos Pellegrini, en el Teatro Nuevo y en el célebre Parque Japonés de Retiro. El pequeño Oscar zapateaba malambo y hacía algunas acrobacias. Poco duró el trabajo, y Jorge Alemán fue a probar suerte como comerciante y artista en Brasil, acompañado por sus hijos. Las desgracias se sucedieron: los negocios fracasaron y las actuaciones artísticas apenas alcanzaban para subsistir. La madre de Oscar que había quedado en Buenos Aires, murió, el padre enloqueció y se suicidó, y los hermanos se separaron.

Con poco más de diez años, Oscar quedó solo en las calles de Santos. Allí pasó todas las penurias imaginables, incluyendo el hambre, cuya consecuencia fue el raquitismo que afectó su salud para toda la vida. Bailaba a cambio de unas monedas o un poco de comida hasta que aprendió a tocar el cavaquinho, la pequeña guitarra de cuatro cuerdas característica del Brasil. En forma totalmente intuitiva se transformó en un verdadero virtuoso del instrumento. Formó el dúo Los Lobos, con el guitarrista Gastón Bueno Lobo, con quien regresó a Buenos Aires en 1925, ya con cierto renombre, contratado por la compañía del actor cómico Pablo Palitos, quien afrancesó el nombre del dúo a Les Loups.

Con la compañía de Palitos debutaron en el Teatro Casino, y luego actuaron en el Chantecler, el Tabarís y otros escenarios. Oscar alternaba el cavaquinho, el ukelele, la guitarra y el contrabajo, sin olvidar instrumentos de percusión como el pandeiro, las maracas, los bongós y la batería. Cantaba en castellano, portugués y francés. Bailaba la rumba y otros ritmos tropicales. Para muchos fue el primer gran showman del país, mucho antes de que se utilizara el término.

Los Lobos también fueron atraidos por el ambiente tanguero de Buenos Aires. Con el excepcional violinista Elvino Vardaro conformaron el Trío Víctor. Alemán compuso el tango "Guitarra que Llora", con letra de Enrique Cadícamo (que estrenó Agustín Magaldi ,acompañado por el propio Oscar en una revolucionaria versión en la que utilizó una guitarra hawaiiana); actuó en radio, coincidiendo en algún programa con Carlos Gardel, y apareció fugazmente en una revista de Enrique Santos Discépolo. Grabó algunos discos para RCA Víctor, como solista e integrando Los Lobos, con música brasileña, fox trots, valses y tangos.

En 1929 Los Lobos compartieron un espectáculo con el bailarín de tap Harry Fleming, que los sumó a su conjunto para una gira por Europa. Actuaron en las principales ciudades de España, y luego siguieron por Grecia, Italia, Alemania, Holanda y Portugal. Concluido el contrato con Fleming, Oscar y Bueno Lobo retornaron a España para una nueva gira, que incluyó además presentaciones en Londres y París. Al regresar a Madrid, Bueno Lobo enfermó y regresó a Brasil, donde se suicidó poco tiempo después. Alemán, afectado por la muerte inesperada de su mentor comentó "Se me han muerto dos padres".

Alemán siguió su carrera en Europa, alternando Madrid y París. Se presentó como solista en el Casino de la capital francesa, donde coincidió nuevamente en algunas actuaciones con Carlos Gardel. En 1932 tuvo su gran oportunidad cuando fue contratado por Josephine Baker, en ese entonces auténtica reina del espectáculo europeo, con quien recorrió prácticamente toda Europa.

Desde su llegada a París comenzó a frecuentar el Hot Club de Francia, donde conoció y probablemente acompañó a dos gigantes del Jazz: Louis Armstrong y Duke Ellington, debiendo rechazar por su contrato con Josephine Baker una oferta de este último para sumarse a su orquesta. En el Hot Club se convirtió en el gran amigo de Django Reinhardt. No tocaron juntos "oficialmente", pero cuentan que eran frecuentes sus escapadas a locales de escasa categoría donde Oscar se vestía de gitano para formar un dúo con Django, o se disfrazaba de indio para presentarse como "El Indio y el Gitano".

La influencia del Quinteto del Hot Club parisino se reflejó en el quinteto que formó a su regreso a Buenos Aires, para el que convocó al extraordinario violinista chileno Hernán Oliva, Dario Quaglia en segunda guitarra, Andrés Álvarez en bajo y Ramón Caravaca en batería. En 1943 el grupo se modificó casi por completo, convirtiéndose en un sexteto. Con cambios de pianista esta agrupación grabó más de cuarenta temas hasta 1947.

Durante unos años Oscar Alemán no grabó, ocupado con actuaciones en teatros y en las confiterías Richmond y Adlon. En 1971 reapareció triunfalmente en un recital en el que lo acompañaron sus alumnos. Registró a continuación dos LP magistrales para el sello Redondel. El primero fue "Alemán '72"; en Julio de 1973 registró con el clarinetista Jorge Anders el disco "Oscar Alemán con Jorge Anders y su Orquesta". Su último LP fue "Sí... Otra Vez!", con el swing que lo caracterizó siempre plenamente vigente a sus setenta años, pese a los problemas de salud que lo aquejaron desde los duros años de su infancia. Falleció al año siguiente, el 14 de octubre de 1980.

En este muy documentado blog dedicado a Oscar Alemán, pueden encontrar mucha información sobre el guitarrista.

Señoras y señores, por primera vez en la web, Les Loups!
Gracias Eduardo!!!!

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Wes Montgomery - Beginnings

Wes Montgomery nació en Indianápolis el 6 de Marzo de 1925. Como muchos otros guitarristas de su generación, decidió empezar a tocar influenciado por Charlie Christian. Wes, sin embargo, desarrolla una tecnica propia, tocando con el pulgar, en lugar de tocar con púa como Christian. Esa forma de tocar, le da un sonido particular, personal, que se convierte en una marca registrada y una influencia enorme sobre todos los que vinieron después.

Como su familia es muy pobre, él y sus hermanos comienzan a tocar para ganar dinero para ayudar a sus padres. Los Montgomery Brothers serán, más adelante, grandes instrumentistas, por eso sorprende saber que cuando empezaron a tocar dejaron librado a la suerte cual de ellos tocaría cada intrumento. Wes graba su primer LP solista, el impresionante Fingerpickin’, en el año 1957. Pero el gran salto lo pega cuando conoce, en 1959, al saxofonista Cannonball Adderley. Este le consigue una audición en el sello Riverside, donde graba A dinamic new sound. Este disco, de gran exito entre la crítica, lo convierte en el guitarrista del momento, y toca con todos los grandes músicos: Adderley, Milt Jackson, John Coltrane, entre otros.

Entonces, en 1960, graba el disco que lo consagra definitivamente: The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery es un éxito no sólo en críticas, si no también en ventas. El éxito obtenido le permite volver a tocar con sus hermanos y grabar tres discos como "The Montgomery Brothers".

Tras la muerte de Bill Grauer, presidente del sello Riverside, Wes firma con Verve. Allí grabaría entre otros discos, Goin' Out Of My Head, que aunque no se encuentra entre los mejores del guitarrista, le permitió ganar un premio Grammy en 1965. En mayo de 1968 grabó Road Song, que fue publicado tras su muerte por un ataque al corazón, el 15 de junio de 1968, cuando tenía sólo 45 años.

Esta recopilación, que gentilmente nos envió Braulio, recoge grabaciones hechas entre 1957 y 1959, antes de su descubrimiento por Cannonball Adderley. Las grabaciones pertenecen a distintas sesiones de los inicios de Montgomery, y por lo tanto con distintos acompañantes. Entre los músicos que tocan, además de sus hermanos Buddy y Monk, se puede destacar a Freddie Hubbard y Harold Land.

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Clifford Brown & Max Roach - Study in Brown

Cuenta el artículo que Apolo y Baco publica en sus Biografías del Jazz, que Clifford Brown, nació el 30 de octubre de 1930 y a los 22 años ya era una estrella de la trompeta y había trabajado con Tadd Dameron, Art Blakey y Lionel Hampton. Con el vibrafonista, realizó incluso una gira europea de la que afortunadamente quedan testimonios discográficos.

A los 23 años realizó las primeras grabaciones a su nombre (especialmente significativa, fue el tema: Easy Living, para el sello, Blue Note y al año siguiente ya estaba en la formación que le dio fama y prestigio en el mundo del jazz: el quinteto que formó con el batería, Max Roach.

Era el año 1954, y ese quinteto que ambos músicos pusieron en marcha, y que duró hasta la trágica muerte en accidente de trafico del trompetista el 28 de junio de 1964, fue uno de los puntales imprescindibles del hardbop, un estilo que nacía cómo consecuencia de la recapitulación del bebop y la necesidad de recuperar las raíces del jazz, en cierta forma amaneradas por determinados instrumentistas blancos arropados bajo la formula del cool en la Costa Oeste de los EE.UU. La impresión que causó ese quinteto fue extraordinariamente positiva. Las primeras grabaciones para el sello: Emarcy, se hicieron el 2 de agosto de 1954 y las ultimas el 17 de febrero de 1956.

El Hard Bop nació en los años 50's, cuando muchos músicos negros sintieron que los blancos se habían apoderado de su música, que el bebop se había vuelto comercial y un tanto standarizado, como ya había ocurrido con el swing. Fue otra vez Miles Davis, con su Miles Davis Quintet (John Coltrane, Cannonball Adderley, Red Garland, Philly Joe Jones, Paul Chambers) el que dió el puntapié inicial. Pero el Hard Bop toma forma definitiva con la creación de los Jazz Messengers de Art Blakey y de los quintetos de Horace Silver y el de Clifford Brown - Max Roach.

El quinteto, además de Clifford Brown en trompeta y Max Roach en batería, contaba con Harold Land en saxo tenor, George Morrow en contrabajo y Richie Powell en piano. El disco comienza con Cherokee, un temazo con un arreglo formidable a cargo de Brown y Land. Brown y Richie Powell, hermano menor de Bud, suenan maravillosamente en Sandu, un lindísimo tema de Brown. La versión de Take the A Train, de Billy Straihorn, es en mi opinión lo mejor del disco y, según cuentan, la primera versión donde los músicos imitan los sonidos del tren.

Un excepcional regalo de Carlos!

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Max Roach - Featuring the legendary Haasan + Drums Unlimited

Max Roach es un baterísta y compositor estadounidense de jazz nacido en 1925 y fallecido en Nueva York en 2007. Formó parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Cuenta Wikipedia que se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tomando la determinación de matricularse en el Manhattan Conservatory of Music, del que egresa en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie.

A partir de 1942 trabaja en los clubes de la Calle 52, donde en esos momentos estaba surgiendo el bebop. Influido por Kenny Clarke, se convierte muy pronto en uno de los bateristas preferidos de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, ambos líderes del movimiento bebop. En 1944, contratado por Gillespie, quien forma un quinteto, graba por primera vez con esta formación, ampliada por Coleman Hawkins. De regreso a Nueva York, interviene en grabaciones de Parker que pronto serán históricas.

En otoño de 1945 graba los famosísimos "Billie´s Bounce" y "Now´s The Time", con Parker y Gillespie, a quien acaba de unirse el joven Miles Davis. Justamente es con Davis, en enero de 1949, que interviene en las sesiones que marcarían el nacimiento del jazz cool. A partir de 1950 graba de nuevo junto a Parker y en 1952, junto a Thelonious Monk. Ese mismo año crea con Charles Mingus una pequeña compañía discográfica, la cual en mayo de 1953 edita la grabación del famosos concierto de Toronto que reúne a Parker, Gillespie, Bud Powell, Mingus y Roach.

En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hard bop que se impone rápidamente como prototipo de este estílo. Por este grupo pasan músicos como: Harold Land, Sonny Rollins, Richie Powell, Teddy Edwards y luego tras la muerte de Clifford Brown en 1956, le reemplaza por Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos como Mingus, Sonny Rollins, T. Monk. En julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista Booker Little.

Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, más tarde, se convertiría en su esposa. En octubre de 1961, la muerte de Booker Little, le priva, nuevamente, de un compañero excepcional.

En 1965 editó estos dos discos que conocí siguiendo a mi curiosidad, alimentada por el pedido de un anónimo vistante del blog. El primero de ellos, Featuring the legendary Haasan, es extraordinario. No sólo por el maravilloso trabajo de Roach, si no también por el sorprendente Haasan, un pianista del que poco se sabe y cuyo único registro grabado son los siete temas de este disco. Lamentablemente, esta edición omite uno de ellos, dedicado al pianista Elmo Hope.

El segundo álbum, Drums Unlimmited, es considerado unanimemente el más acabado ejemplo de la idea que Max Roach desarrolló como baterista. En 1965, cuando este disco fue grabado, Max Roach hacía muchos años que Roach era referente en cuanto al rol del baterísta en la música bop, pero todavía no había terminado de dar todo aquello que podía aportar.

El quinteto de Roach se completa con Freddie Hubbard en trompeta, James Spaulding en saxo alto, el pianista Ronnie Mathews, Roland Alexander en saxo soprano en St. Louis Blues y Jymie Merritt en contrabajo, que hace un maravilloso trabajo en Nommo, tema compuesto por él. La verad es que excepto Hubbard no conozco ninguno de los otros nombres, pero la banda suena fantástica.

Tres de los temas del disco, The Drum Also Waltzes, Drums Unlimited y For Big Sid son composiciones de Roach para batería sola. Yo no soy un gran amante de los solos de batería, pero no hablamos aquí de meras improvisaciones, si no de piezas en las que cada frase y acento ha sido planeado. En The Drum Also Waltzes, Roach toca en tiempo de vals, demostrando que se podía tocar jazz fuera del compás de 4/4. Roach toca la batería como un instrumento capaz de producir, no solo un acompañamiento rítmico, si no música.

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Duke Ellington, Max Roach & Charles Mingus - Money Jungle

Con este disco maravilloso cerramos hoy nuestra pequeña sección de tríos de piano. A modo de presentación del disco, les dejo un fragmento del texto que Carlos Pérez Cruz escribió para Tomajazz.com.

"Al escuchar este Money Jungle uno duda - a no ser por el sonido de grabación - que el disco tenga como fecha 1962. El pasado aquí es presente, incluso mucho más avanzado en lenguaje que el presente de algunos nombres propios actuales. Lo que aquí escuchamos es un "pique" musical de altos vuelos. Tres grandes maestros alejados del conformismo de su propia fama.

Quizá llama especialmente la atención el piano de Ellington. Sobre todo porque es en Duke en quien se produce una transformación más visible. De un piano de habitual moderado pasamos aquí a un piano que charla de igual a igual con un lenguaje más propio quizá de la "jungla" Mingus. Una "Jungla del dinero" que se convierte aquí en una salvaje convivencia entre tres fuertes personalidades de la historia del jazz. Y digo salvaje porque en el discurso del disco se percibe una sana (¿?) provocación sonora entre los tres - en especial entre Mingus y Ellington - . Dicha convivencia parece ser - se oye, se dice, se comenta - fue tensa. Quizá fuera por uno de los habituales cabreos de Mingus pero el hecho es que según parece quien peor lo llevó fue Max Roach de quien se dice incluso fue sustituido en algunos de los temas por Dannie Richmond (vaya usted a saber).

Motivos aparte la verdad es que "Money Jungle" es un conglomerado de grandes sorpresas. Música con inusitada fuerza e intensidad que llega por momentos a flirtear con detalles del "free-jazz" - un ejemplo en el tema "Money Jungle" - o incluso con impresionismos sonoros - Fleurette Africaine -. Incluso los sonidos más "clásicos" del piano de Ellington se ven sorprendidos por un contrabajo en ocasiones percusivo de un siempre rompedor Mingus.

Las sucesivas reediciones de este trabajo han llevado a que de los seis (¿siete?) temas originalmente publicados se haya pasado a un cd con 13 cortes - incluidos las habituales tomas alternativas. "

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Tommy Flanagan, Ron Carter & Tony Williams - The Trio

Cuando en 1983 grabaron este disco junto a Tommy Flanagan, Tony Williams y Ron Carter eran ya viejos compañeros de ruta. Habían tocado juntos en el segundo quinteto de Miles Davis y luego compartieron varios proyectos: desde V.S.O.P. y la grabación de los más importantes discos de Herbie Hancock; hasta las distintas formaciones del Ron Carter Trio, que incluyeron a Herbie Hancock y a Hank Jones. Junto a este último tambien formaron el Great Jazz Trio y el Sadao Watanabe Quartet, junto al saxofonista japonés.

Pero volvamos a esta grabación. El 16 y 17 de Junio de 1983 estos tres grandes del jazz se juntaron para grabar por única vez. La sesión dió como resultado 14 temas, que incluían 11 standards y 3 originales. Entre los standards podemos encontrar Misterioso, de Thelonius Monk; Milestones, de Davis; Giant Steps de Coltrane, ese estigma que Flanagan cargó; Blues in the Closet de Pettiford, Moose the Mooche de Charlie Parker. Los temas originales son New Song #3 de Carter, Minor Mishap de Flanagan y el tema de Wiliams, Sister Cheryl.

Williams hace un trabajo estupendo y creativo en todo el disco, pero se destaca en St. Thomas, de Sonny Rollins. En este tema, que grabó en varias oportunidades, también Carter tiene un solo maravilloso. Sin desmerecer el trabajo de sus compañeros, el contrabajista es quien marca la diferencia; su sonido y su particular fraseo hacen que el trío salga a flote incluso en aquellos momentos en que parece que va a naufragar en el lugar común. Flanagan se luce con su interpretación de Angel Eyes, en It Don’t Mean a Thing, de Ellington y en el dulcísimo tema de Williams, Sister Cheryl. Este último es para mí el más bello del disco, no sólo por su melodía, si no por la gracia y la pasión con que los tres músicos lo ejecutan.

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Hank Jones, Christian McBride & Jimmy Cobb - West of 5th

A Hank Jones ya lo hemos presentado. Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Henry "Hank" Jones es el hermano mayor del trompetista Thad Jones y nuestro querido baterista Elvin Jones.

Comenzó a tocar en los clubes de Michigan y Ohio a los 13 años. A los 26 años se trasladó a Nueva York donde pudo ver a los los músicos bop que lo influyeron. Hank Jones fue pianista de Ella Fitzgerald entre 1948 y 1953 y tocó, además con Charlie Parker, John Kirby, Coleman Hawkins, Andy Kirk, Billy Eckstine, Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Cannonball Adderley, Johnny Hartman, Wes Montgomery, John Coltrane y Milt Jackson.

Entre 1959 y 1975 Jones fue el pianista permanente de los estudios CBS. Durante la segunda mitad de los 70`s Jones grabó de manera prolífica como solista, sin banda, en dúos con otros pianistas (como en el magnífico Our delights junto a Tommy Flanagan)y con varios pequeños ensambles, el más importante de los cuales fue el Great Jazz Trio. Este grupo estaba originalmente integrado por Ron Carter y Tony Williams, luego, en los 80`s por Eddie Gomez y Al Foster, y en 1982 Jimmy Cobb remplazó a Foster.

Jones pasó varios años alejado de los estudios hasta que en la última decada volvió a grabar. Algunas de sus grabaciones más recientes son For My Father (2005) con George Mraz al contrabajo y el baterísta Dennis Mackrel, una grabación de solo piano publicada en Japón como Round Midnight (2006), como acompañante de Joe Lovano en su disco Joyous Encounter (2005). West of 5th (2006) con Jimmy Cobb y Christian McBride es hasta el momento su más reciente gabación.

El baterista Jimmy Cobb nació en 1929 en Washington D.C. y ha trabajado con una enorme cantidad de artistas como Dinah Washington, Cannonball Adderley, Dizzy Gillespie, John Coltrane, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Stan Getz, Wes Montgomery, Gil Evans, Paul Chambers, Ron Carter, Philly Joe Jones, Joe Henderson y Bill Evans entre otros. Pero probablemete su trabajo más famoso sea su participación en la banda que grabó Kind of Blue junto a Miles Davis. Cobb también participó también de las grabaciones de Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall, Live at the Blackhawk, Porgy and Bess y Sorcerer.

Christian McBride nació 1972 en Philadelphia. McBride ha grabado y tocado con una enorme cantidad de leyendas del jazz incluyendo a Freddie Hubbard, Joe Henderson, McCoy Tyner, Herbie Hancock, Pat Metheny, Diana Krall, Roy Haynes, Chick Corea, Wynton Marsalis, Joshua Redman, como así también junto a grupos y musicos de pop, soul, y clasica como Kathleen Battle, Carly Simon, Sting y James Brown. Considerado uno de los mejores de su generación, desde 2000 McBride lidera su propio grupo, una banda acústioca de jazz fusión y funk: The Christian McBride Band.

Cuando este disco fue grabado Hank Jones tenía 87 años y Jimmy Cobb 76. McBride, apenas 31. Lo primero que es llamativo es como standars tocados y escuchados cientos de veces, como On Green Dolphin Street, tienen aquí una frescura que entusiasma. También vale la pena prestarle atención a balada de Thad Jones A Child Is Born, a Confirmation de Charlie Parker y a Lotus Blossom, una encantadora canción donde McBride se luce (como si no lo hiciera en el resto del disco!) con el arco.

Decía entonces, que no deja de llamarme la atención la frescura con que estos tipos tocan viejos clásicos de y logran que sigan siendo interesantes. Lo otro que me tiene fascinado es como toca la batería Cobb... a los 76!!!

Bajalo y maravillate vos también.

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McCoy Tyner - Illuminations

Dice el sitio All Abou Jazz que el estilo de McCoy Tyner, ha trascendido los estilos convencionales para trasnformarse en uno de los más identificables sonidos del jazz. Sus contribuciones armónicas y dramáticos dispositivos rítmicos forman parte del vocabulario de la mayoría de los pianistas del género.

Nacido en Philadelphia en 1938, sus padres le inculcaron el amor por la música desde pequeño. Así fue que a comienzos de los '50s ya formaba parte de la fertil escena de jazz de su ciudad. A los 17 conoció a John Coltrane y unos años después se uniría a su banda para grabar uno de los más grandes clásicos del jazz: My Favorite Things (1960). McCoy siguió tocando junto al saxofonista y se convirtió en el núcleo del que fuera quizás el grupo más importante e influyente de la historia del jazz: The John Coltrane Quartet. La banda, que incluía al baterísta Elvin Jones y al bajista Jimmy Garrison, tenía una extraordinaria química, basada en parte en la estrecha relación que mantenían Coltrane y McCoy Tyner.

En 1965, después de cinco años en con Coltrane, Tyner deja el grupo para iniciar su camino como líder y compositor. En 1967 lanzó The Real McCoy, el album que le valdría el reconocimiento del público y la crítica y que es considerado por muchos su mejor disco. Tyner, sin embargo, ha continuado expandiendo su visión del horizonte musical e incorporado nuevos elementos, climas de distantes continentes y diversas influencias musicales. ha trabajado con diversas formaciones que incluyen desde big bands hasta su reciente trabajo Guitars, donde toca con guitarristas de los más diversos estilos.

En 2003, a los 65 años, McCoy Tyner grabó Illuminations. Mc Coy lidera aquí un quinteto formado por el trompetista Terence Blanchard, el saxofonista Gary Bartz, el bajista Christian McBride y el baterista Lewis Nash. El repertorio incluye cuatro temas de Tyner, tres de autoría de sus compañeros y tres standars. Entre ellos se destacan el tema de aire latino Blessings, un tema de Blanchard y el tema de McBride West Philly Tone Poem, evocativo y sereno dueto de piano y contrabajo.

Tyner, que a estas alturas no tenía nada que probar, es generoso al extremo con sus compañeros, dandoles a todos el espacio que necesitan para lucirse con sus solos.
Bartz, que ha sido un frecuente colaborador de Tyner desde finales de los '60s, y toca en el mismo estilo alegre y desenfadado que el líder, cambia del saxo alto al soprano en una conmovedora versión de If I Should Lose You. Y Blanchard, hace lo suyo en Alone Together, tocando con sentimiento sobre el contrabajo de McBride, agregandole tensión dramática recurriendo a su toque característico con un vibrato controlado. Quizás en este disco Tyner se mantiene en el fondo más de lo habitual, pero también él tiene su momento con The Chase, un rápido y furioso retozo o revolcón con McBride y Nash.

Christian McBride sorprende con su tecnica con el arco y luego el pizzicato en West Philly Tone Poem; y Lewis Nash le da a la banda un respaldo rítmico seguro, convirtiendose en un componente decisivo de la feliz convivencia que es la marca de esta sesión relajada y llena de gratos momentos.

Carlos, gracias otra vez!

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Reparaciones en Bienvenidos a la Monga!

Queridos amigos: Debido a los diversos problemas que presentaban, hemos arreglado algunos post. Así que, si estaban intentando con alguno de los de la lista de abajo y no podían o lo encontraron incompleto... ahora no deberían tener inconvenientes.

1 - Colaboraciones y rarezas Vol 1 & 2, de Marisa Monte

2 - Cantando Sueños, de Lagrima Ríos.

3 - Aguas claras, de Markama

4 - Samba do aviao, de Hamilton de Holanda con Richard Galliano

5 - Selección de Canciones de Carlos di Fulvio.

6 - Meu tempo é hoje, de Paulinho da Viola. Ahora en su versión completa, y sin canciones faltantes.

7 - Folklore, de Enrique Villegas, también está ahora completo, gracias a la generosidad de Marín, artífice de Voces de la Patria Grande.

También he verificado que funcionan perfectamente los links de The Afro Eurasian Eclipse, de Duke Ellington y Brasileirinho, de Maria Bethania, a los que algunos amigos que tuvieron dificultades para acceder.

Además les recordamos la lista de entradas que habían tenido problemas y ya han sido reparadas:

9 - Nome, de Arnaldo Antunes

10 - A Love Supreme, de Turtle Island String Quartet

11 - Dialecto, de Eduardo Lagos

12 - El Diablo Suelto, de Rolando Goldman

Creo que con esto ya debería estar funcionando todo. Cualquier cosa me avisan!

Saludos

Diego O'rei

Paulinho da Viola - Meu tempo é hoje

Joe Sixpack, autor de Slipcue, dice que Paulinho da Viola es un cantante de dulces canciones de samba. Dice también, que es conocido por ser un purista del estilo, trabajando siempre estrictamente sobre el tradicional estilo acústico. Paulinho pertenece, por edad, a la misma generación de los tropicalistas, sin ambargo ha tomado un camino musical muy distinto, ahondando en el estilo más antiguo del samba canción y el samba do morro.

Meu tempo é hoje es un disco absolutamente delicioso. Un relajado e informal set de canciones que permite a Da Viola lucirse en una variedad de estilos, y sirve también como banda de sonido de una película, un documental acerca de su vida y su obra. Meu tempo é hoje es un disco a veces majestuoso, con ciertas canciones tremenadamente elegantes, y otras refrecantemente ligero, como cuando junto a Velha Guarda Da Portela, deja ver un costado rústico, sin pulir.

Además de la Velha Guarda, la lista de invitados incluye a Zeca Pagodinho, Elton Medeiros y Marisa Monte, que canta una maravillosa versión de Carinhoso, la famosa canción de Pixinguinha. Este tema, uno de los más lindos del disco, ya había sido publicado por Bienvenidos a la Monga! en la primera recopilación de Rarezas y Colaboraciones de Marisa Monte.

Pero la versión de Carinhoso no le hace sombra a otras canciones del disco: Meu mundo é hoje, 14 anos, Um sarau para Raphael, Chora cavaquinho o Argumento, son también lindísmas canciones que hacen de este uno de mis discos favoritos de samba.

Fantaseo, algunas veces, con un diálogo imaginario donde me veo obligado a explicar por qué amo la música, por qué me apasiona tanto. La calidez, la ternura, la elegancia de la que habñla Sixpack, la mezcla de nostalgia y alegría, la saudade que trasmite Meu tempo é hoje, me permitirían no tener que explicarlo con palabras.

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Marisa Monte - Rarezas y Colaboraciones Vol. 3

Marisa Monte nació el 1 de julio de 1967 en Río de Janeiro y desde mediados de los 90 se ha convertido en una de las cantantes brasileñas más populares.

Su padre era el director musical de Portela, una de las más importantes escolas do samba de Río de Janeiro. Así, rodeada de música, creció Marisa, que desde pequeña estudió piano, batería y más tarde guitarra. En su adolescencia grabó algunos demos y fue corista de la banda pop Laranja da terra.

Comenzó a estudiar canto lírico y al cumplir la mayoría de edad viajó a Italia a perfeccionarse. Allí la descubrió, cantando música brasilera en un pub, Nelson Mota, que estaba preparando un show llamado Tudo veludo. El show se estrenó en 1987 en el canal JazzMania, en Río, y el éxito fue tal que Marisa, comenzó a ser considerada una de las voces más prometedoras de la música popular brasileña.

Desde 1988, fecha en que apareció MM, su primer disco, Marisa Monte ha grabado ocho discos en estudio, ha editado DVDs con conciertos y material extra y participado como invitada en en decenas de grabaciones de otros artistas. Bienvenidos a la Monga! ya ha recopilado y publicado dos archivos con parte del material no disponible en los discos de la cantante.

Hoy les presentamos aquí, un tercer volumen de Rarezas y Colaboraciones de Marisa Monte, que viene a completar los ya publicados. Que lo disfruten!

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Maria Bethânia - Brasileirinho

Maria Bethânia es una de las más reconocidas intérpretes de la música popular brasileña. Hermana de Caetano Veloso, integró junto a él, a Gilberto Gil y Gal Costa, el movimiento tropicalista y el grupo Doces Barbaros.

Brasileirinho es el primer disco que Bethânia editó a través de su sello Quitanda. Acompañada por un trio formado por el guitarrista Jaime Alem, el bajista Jorge Helder y el percusionista Marcelo Costa, María Bethania cuenta a través de las canciones, un poco de la historia de Brasil.

El disco comienza con Salve as Folhas, con la participación del gupo mineiro Uakti, y de Ferreira Gullar, quien recita el poema O Descobrimento, de Mário Andrade. A continuación Bethânia interpreta el bellísimo samba Yayá Massemba, donde habla de la esclavitud y los navíos negreros.

A lo largo de toda su carrera, María Bethânia ha integrado en sus discos y presentaciones, la música, el teatro y la poesía, utilizando textos de poetas brasileros y portugueses. En Brasileirinho, la palabra hablada tiene también su lugar y, además de dos poemas de Andrade, podemos encontrar otros dos de Guimarães Rosa y uno de Vinícius de Moraes.

Siguen Capitao do Mato y Ponto de Janaína, con la participación de Miúcha. Luego, la intensa y colorida religiosidad de Brasil, el sincretismo religioso, las creencias populares se expresan a través de Santo Antonio; Padroeiro do Brasil, y São João Xangô Menino, que incluye una cita al São João do Carneirinho, de Luiz Gonzaga.

El nordeste está representado con Cigarro de Palha y Boiadeiro, y los indios de Brasil a través de Senhor da Floresta, una vieja canción que cuenta una antigua leyenda india. Entre medio de estas canciones, encontramos Sussuarana, donde participa Nana Caymmi. El viaje musical por Brasil finaliza con Melodia Sentimental, de Heitor Villa Lobos, y el poema Pátria Minha, de Vinícius de Moraes.

La potencia y el particular color de voz de Maria Bethânia, la excelente elección del repertorio, los arreglos y los invitados, hacen de Brasileirinho un disco exquisito, que es considerado por muchos, el mejor disco de su carrera.

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Eveline Hecker - Ponte Aérea

Poco es lo que sé de Eveline Hecker, fuera de lo que decía el artículo que alguien había traducido para el blog de Carlos: que nació en Rio de Janeiro en 1957; que fue maestra de canto y miembro del grupo vocal Arranco, con quienes grabó Quem É de Sambar y Samba de Cartola. Además, sé que trabajó junto a Francis Hime, Tom Jobim y Beth Carvalho, y participó como invitada en los discos de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Toninho Horta y varios otros. Pero lo que puedo decir es que su disco me gusta.

Ponte Aérea es un disco formado por canciones de José Miguel Wisnik. En él, Wisnick toca el piano y Hecker canta, pero también participan el productor y bajista Zeca Assumpção, Maurício Carrillho en guitarra acústica, Ricardo Silveira, Luiz Brasil, Luciana Rabello, Pedro Amorim en mandolina, Marcos Suzano y Celsinho Silva en percusión, y Jaques Morelenbaum en cello.

La música de Wisnick, que se caracteriza por su lirismo, se torna etérea interpretada por Hecker. El clima melancólico que predomina sólo es interrumpido por el lindísimo samba Comida e Bebida. Los conocedores de la obra de Wisnick se encontrarán con bellas versiones de sus clásicos Mais simples o Asum Branco, canción inspirada en los clásicos Asa Branca y Assum Preto.

Ponte Aérea es un disco para disfrutar en calma, un álbum bello y apacible. En palabras del productor Zeca Assumpção, es un álbum para "tocar tu alma".

Gracias Carlos!

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Varios - Hot Women

El dibujante de comic Robert Crumb es también un gran coleccionista de viejos discos de 78 rpm. Gilbert Shelton, autor de los Freak Brtohers, cuenta que en una feria en Francia, donde Crumb encontró unas cajas de discos viejos, se gastó todo su dinero y le pidió prestado hasta que ambos quedaron sin nada para comprar esos discos. "Conoces a todos esos?" "Sí, a la mayoría" dijo Crumb. Eran todos nombres franceses y yo nunca había oídos hablar de ninguno de ellos.

"En los años 20 y 30, antes de la cultura de masas y los instrumentos eléctricos, - explicó Crumb - florecieron en Estados Unidos y Europa gran número de compañías discográficas que producían toda clase de música en discos de 78 rpm. Había música bailable, blues, jug bands (grupos que tocan instrumentos no convencionales como jarras, botellas, etc.), country, folk y jazz. Existía una relación mayor entre músico y oyente en aquellos días, cuando uno aún se sabía las letras de las canciones. Hacia los años 40, los músicos profesionales se habían desembarazado de todos los marginales, así como de gran parte de la imaginación y el ingenio"

Pero además de coleccionar discos, Crumb comenzó a volcar su amor por la música tocando el banjo en conjuntos como los Cheap Suits Serenaders o Les Primitifs du Futur y difundiendo su colección en compilados como el que hoy presentamos aquí.

Como su nombre lo indica, Hot Women, Women singers from the torrids regions of the World, es una recopilación de viejas grabaciones de mujeres cantantes tomadas de discos 78 rpm. Las fechas de las grabaciones van desde los '20 hasta los '50 y vienen de distintas regiones cálidas de planeta: Sud América, México, África, el Mediterráneo y el sur de Asia.

Hay, en Hot Women, grabaciones comerciales, de artistas que alcanzaron algún renombre en su época, y grabaciones documentales, estudios etnográficos realizados por universidades o sellos europeos. El archivo incluye un escaneo del booklet, donde el mismísimo Crumb aporta la información que consiguió acerca de cada grabación y sus interpretes.

Claro, cuando leas esto quizás pienses que se trata de un disco para amantes de las rarezas o para especialistas en el tema o para snobs fanáticos de Crumb, pero a mí me parece que no. Es verdad que probablemente no sea un disco del que te enamores en la primera oída, pero la música que hay en él es lindísima y, más allá de su carácter histórico, tiene valor por si misma.

Desentumecé tus oídos. Animate a escuchar algo distinto!

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Trío Esquina - Les Tangos de Corto

Para hablar del origen de este disco es necesario hablar de dos personas que no tocaron ningún instrumento en la grabación. O mejor dicho, de dos personas y un personaje.

La primera de esas personas es Hugo Pratt, el creador de Corto Maltés. Pratt nació Rímini, Italia, pero siendo muy chico su familia se trasladó a Etiopía, siguiendo a su padre, un soldado de origen inglés. Obligado por este, Hugo entró en la policía colonial cuando tenía 14 años. En 1941 su padre muere en un enfrentamiento entre entre tropas italianas y británicas y Pratt es confinado en un campo de prisioneros. Allí, comenzó a conversar con los guardias y conocer sus historias, que posteriormente le servirían como materia prima para sus historietas.

Después de la guerra, Pratt se inscribió en la escuela militar. En 1949 se trasladó a Argentina, donde trabajó como editor en la revista de aventuras Misterix. Allí conoció a artistas argentinos como Francisco Solano López y a quien fuera su gran influencia, Héctor Germán Oesterheld, con quien colaboraría dibujando para él Sargento Kirk, Ticonderoga y Ernie Pike. También dictó clases de dibujo junto a Alberto Breccia en la Escuela Panamericana de Arte.

En 1959 volvió a Europa, radicándose primero en Inglaterra y luego en Italia. En 1967 creó a Corto Maltés, personaje con el que alcanzaría renombre. Falleció en Suiza en 1995.

Corto Maltés, el inolvidable personaje de Pratt, nació en 1887 en Malta. En 1900, con 13 años, estuvo en Manchuria, en medio de la rebelión de los boxers. Corto continuó sus viajes, siempre mezclandose en los grandes hechos de la historia, como la guerra ruso japonesa, donde conoce a un joven escritor llamado Jack London y a otro personaje con el que se encontrará en numerosas ocasiones: un desertor ruso llamado Rasputín. Este es una especie de el alter ego de Corto: homicida, egoísta, neurótico y ambicioso. Ambos deciden ir a buscar las minas del rey Salomón, pero la tripulación de su barco se amotina y les abandona en el mar, donde son recogidos por un carguero que se dirige a Argentina.

En este país Corto conoce a los bandidos Butch Cassidy y Sundance Kid. Después de innumerables aventuras, Corto vuelve a Argentina en junio de 1923 para buscar a su amiga Louise Brookszowyc, que ha caído en manos de la Warsavia o Varsovia, una sociedad que se dedica a la explotación de prostitutas provenientes de Europa Central. Corto acude a Buenos Aires desconocedor de en qué anda metida su amiga en respuesta a una misiva urgente de Louise. La historia sucede en una Buenos Aires nocturna y prostibularia, con el tango como uno de sus protagonistas.

El trío Esquina nació en 1991, cuando Pino Enríquez se instaló en París. Por entonces, Stroscio y el bajista Carlos Carlsen, ambos provenientes del Cuarteto Cedrón, buscaban un guitarrista. Los tres comenzaron a actuar en París y en Barcelona, con la cantante Susana Rizzi y un repertorio que mezclaba a Eduardo Rovira con poemas de Machado o de Alberto Szpunberg, musicalizados por Stroscio. La formación actual del trío, ya sin voz, se consolidaría en 1995 con el ingreso del contrabajista Hubert Tissier.

En 1985 había aparecido Tango, de Pratt, la aventura de Corto ambientada en prostíbulos argentinos. En 1991, Marco Castellani, representante del trío Esquina en Italia es un gran admirador de Pratt tuvo la idea de crear "Los Tangos de Corto Maltés". Castellani le escribió a Prat contándole su idea y le envió el primer disco del trío, que por entonces incluía a la cantante Susana Rizzi. Seis meses después Pratt escribió contestando que aceptaba la idea aceptaba encantado la idea y acordando una cita para conversar del proyecto.

La primera idea fue la de publicar una nueva historia de Corto, donde el argumento se relacionaría con los tangos que Stroscio y Claudio "Pino" Enríquez compondrían para un disco dedicado a Corto Maltés. El proyecto, sin embargo, no contó con el apoyo de los editores de Pratt, que moriría en 1995. Unos años después, Patricia Zanetti, la última esposa de Pratt, sugirió una nueva idea: el disco de el Trío Esquina se editaría junto a una reedición coloreada Tango.

Cuenta Julio Nudler en su artículo publicado en Todo Tango, que "la concreción del viejo proyecto fue tan precipitada que César y Pino sólo alcanzaron a crear dos temas alusivos a la serie: "Corto y Louise"y "La Senegalesa", que abren el CD adjunto al libro. En las restantes nueve bandas hay otras vinculadas de algún modo con esta aventura.

Ojos negros (de Vicente Greco) figura porque, en otra andanza de Corto, cuando éste se marcha de Brasil, una mujer le dice que nunca olvidará sus negros ojos. En otra, estando Corto en Siberia, le pregunta asombrado a su interlocutor: «¿Cómo, no conocés a Arolas? ¡Sos un estúpido!». Por eso están en el disco "La cachila" y "Maipo", dos de los tangos más notables de El Tigre del Bandoneón. "Siempre París" (de Virgilio Expósito) recuerda el amor de Pratt por esa ciudad. "Decarísimo" de Piazzolla) está porque Pratt admiró y apoyó a Astor desde el primer momento, y también por los hermanos De Caro (Julio y Francisco), que revolucionaron el tango para la misma época en que Corto iba en busca de la muchacha esclavizada por los rufianes de la Varsovia, luego Zwi Migdal. El fanatismo de Pratt por Aníbal Troilo, a quien conoció en un baño turco, justifica la inclusión de varios temas (entre ellos, "Mi refugio" y el vals "Un placer"), interpretados con los mismos arreglos con que los tocaban Pichuco y Roberto Grela".

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Juan Cedrón Trío - Gotán

Cuando se habla del Tata Cedrón, Gotán es mucho más que el nombre de un disco . Gotán fue también el mítico café concert de tango, que junto a sus compañeros de Trío y a José Luis Mangieri, abrió en 1965. El nombre fue tomado de uno de los primeros libros de Juan Gelman, amigo de Cedrón. Por Gotán pasaron, en los dos años que estuvo abierto, Eduardo Rovira, Piazzolla, Taratino, Arias y la Porteña Jazz Band, se presentaron obras teatrales de Tito Cossa, de Paco Urondo, donde trabajaban Luppi y Brandoni, Norma Aleandro y Adriana Aizemberg.

Un año antes, en 1964, Juan "Tata" Cedrón había formado su trío, que luego se convertiría en cuarteto. Junto al bandoneonista César Stroscio y al violinista Miguel Praino, Cedrón inició un camino personal dentro del tango. Musicalizando poemas de Tuñón, de Urondo o de Gelman, Cedrón creó un tango nuevo pero ligado a la canción, equidistante entre la vanguardia y la tradición, lo que le valió ser ignorado por los seguidores de ambas tendencias.

"Hace tiempo nos planteamos con Juan (Gelman) esta cuestión de hacer canciones, y de entrada descartamos la posibilidad de escribir cosas como Manzi o como Castillo. Lo que conseguimos parecía al principio bastante extraño, pero ahora, con toda esta moda de Serrat, la gente se ha acostumbrado a temas que no repiten estrofas sino que cuentan una historia", dice en un reportaje de 1971, reproducido en Mágicas ruinas.

Gotán es también el nombre de un disco particular dentro de la discografía de Cedrón. Particular no sólo por su repertorio, formado en su mayoría por tango clásicos, si no también porque dentro de una carrera bastante independiente, Gotán fue grabado para el sello Columbia. "No quiero saber más nada con las compañías grandes", dice Cedrón en el reportaje ya mencionado. Los discos anteriores (Madrugada, Cuerpo que me querés y Tute Cabrero) habían sido producidos por el mismo Cedrón.

Cedrón interpreta aquí Ché, bandoneón, La última curda, Milonga triste, Malena, Amurado y A Homero y en seguida queda claro que, incluso cuando canta tangos que no son de su autoría, le gusta contar historias. Con su manera de cantar, de "decir", el "Tata" es capaz de trasmitir toda la poesía que hay en esas letras. Y aunque hayas escuchado cientos de veces esos tangos logra que sientas que, por primera vez, estás escuchando lo que realmente dicen.

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Luis Cardei - De madrugada

Carlos, que anda por ahí refunfuñando acerca de no se que chisme con el que le fue Vicious, el gato punk, me envió hace unos días este disco. La verdad es que no sólo nunca había escuchado a Luis Cardei, si no que no tenía la más pálida idea de quien era. Escuché el disco y me encantó, de manera que me puse a investigar.

Los artículos acerca de Luis Cardei coinciden en su talento y en el encanto de su estilo intimista, de fraseo delicado y emotivo. Coinciden también en destacar la elección de su repertorio, formado por tangos de los años 40, muchos de ellos ya olvidados y rescatados por el cantante. Cuentan que cuando el público le pedía Cambalache, Naranjo en flor, Los mareados o alguno de los clásicos, respondía, siempre con una sonrisa: «No los sé». Y dirigiendose a su bandoneonista decía: «Vamos a tener que aprenderlos, Antonito, porque la gente siempre nos pide esos temas.»

Pero de todos los artículos que leí, el que mejor resume su carrera y su vida, me parece que es este, que apareció en el diario porteño Clarín, y que ahora reproduzco aquí:

Antes de los aplausos de la Recoleta y la calle Corrientes, mucho antes de los tres discos de tango grabados después de sus 50 años, Luis Cardei era un cantor de tango de los de antes. Con su repertorio a cuestas y un bandoneonista amigo, durante 13 años cantó en una cantina de Parque Patricios. El gran público lo descubrió en 1994, y seis años después de ese salto, murió a causa de una hepatitis C que contrajo en un centro para hemofílicos.

"El tango es sufrimiento", dijo en una de sus primeras entrevistas este hombre que se presentaba en "La esquina de Arturito" junto con su amigo y compañero de tanguería, el bandoneonista Antonio Pisano. Entre el ruido de las copas y el olor a canelones, Cardei despuntaba su talento de tanguero de antaño cuando, en 1994, los dueños del Foro Gandhi y El Club del Vino le propusieron dejar su adorada "Nacional B" para pasar a jugar en Primera. Tenía 50 años de vida y tango.

Hijo de Luis Cardei, un cantante de tango renombrado de la década de los 40, Luisito, tal como él mismo se presentaba, había crecido con la vitrola y los discos de pasta de Carlos Gardel, su ídolo, a quien honraba con su repertorio de la época gardeliana. En sólo 6 años desde su aparición en las tablas "finas", Cardei logró grabar tres discos, tener entre su público a intelectuales y famosos y ser llamado "el rengo fascinante" por la publicación francesa Le Monde Diplomatique.

Con una salud muy frágil marcada por la hemofilia, su renquera también hablaba de otro padecimiento: había tenido polio cuando era un chico. Pero ni con todo ese sufrimiento a cuestas se permitió abandonar la batalla: trajinó distintos trabajos fue desde levantador de quiniela hasta vendedor y el tango le dio revancha.

Su repertorio, esquivo de los lugares comunes del tango, estaba armado con canciones de los 40 hacia atrás que marcaban el corte gardeliano que tanto le gustaba. "Después surge el poeta que perfuma el tango, lo intelectualiza y entonces, para sentir la letra ya hay que pensarla. Yo necesito emocionarme con el argumento ya que juego interpretando al personaje", decía de su estilo allá por 1996. Su pequeña figura y su sencilla voz armaban el clima y el show de quien fue bautizado entre 1994 y 1999 como "el cantor del momento" o "la última revelación tanguera" que dio Buenos Aires.

En 1997, cuando ya había grabado dos discos, Pino Solanas lo llamó para cantar en su película "La Nube". Y esa aparición en la pantalla grande ayudó a crear su último gran apodo: el nuevo Goyeneche. Pero Cardei, que el 3 de julio de 2000 hubiese cumplido apenas 56 años, se tomaba las comparaciones con humor y prefería aclarar que no creía "en las sucesiones" pero, si le dejaban pedir, quería ser Gardel.

Ventarrón, Siga el Corso, Barrio Viejo, Los cosos de al lao o Prisionero son algunos de los tangos más recordados de los shows que hizo en estos años en El Club del Vino, El Paseo La Plaza, el Foro Gandhi u Opera Prima, donde dio sus últimos recitales en mayo del año 2000.

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Peteco Carabajal y Jacinto Piedra - Santiagueños, Transmisión Huaucke

En 1985 el “Chango” Farias Gómez invita a algunos músicos amigos a formar un nuevo grupo. Este grupo es M.P.A. (Músicos Populares Argentinos) que además de Farias Gómez incluía a Verónica Condomí; Peteco Carabajal, jacinto Piedra y el “Mono” Izaurralde. Juntos, grabaron dos discos: Nadie mas que nadie (1985) y Antes que cante el gallo (1987).

Una vez disuelto M.P.A., Jacinto y Peteco formron un dúo al que bautizaron Santiagueños, y grabaron Transisión Huaucke. Al dúo, se sumaba, en las presentaciones en vivo, el bailarín Juan Saavedra. El disco fue un éxito comercial y generó un fenómeno que aún perdura y puede reconocerse en numerosos conjuntos. Santiagueños logró ganar para el folklore un público joven, y revelar la existencia de un gran mercado, hasta ese momento todavía no explotado por las discográficas. Por gentileza de Horacio hoy se los presentamos aquí.

Jacinto Piedra fue un cantante, compositor, violinista y guitarrista, nacido en La Banda, Santiago del Estero. Debutó como cantante a los siete años, en el viejo club Belgrano. Apadrinado por Cuti Carabajal, conoce a Horacio Guarany, quien le da su nombre artísitico y le posibilita su primera grabación. El incendio del poniente está formado por temas de su autoría y de Peteco Carabajal. Luego de su experiencia en Santiagueños continúa su carrera solista hasta que fallece, el 25 de Octubre de 1991, a los 36 años, en un accidente de tránsito.

Peteco Carabajal hizo sus primeras presentaciones ante el público junto a Roberto Carabajal, en el oeste del Gran Buenos Aires, donde trascurrió su adolescencia. Luego se unirían a “Shalo” Leguizamón para formar el Santiago Trío. A partir de 1975 integró Los Carabajal, hasta que en 1985 se une a M.P.A. En 1987, junto a Jacinto Piedra, deja M.P.A. para formar Santiagueños, grabar Transmisión Huaucke recorrer Argentina junto la bailarín Juan Saavedra, llevando la música y la danza de su provincia, Santiago de Estero.

A partir de allí, desarrolló una carrera cada vez más exitosa, por la que ha sido premiado como interprete y coo compositor. Su repertorio ha sido grabado por la casi todos los artistas de músicas popular argentina, como: Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Horacio Guarany, Soledad y Teresa Parodi, entre otros.

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Verónica Condomí - Cielo arriba

Cielo arriba es el primer disco solista de Verónica Condomí. La cantante inició su carrera en los 70s formando un dúo con Liliana Vitale. En la decada del 80 participó de Músicos Populares Argentinos (MPA) junto al Chango Farías Gómez, Peteco Carabajal, Jacinto Piedra y el Mono Izarrualde.

Finalmente, y luego de atravesar distintos grupos con los que no llegó a grabar, formó un trío junto al guitarrista Ernesto Snajer y el percusionista Facundo Guevara con el que grabó Cielo Arriba y posteriormente De los Tres.

El disco que presentamos hoy aquí, fue grabado en vivo en distintos shows y abarca una gran variedad de ritmos del folklore argentino y latinoamericano. Zamba, chacarera, bossa nova, una habanera o una canción tradicional guatemalteca son el vehículo para que Verónica Condomí emocione con su voz.

Junto a Verónica participan, en algunos temas, su hermano Quique Condomí en violin, Javier Malosetti en contrabajo y el percusionista Rodolfo Sánchez. Con ellos y Snajer grabó la conmovedora Zamba para la guagüita, que su padre, desaparecido en 1976, le dedicó. Otros temas que destacan son Tzutunil, tema tradicional guatemaltecola Chacarera de las piedras, y la bellísima versión de la Zamba de Lozano.

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Eduardo Lagos y Oscar Alem - Pianíssimo

Eduardo Lagos, un viejo conocido del este blog, es pianista y médico oftalmólogo. Nació en Buenos Aires el 18 de Febrero de 1929. En su casa solían organizarse grandes sesiones de improvización con sus amigos, entre los que se contaban Piazzola, Hugo Díaz, Oscar Alem y el Cuchi Leguizamón. Y así, improvisando en un género donde parecía prohibido, y olvidandose de los prejuicios acerca de armonía, Lagos trajo aire fresco al folclore, creando lo que él llamó proyección folclórica.

Oscar Alem es pianista, contrabajista y compositor, nacido en Olavarría, provincia de Buenos Aires en 1941. En los 60 fue contrabajista del trío de Enrique "Mono" Villegas, pasando también por las orquestas de Lalo Schifrin, Horacio Salgán y Astor Piazzolla. Depués de recorrer un largo camino como contrabajista de jazz, Alem decidió volcarse al piano y volver a su viejo amor, el folclore.

“El asunto era en mi casa, - escribió Eduardo Lagos en el texto que acompaña el disco - donde es posible hacer ruido sin espantar vecinos. Como en tantos otros fines de semana, nos reuníamos, Cacho Ritro, Oscar Alem y yo, a jugar con la música. Esa tarde Cacho se acababa de ir y Oscar entro a divagar en el piano, sin tema fijo y a mi se me ocurrió la maldad: puse en marcha el grabador y le pedí, “A ver córrete”; se corrió espontáneamente hacia la izquierda del teclado, a mi me dejo los agudos y yo también empalme, ahora a cuatro manos."

Sobre el mismo piano, Alem y Lagos abordan temas del repertorio folclórico tradicional argentino, como La nochera, La Humilde o La López Pereyra, y dos temas que les pertenecen: La Oncena, de Lagos, donde Oscar Alem vuelve a tocar el contrabajo, y la Chacarera del Domingo, un homenaje de Alem a Domingo Cura, donde Lagos toca el bombo legüero.

Un disco estupendo. Dos grandes músicos que no solo recrean maravillosamente clásicos del folclore argentino, si no que además, se divierten.

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Enrique Villegas - Folklore

Villegas + Folklore lo encontré y descargué hace un largo tiempo en el reaparecido Voces de la Patria grande, el blog de Martín de Rada Tilly. Decidí publicarlo así porque el disco ya no estaba disponible en el blog de Martín y me parecía que, a pesar del tema incompleto, el disco vale la pena. Ahora, gracias a la gentileza de Martín pueden descargar el archivo completo.

Enrique Villegas, apodado el Mono, nació en 1913, y falleció en 1986, poco antes de cumplir los 73 años. Comenzó a tocar el piano a los 7 años, y según contaba, descubrió el jazz a los 9. Tuvo una formación clásica, pero su maestro, Alberto Williams, lo incentivaba permitiendole tocar todos los géneros. Vivió algunos años en Nueva York donde conoció a los músicos que admiraba y grabó dos discos. Cuando lo quisieron obligar a grabar un disco de boleros, rompió el contrato con Columbia y, después de girar por Europa, se volvió a Buenos Aires.

De vuelta en Argentina, Villegas se convirtió en el pianista más importante de los 60 y 70. Sergio Pujol, dice en su artículo en Página/12 que era "el mejor de su tiempo, el más original, el menos apegado a los modelos. El que podía ser diferente tocando el más trillado de los standards o agregando, de vez en cuando, alguna página olvidada o, al contrario, algún éxito del momento. O el que se atrevía a experimentar más allá de cualquier convención: Caminito devenido blues, Chopin apenas jazzeado, la música de Ellington con los músicos de Ellington, el free jazz -o algo así- junto a Ara Tokatlian, o un encuentro a cuatro manos con Gerardo Gandini." Sergio Pujol

Pero eso sería luego. Antes de eso, antes de viajar y de los discos de la Columbia, Villegas ya se había ganado un prestigio en Buenos Aires, tocando jazz, folklore u obras de Ravel y de Gerschwin. En 1952, finalmente, grabó dos discos con su nombre para el sello Music Hall. Uno de estos dos discos, Villegas + Ritmo, lo grabó con un trío y tenía un repertorio de standards. El otro, Villegas + Folklore, que hoy presentamos aquí, es un disco con temas compuestos por los Hermanos Ábalos.

Diez años antes de la grabación de este disco, los Hermanos Ábalos habían sido responsables, en gran medida, de la introducción del piano en la música folclórica argentina. Antes, el folclore era cosa de guitarras. Ese mismo año de 1952, los Ábalos editan los dos volumenes de Nuestras Danzas, discos donde el modo de tocar de Adolfo Ábalos, dibujando con los bajos la estructura rítmica del tema, marcará el modo de interpretación del piano en la música folclórica.

Villegas + Folklore es, entonces, un disco con arreglos que hoy pueden sonar "tradicionales", pero que reflejan un momento en la la evolución del género. Faltaban todavía algunos años para el boom del folclore, para que los músicos del mundo comenzaran a explorar la fusión y Eduardo Lagos, en Argentina, introdujese el concepto de proyección folclórica. Acompañado por los mismísimos Hermanos Ábalos, Villegas interpreta aquí zambas, chacareras y gatos. Y lo hace muy bien.

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Horacio Larumbe Trio - Carnaval

Horacio Larumbe nació en Lincoln, provincia de Buenos Aires, el 5 de enero de 1939 . Desde los cuatro años supo que lo que quería hacer era tocar el piano. Cuando tenía siete, su familia se mudó a la Capital Federal para que Horacio estudiara en una escuela para ciegos, debido a que un glaucoma le hizo perder la vista.

Larumbe tocaba en orquesta sinfónica juvenil de la escuela, pero a medida que fue creciendo se inclinó cada vez más hacia el jazz, tocando por las noches en jam sessions. "No sé si el jazz es nocturno o simplemente que la noche es mejor para todo", se preguntaba Larumbe.

A mediados de los años 60, se radicó en Suecia. Allí toco con el baterista Albert Heat y otros famosos músicos de jazz en el Artist Club. Cuando regresó al país, se convirtió en un solicitado sesionista, grabando con cantantes de moda como Sandro y Palito Ortega.

En los 80, tuvo su apogeo y su reconocimiento como pianista de jazz. Con su trío, integrado por "El Negro" González en el contrabajo y Junior Césari en batería, tocaba habitualmente en Jazz & Pop, donde además participaba de las jam sessions de los domingos, en las que los jovenes Javier Malosetti, Lito Epumer, Armando Alonso, Paul Dourge empezaban a destacar entre la nueva generación de músicos.

Cuentan que cuando Chick Corea llegó a Buenos Aires pidió "tocar con el pianista ciego" y lo mismo hizo Hermeto Pascoal. Larumbe prefería que lo llamen así, ciego, "porque no me parece bien hablar de no vidente, nadie dice no rico, sino pobre". De aquella época queda el registro en video de un show en el programa Badía y Compañía que alguien se tomó el trabajo de levantar a Youtube y Carnaval, el disco que presentamos hoy, y que llegó a mis manos gracias a JoseFK, un amable usuario de Taringa.

Larumbe falleció en 2003 a los 64 años. En 1996, en una entrevista en Clarín contó: "El año pasado, con Herb Ellis, toqué tres días preinfartado. Le dije a la doctora que me atendía: Si no puedo fumar ni tomar, ¿qué quiere que haga? "¿Usted no se analiza, Larumbe?", me preguntó. No, doctora, no soy supersticioso. Casi se infarta ella".

Fernando Dommínguez pone en boca de Larumbe una anecdota similar, en el muy intersante artículo que escribió para la en la revista 150 Monos, en cuyo blog es posible descargar un tema interpretado por Larumbe y nunca editado en disco.

- Y Larumbe? Ya empezó a dejar los vicios?
- Si doctor, la semana pasada no jugué a la quiniela.

Y ahí nomás Larumbe aprovechaba la risa de todos para apurar un trago o prender otro cigarrillo. Tenía sesenta y algo ya andaba medio achacado. Se fatigaba facilmente y casi que tocaba solo con una mano porque la otra siempre le dolía.

La nota explica el porque de la escasez de grabaciones de Larumbe. Cuenta fernando Domínguez que Horacio Larumbe solía quejarse del dinerao o las condiciones que le ofrecían para grabar. Carnaval fue grabado en España y rapidamente descatalogado. Larumbe aceptó hacerlo "porque era una sola tarde de trabajo, porque el piano era bueno y porque pagaban bien. Lejos estaba Larumbe de cualquier visión romántica del arte, lo cuál no le impedía (más bien todo lo contrario) tomarse el trabajo en serio y hacerlo de forma excelente."

Domínguez termina su recuerdo de Larumbe de manera emotiva, citando al fallecido Norberto Minichillo, músico y amigo de Larumbe: "Si alguna vez hablás de Horacio, no digas que era ciego, ni que tenía un humor ácido ni que era un bohemio. Tipos así hay un montón... Decí que fue uno de los más grandes músicos que tuvo este país. Decí eso. Lo demás es pura sanata."

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Baladas para autos descapotables

Porque son bellas melodías. Porque estas canciones no tienen mejor lugar para sonar que la radio de un coche clásico convertible. Porque tranquilizan, desestresan y armonizan. Nada de carreras alocadas. Auto grande en lo posible con asiento delantero largo; nada de butacas. Capota baja, estrellas arriba y esta música en la radio. Canciones para disfrutar mientras el viento nos acaricia. Solos o acompañados. O en busca de compañía. Aunque mejor acompañados y muuuuy tranquilos. Siempre andando muy despacio. A algunas las deben conocer. A otras quizá no. Pero juntas conforman un ensueño auditivo. Son canciones viejas y suenan de noche, eso sí. A nadie se le ocurra tocarlas a plena luz del día. La selección es mía y el orden de temas debe ser así. Acepto críticas y sugerencias.

01- Ben E. King - Spanish Harlem
02- The Chordettes - Mr. Sandman
03- The Platters - Twilight Time
04- Paul Anka - Put your head on my shoulder
05- Neil Sedaka - Oh Carol
06- Phil Phillips - Sea of love
07- Elvis Presley - You were always on my mind
08- The Platters - Sleepy Lagoon
09- Ray Conniff - Somewhere my love
10- Everly Brothers - All I have to do is dream
11- Sam Cooke - Only Sixteen
12- The Ronettes - Baby I love you
13- Dusty Springfield - I only want to be with you
14- Mama Cass Elliot - Easy come, easy go
15- Tony Orlando - Tie a yellow ribbon
16- Mama Cass Elliot - Make your own kind of music
17- Petula Clark - Downtown
18- Gilberto O'Sullivan - Alone again (naturaly)
19- Frank Sinatra- Fly me to the Moon


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Tommy Flanagan - Giant Steps

Con este disco voy a cerrar este homenaje a John Coltrane y a sus músicos, que se fue armando sin planificarlo.

John Coltrane grabó su disco Giant Steps en 1959, junto a Tommy Flanagan en piano, Paul Chambers en bajo y Art Taylor en batería (excepto Naima, en la cual Flanagan y Taylor fueron reemplazados por Wynton Kelly y Jimmy Cobb). Varias melodías del disco se convirtieron en standards de jazz, como el ya mencionado Naima, Cousin Mary, Countdown, Mr. P.C y sobre todo, Giant Steps, el tema que da nombre al disco.

Giant Steps es el ejemplo más acabado del trabajo armónico que venía llevando a cabo Coltrane y que lo llevó a crear lo que se conoce como los Coltranes Changes (Cambios Coltrane). Giant Steps es un tema en 16 compases, con una melodía relativamente sencilla, que se repite dos veces. Su dificultad radica en su armonía, que era revolucionaria en esa época, sus constantes cambios de tono, su compleja progresión de acordes y el rápido “tempo” en que fue ejecutada.

Por este motivo, los músicos de jazz continúan usando la progresión de acordes como una ejercicio en sus instrumentos y la improvisación sobre Giant Steps y sus 26 veloces cambios de acordes en 16 compases, es considerada una prueba de la habilidad del instrumentista.

Esta dificultad fue con la que se encontó Tommy Flanagan, cuando Coltrane entró al estudio con las partituras. El saxofonista era conocido por llegar al estudio con canciones que nunca había ensayado con la banda, y Giant Steps no fue la excepción. En la grabación original, Flanagan toca un solo entrecortado, evidenciando su lucha por improvisar sobre las complejas progresiones de los Coltrane Changes sin la preparación adecuada.

En 1982, Flanagan volvió a grabar, acompañado por George Mraz y Al Foster, seis de los siete temas de aquella legendaria sesión. Giant Steps, In memory of John Coltrane, es para muchos su mejor disco. En este excelente álbum de homenaje a su maestro, Tommy Flanagan tuvo también su merecida revancha.

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Archie Shepp - Four for Trane

Acerca de Archie Shepp, dice el Sitio Apolo y Baco en sus Biografías del Jazz:

Archie Shepp nació en 1937 y desde niño empezó a estudiar piano, clarinete y saxo contralto. Mas tarde se pasó al saxo tenor, con el que toco en grupo de rhythm and blues con el trompetista Lee Morgan y el saxofonista Kenny Rogers. Además de música, Shepp estudió leyes y arte dramático, donde llego a diplomarse y tuvo un frustrado intento de enrolarse en un grupo teatral. En 1960, conoció al pianista Cecil Taylor, con quien grabó en varias ocasiones entre 1960 y 1961.

En 1962 tocó junto a Bill Dixon, con quien grabaría su primer disco a su nombre: Archie Shepp-Bill Dixon Quartet. Esa experiencia le sirvió para formar el New York Contemporary Five, quinteto donde, además de Archie Shepp, estaban Don Cherry, Don Moore, J.C. Moses y John Tchicai.

De aquel periodo son sus primeras composiciones ligadas todas ellas al movimiento negro que germinaba en aquellos años. Por ejemplo el tema Rufus, que cierra el disco que presentamos hoy, es la transposición musical del linchamiento de un negro, y The Funeral está dedicada al secretario de la organización negra National Association for the Advancement of Colored People, - Asociación Nacional para el Progreso del Pueblo Negro - Medgar Evers, asesinado en aquellas fechas. De aquel fructífero periodo quedan sus cinco espléndidos discos grabados todos en 1963.

En 1964, y después de una breve gira por Europa, Archie Shepp, reconstruyó su quinteto con motivo de la grabación de un álbum donde ya empezó a aflorar sus dotes de liderazgo. Ese mismo año graba Four For Trane, un disco que, como su nombre lo sugiere, es un tributo a John Coltrane, en el que Archie Shepp toca cuatro melodías del que fuera su mentor y principal influencia. El quinto tema es el ya mencionado Rufus.

1965 fue un gran año para Shepp, que colabaró con John Coltrane, en el nacimiento de una obra maestra del freejazz, el álbum Ascension (Impulse!, 1965) donde su participación fue decisiva, y grabó la que está considerada su obra maestra discográfica, el álbum Fire Music.

Archie Shepp formó parte, también, de la Jazz Composer's Orchestra junto con los músicos mas grandes de la vanguardia jazzistica, entre ellos, Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley, Roswell Rudd, John Tchicai, etc.)

Comenzó los setenta alternando sus conciertos y la docencia, dando clases de historia y sociología del Jazz en la Universidad de Ahmherst. Graba también con Jeanne Lee, Chet Baker, y Max Roach, forma la Attica Blues Big Band, pero nada volverá a ser igual, y aún produciendo obras de interés y demostrando ante el publico que puede ofrecer satisfactorias actuaciones, y sin haber renegado de su enorme interés por el pueblo afro-americano y su legado musical, sus últimos veinticinco años han pasado sin hacer demasiado ruido.

Según allmusic.com y la traducción de Carlos, a quien le debo el descubrimiento de este disco, el hecho de que este album se sostenga tan bien en el tiempo cuarenta años después tiene muchísimo que ver con la banda que él eligió para la sesión, y tiene todo que ver con los bellísimos arreglos del trombonista Roswell Rudd. La banda es Shepp en saxo tenor, John Tchicai en el alto, Rudd en trombón, el bajista de Trane, Reggie Workman, y el baterista de Ornette Coleman, Charles Moffett... Four for Trane es un album verdaderamente refinado, original y duradero de un músico tantas veces subvalorado.

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Johnny Hartman - For Trane

Este es otro disco que formó parte del homenaje que Carlos hizo en su blog a Johnny Hartman. Fuimos muchos los que a través de ese homenaje, conocimos y empezamos a disfrutar de la voz de Hartman. Hoy lo comparto aquí con ustedes.

Johnny Hartman nació en Chicago en 1923. Comenzó a tocar el piano y cantar a los ocho años, para luego estudiar canto en el Chicago Musical College. En 1947 salió de gira con la big bands de Earl Hines y luego con la de Dizzy Gillespie. Ese año también, grabaría sus primeros discos como solista en el sello Savoy.

Grabó otras 4 álbumes para Mercury en 1949; 2 para Apollo en 1950 y 8 para RCA Victor en 1951, sin alcanzar el éxito que esperaba. A mediados de los 50's Hartman salió de gira por el país como solista y grabó otros dos álbumes para diferentes sellos.

Muchos atribuyen este escaso exito a una cuestión racial: en los Estados Unidos de los años 50s no era muy apropiado que un negro anduviera seduciendo con canciones románticas. Johnny dijo alguna vez: "Ha habido veces que no pude entrar a clubes blancos y cantar a mi modo. Mejor cantabas algo bailable o un verdadero blues de los pesados, así te dejaban pasar. Lo que sentías era que no suponían que uno fuera serio que un hombre que pudiera sentir estar enamorado..."

En 1963, John Coltrane le pide que graben juntos un disco que marcó la carrera de Hartman. Fue su mayor éxito y le abrió nuevas posibilidades para grabar, pero provocó que fuera catalogado como cantor de jazz, algo que Hartman no quería, y eso le impidió la entrada a determinados circuitos.

En 1968, ante la falta de contratos, partió hacia Australia, donde logró gran popularidad, y luego a Japón donde grabó 2 álbumes para el sello Toshiba-EMI. En el primero, Hartman Meets Hino, compartió la obra con el trompetista Terumasa Hino. El segundo álbum, Trane's Favorite, es una selección de temas que alguna vez habían sido grabados por Coltrane. Los arreglos del tributo remiten directamente a los de Coltrane, pero sabiamente, Hartman evitó volver sobre los temas que ya habían grabado juntos.

For Trane es una selección de estos dos discos, donde los primeros 5 temas en este set son Trane's Favorite y los siguientes seis de Hartman meets Hino. Los temas asociados a Coltrane resultan finalmente cuatro, ya que el saxofonista nunca grabó Why Did I Choose You.

La mayoría de los discos de Hartman ponen el enfasis en su calidez, su profundidad y su lirismo al cantar, pero For Trane es diferente. En este disco podemos escuchar a Hartman cantar swing con su poderosa voz, como en Nature Boy, Sometime I'm Happy o Green Dolphin Street, abandonando por un instante su lugar de cantante de baladas, y lo hace maravillosamente! Sin perder su calidez, Hartman es aquí sorprendentemente luminoso.

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John Coltrane & Johnny Hartman - John Coltrane and Johnny Hartman

Esta va a ser la segunda vez que posteo este disco. La primera vez fue ( a veces parece que hace mucho tiempo) en Octubre de 2007, y fue mi primera colaboración en el blog de Carlos.

En realidad yo le mandé el disco porque ( no se si se dieron cuenta) a mí me gusta mucho Coltrane; Carlos, en cambio, se emocionó porque le mandaba un disco de Johnny Hartman. Inmediatamente me tuve que poner a investigar quien era Hartman, ya que no tenía la menor idea... Fue así que aprendí quien era Johnny Hartman y descubrí un cantante maravilloso.

Entre finales de 1962 y comienzos de 1963 Coltrane grabó tres albums de baladas. Cuando el productor Bob Thiele se acercó a Hartman con la propuesta de Coltrane de grabar juntos, Hartman se resistió, ya que no se consideraba un cantante de jazz y pensaba que él y Coltrane fuesen a complementarse bien, musicalmente. Coltrane y Hartman se conocían desde sus días tocando en la banda de Dizzy Gillespie a fines de los 40.

Hacía ya varios años que Hartman no grababa, y Thiele consiguió que fuese a escuchar a Coltrane en el Birland de New York, para ver si podían llegar a un acuerdo. Hartman fue, y después de que el club cerró se quedó cantando algunas canciones junto a Coltrane y McCoy Tyner.

El 7 de Marzo de 1963, Coltrane y Hartman tenían decidido unas 10 canciones para el álbum, pero cuando iban para el estudio, escucharon a Nat King cole cantando Lush Life, y Hartman decidió que quería grabarla.

El disco fue grabado en sólo un día, y cada canción fue grabada en sólo una toma, excepto You Are Too Beautiful, que debió ser grabada dos veces debido a que Elvin Jones quebró uno de sus palillos durante la primera toma.

John Coltrane and Johnny Hartman es un disco maravilloso, un verdadero dueto, donde el saxo de Coltrane canta junto a Hartman. La voz profunda y oscura de Johnny Hartman y el saxo tenor de Coltrane se conjugan perfectamente.

El disco se convirtió instantaneamente en una clásico del jazz classic, y las versiones de Lush Life, My One and Only Love, The Say It's Wonderful son consideradas insuperables.

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Elvin Jones / Jimmy Garrison Sextet - Illumination!

Como corresponde, y como nos merecemos, vamos a empezar 2009 con un discazo poco conocido. Illumination! es el segundo disco de Elvin Jones como líder, o el tercero si contamos Together!, el disco que grabó con Philly Joe Jones como socio musical antes de grabar Elvin!

También aquí comparte el liderazgo, esta vez con su compañero en el cuarteto de Coltrane, el bajista Jimmy Garrison. El sexteto, con una instrumentación particular, se completa con Sonny Simmons (saxo alto y corno inglés), Prince Lasha (flauta y clarinete), Charles Davis (saxo barítono) y otro miembro del cuarteto de John Coltrane, el pianista McCoy Tyner.

Cada uno de los músicos aportó un tema de su autoría para el disco, excepto Davis que aportó dos, y Elvin Jones, que no participó como compositor. Grabado en 1963, Illumination! tiene sólo seis temas, pero abarca un amplio espectro que va del hard bop a un estilo más cercano al Free Jazz.

A lo largo del disco se destacan, además de Jones, los vientistas. Sonny Simmons con el corno inglés y Prince Lasha en clarinete se lucen Nuttin' Out Jones, el primer tema del disco. Davis, tiene un gran solo con el saxo barítono en Half and Half, un blues de figuras recurrentes.

Oriental Flower, la melodía compuesta por McCoy Tyner, sobresale por su alta dosis de lirismo y la habilidad de Tyner para interactuar con los otros músicos. El extraño Aborigine Dance In Scotland, compuesto por Charles Davis, con un saxo alto, un barítono y una flauta sonando al unísono para crear un efecto fantástico que remite lejanamente a una gaita, y dar paso a un impresionante solo de Elvin Jones. Gettin' on Way, es un tema post-bop con influencias del Free Jazz, un gran solo de Jones y un elocuente y apasionado solo a cargo de Sonny Simmons.

Lamentablemente Jones no volvió a grabar con esta formación, y la escasa media hora de duración de este disco es todo el material que hay de esta banda. Illumination! es uno de esos discos hermosos que te dejan con ganas de más.

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Elvin Jones - Elvin!

El sitio Apolo y Baco dice en su Biografías del Jazz que Elvin Jones comenzó su carrera junto a sus hermanos mayores, el magnifico trompetista Thad Jones y el extraordinario pianista Hank Jones. Rápidamente su destreza en la batería empezó a llamar la atención de los mejores músicos de la época y de esa forma trabajó con muchos de los grandes del jazz entre los años cuarenta y cincuenta: Bud Powell, Sonny Rollins, Miles Davis, Charles Mingus, el trombonista Jay Jay Johnson y el trompetista, Donald Byrd, entre otros.

El salto definitivo en su carrera, y por el que pasará a la historia del jazz, son sus trabajos con John Coltrane entre 1960 y 1965. Junto al saxofonista, Elvin Jones grabó varias obras maestras discográficas, hasta que Coltrane decidió incorporar a Rashied Alí como segundo baterista al grupo. Elvin no estuvo muy conforme con esta decisión y dejó la banda para formar sus propios grupos. A principios de los ochenta creó la "Elvin Jones Jazz Machine" junto al saxofonista Sonny Fortune y a imagen y semejanza de Art Blakey, impulsó desde ese grupo la formación musical de jóvenes con talento. De su escuela salió el saxofonista, Joshua Redman.

Elvin Jones, es uno de los grandes bateristas de la historia del jazz; su estilo, inconfundible a la primera audición de sus platillos, ha dejado huella en numerosos músicos y hasta su muerte en 2004 permaneció activo, grabando para varios sellos discográficos y dando conciertos, a veces asistido por un tubo de oxígeno.

Elvin! fue grabado en 1961, mientras Jones formaba parte todavía del legendario cuarteto de John Coltrane. La banda que acompaña al baterista es un sexteto formado por sus hermanos Hank y Thad, en piano y trompeta, el flautista Frank Wess, Frank Foster en saxo tenor y el contrabajista Art Davis.

Integrado por un repertorio de canciones poco conocidas, Elvin! es un álbum de un hard bop rítmico y alegre. Elvin Jones mantiene un ritmo parejo a lo largo de las canciones, recurriendo en escasas ocasiones al recurso de la polirritmia que lo hizo famoso con Coltrane.

Y justamente esa es una de las cosas que llama la atención: Elvin! no tiene punto de contacto con la música que el cuarteto tocaba en esa época. Mientras Coltrane profundizaba cada vez más sus exploraciones en el terreno de la avant garde, Jones toma aquí el camino opuesto.

El primer trabajo como líder del baterista Elvin Jones es un disco de jazz clásico, por lo que no corresponde esperar aquí grandes sorpresas. Pero esto no quiere decir que el disco decepcione, por el contrario, Elvin! tiene todo lo que uno espera de un disco de jazz: brillantes músicos ejecutando hermosas melodías.

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Tommy Flanagan & Hank Jones - Our Delights

Tommy Flanagan nació en Detroit, Michigan donde debutó profesionalmente en 1945, a los 15 años. Pronto comenzó a tocar junto a otros pesos pesados de su cisudad natal, como Milt Jackson, Thad Jones, Elvin Jones y Kenny Burrel.

Considerado siempre entre los mejores pianistas de su época, ese prestigio se refleja en su participación en discos como Giant Steps, de John Coltrane; Saxophone Colossus, de Sonny Rollins y The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, entre otros que el tiempo y la crítica han convertido en clásicos. Flanagan, sin embargo, es recordado especialmente por su trabajo como pianista de Ella Fitzgerald en los 60s y 70s.

Su estilo, según Wikipedia, era modesto y excepcionalmente musical. Flanagan personificaba muchas de las más importantes cualidades asociadas al jazz: swing, sofisticacion armonica, inventiva melodica y humor.

Uno de sus discos más importantes como líder, fue su homenaje a John Coltrane, grabado en 1982: Giant Steps. La compleja y vanguardista armonía que Coltrane desarrolla en ese tema, le había presentado problemas al joven Flanagan, que participó de la grabación que se realizó sin ensayos previos. Flanagan sería luego remplazado por McCoy Tyner en la banda de Coltrane.

Tommy Flanagan murió el 16 de noviembre de 2001.

Hank Jones nació en 1918. Dice Apolo y Baco que se inicio en el jazz junto a sus hermanos, el trompetista Thad Jones, y el baterista Elvin Jones. Muy pronto se ganó una estimable reputación como pianista cuando colaboró a mediados de los años cuarenta con músicos importantes del jazz como: Coleman Hawkins, Howard McGhee, John Kirby o Andy Kirk.

Influenciado por Art Tatum primero y Teddy Wilson después, Jones se da a conocer internacionalmente en 1947 cuando acompaña a la gran cantante de jazz, Ella Fitzgerald en el tour de la organización "Jazz at the Philarmonic" de ese año. En 1947 tuvo la oportunidad de tocar en el grupo del genio del saxo alto, Charlie Parker. En las décadas posteriores su actividad musical es intensisisima y graba en estudio y en directo acompañando a los grandes del jazz.

Todavía hoy, a los 90 años, Jones continua tocando y grabando como líder, junto a musicos de la talla de George Mraz y Dennis Mackrel, Jimmy Cobb y Christian McBride, o como side man, junto a Joe Lovano o a Diana Krall, con quien en 2007 grabó un tema para el compilado We all Love Ella.

Hank Jones y Tommy Flanagan crecieron en la misma ciudad y comenzaron a tocar en la misma época y con los mismos músicos; no es extraño entonces que sus estilos sean similares. Pero además de haber recibido influencias o formaciones similares, hay entre Flanagan y Jones un conocimiento y un respeto mutuo que son evidentes en Our Delights, el album que grabaron juntos en 1978. En este hermoso disco que me envió Carlos, los dos grandes pianistas ejecutan a dúo sus versiones de siete standards, y lo hacen de una manera delicada y conmovedora.

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Jim Hall & Bob Brookmeyer - Live at the North Sea Jazz Festival

Bienvenidos a la Monga! se ha propuesto que termines el año con todo, y por eso ahora te convida con este discazo del maestro Jim Hall y Bob Brookmeyer.

Y quién es este Bob, te preguntarás vos, al igual que lo hice yo cuando el archivo cayó en mis manos, Brookmeyer, dice Apolo y Baco, es uno de los escasos músicos de jazz que han elegido el trombón de pistones como instrumento en su carrera. Nacido en Kansas City, comenzó sus estudios musicales con el clarinete en el Conservatorio de su ciudad natal y luego los amplió al piano y al trombón. Su primera experiencia profesional fue como músico de bigband con las formaciones de Ray McKinley, Louis Prima, Tex Benecke y acabó con la banda de Woody Herman. En 1952, decidió utilizar para siempre el trombón de pistones y se unió al grupo del saxofonista, Stan Getz, donde empezó ser conocido. Un año más tarde ocupó el lugar del trompetista, Chet Baker en el famoso cuarteto de Gerry Mulligan y permaneció con él durante cuatro años.

Tras una aparición en el festival de Newport de 1958, decidió trabajar de forma independiente con su propio nombre y grabó algunos discos, entre ellos, uno famoso con el pianista, Bill Evans. En 1963 se incorpora a un proyecto que daría jugosos momentos en la historia del jazz: la famosa bigband organizada por el saxo barítono, Gerry Mulligan conocida como "Concert Jazz Band". Grabó con el quinteto que en 1964 formó, Clark Terry y luego con la magnifica dupla formada por el trompetista, Thad Jones y la Mel Lewis orchestra.

Jim Hall no necesita tanta presentación. Hall es un guitarrista genial que, a lo largo de su carrera ha explorado el formato de dueto exhaustivamente: con el pianista Bill Evans el los 60s y con el contrabajista Ron Carter en los 70s. También grabó en 1999 un hermoso disco con Pat Metheny.

Hall y Brookmeyer ya habían tocado juntos, puesto que habían tocado juntos en el trío de Jimmy Giuffre a finales de los 50s. El guitarrista participó también de un disco de Brookmeyer en 1958.

Este disco fue grabado en vivo en 1979, durante el North Sea jazz Festival. L ausencia de una sección rítmica no parece en absoluto una limitación para estos dos, si no más bien al contrario.
Hall y Brookmeyer se turnan a lo largo del concierto para lograr , por ejemplo, una maravillosa versión de St. Thomas, un tema de Sonny Rollins donde Hall hace maravillas con los acordes, o en In a Sentimental Mood, donde Brookmeyer dispone del espacio para mostrar lo que es capaz de hacer. Las líneas de Brookmeyer, largas, líricas, son una muestra de su maestría en el trombón.

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Youngblood Brass Band - Center : Level : Roar

Y si, llegó el fin de año y se nos dio por hacernos los sofisticados. Y por eso te traemos hoy este, el tercer disco de Youngblood Brass Band.

La banda fue fundada por el sousafonista Nat McIntosh y el percusionista y letrista D.H. Skogen, en Oregon, Wiscosin. Se habían conocido en la secundaria, cuando ambos cursaban en el Oregon High School. Comenzaron a tocar en 1995, pero recién en 1998 tomarían el nombre de Youngblood Brass Band, cuando lanzaron su primer álbum, Word On The Street.

¿Sousafonista? Si, dije sousafonista y no es un error, porque supongo que así se llama el que toca el sousafón, una variedad de tuba creada por un tipo de apellido Sousa.

Youngblood Brass Band toma de las tradicionales Brass Bands de New Orleans el sonido y lo combina con influencias del jazz, el funk y una fuerte presencia del hip hop. Y aunque a veces incluyen en su repertorio melodías como Chinatown, My Chinatown, un clásico de las brass bands de Orleans, es una banda que empuja los límites más allá de la tradición.

Este es su tercer álbum, y está muy bueno. En Center : Level : Roar las influencias del hip-hop son más fuertes que en su disco anterior, Unlearn, que es del que yo pensaba originalmente hablar hoy hasta que un troyano me obligó a cambiar de planes. Y es que la verdad que este disco me gusta mucho, pero yo los prefiero cuando rapean un poco menos.

Sin embargo, con un sonido poderoso y un ritmo bailable y contagioso, los Youngblood lograron un disco parejo con temazos como Brooklyn, Round One, The Movement, el agradable Is An Elegy o el más experimental Nate McCavish Handbills For No Man, donde suenan distintas capas de grabaciones del sousafón de Nat McCavish.

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The Bollywood Brass Band - Rahmania

¿Cansado de ser tildado como el aburrido de la fiesta?¿Cansado de quedar marginado en un ricón mientras otros son el centro de la atención?¿Cansado de ser un alfeñique de 44 kilos?

Conviertase en el centro de la reunión y logre que todos bailen a su alrededor con el metodo de Bienvenidos a la Monga! Si, porque con el metodo de Bienvenidos a la Monga usted puede transformarse en una persona divertida y sofisticada e impresionar a us amigos con su vasta cultura musical. Para comenzar, sólo tiene que descargar este disco de The Bollywood Brass Band.

The Bollywood Brass Band es una banda nacida y radicada en Inglaterra que , tal y como su nombre lo indica, una banda de intrumentos de viento de metal, que toca música tradicional de la India y canciones de Bollywood, la gran fabrica de cine indio.

La industria del cine indio es la más grande del mundo. En Bombay se producen al año más películas que en Hollywood que no sólo son vistas por la población local, si no que se exportan a muchos países del sur de Asia.

La mayor parte de las películas incluye números musicales que son muy apreciados por la audiencia. Bollywood tiene su propio star system, que por supuesto incluye a populares cantantes. The Bollywood Brass Band toca hits de estas películas y en este disco en partícular, se dedica a la obra del compositor A. R. Rahman.

La banda fue formada en 1992 para tocar en el International Festival of Street Music en Londres. Luego, continuaron tocando y grabaron varios discos que incluyen una variedad de estilos como música de películas indias, Bhangra, qawwali, canciones folklóricas de la región de Punjabi y canciones de las que las brass bands suelen tocar en las bodas indias, todo esto pasado por el mátiaz del jazz y la world music.

La Bollywood Brass Band está formada por diez músicos que tocan saxos, trompetas, trombones, tubas, con una sección percutiva formada por bombos y el tambor dhol, típico de la región de Punjab.

Haga sonar a The Bollywood Brass Band en sus reuniones y vea como su popularidad se acrecienta! ¿Quiere que las mujeres lo admiren?¿Que los hombres lo respeten? Conviertase en un hombre de mundo, elegante y sofisticado. El estilo enérgico y festivo de The Bollywood Brass Band, lo hace ideal para impresionar a sus amigos en este fin de año.

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Ahora si!

Queridos amigos: Mi idea es mantener el archivo en buenas condiciones de salud y por esto estuve intentando todo el día de ayer reestablecer el link del disco de Happy Apple, Youth Oriented... Finalmente lo logré, así que aquí les dejo una lista del disquillos que se encontraban caídos y cuyos links han sido renovados y mejorados.

1 - Nome, de Arnaldo Antunes

2 - A Love Supreme, de Turtle Island String Quartet

3 - Dialecto, de Eduardo Lagos

4 - El Diablo Suelto, de Rolando Goldman

5 - Youth Oriented, de Happy Aplle
Quedan un par por arreglar, pero les pido que tengan paciencia.

Saludos

Diego O'rei

Noir Désir - Des Visages des Figures

Con este disco de Noir Désir voy a cerrar este pequeño ciclo de música de Francia, aquí en Bienvenidos a la Monga! Y antes de pasar al comentario, me gustaría dedicarle estos discos a mi extraviada amiga de impronunciable nombre belga. Diría que su nombre es algo así como Zubanestrujenbajen, si todo el mundo no supiera que eso es en alemán. En todo caso es algo así, pero en flamish.

Antes de subir este disco dudé bastante. Y dudé por toda la polémica que hay actualmente alrededor de esta banda. La polémica de la que hablo tiene que ver con la reciente liberación del cantante de la banda, Bertrand Cantat, quien estuvo preso cuatro años por asesinar brutalmente a golpes a su pareja, la actriz Marie Trintignant.

Por este crimen, Cantat fue condenado a ocho años de prisión, pero debido a su buena conducta y su voluntad de recuperación, ha sido puesto en libertad después de haber cumplido la mitad de su condena, lo que ha provocado la manifestación de grupos feministas y de la familia Trintignant.

El debate se extiende a la cuestión de si tiene o no derecho Cantat a continuar su carrera como músico y a la contradicción que significa que Cantat, líder y autor de las letras de un grupo que defiende y milita por diversas causas relacionadas con los derechos humanos, haya sido condenado por un crímen que está directamente relacionado con el machismo y la violencia doméstica.

De todas maneras, he dedidido publicar Des Visages, Des Figures. Y lo hago porque nada tiene que ver el crímen de Cantat con la belleza de su música. Pedirle a los músicos o figuras públicas que admiraba que tuvieran una vida privada o una ideología coherente con sus actos públicos o su obra o sus canciones es algo que dejé de hacer incluso antes de terminar mi adolescencia.

Está probado que el escritor francés Ferdinand Céline fue un colaborador de los Nazis y eso no hace que su maravilloso libro Viaje al fin de la Noche sea siquiera un poquito peor. Por suerte para todos, obra y artista se vuelven independientes una del otro, en cuanto la primera se encuentra terminada. Pero... vayamos ahora a la banda.

Noir Désir se formó en 1985 con el cantante Bertrand Cantat, el batería Denis Barthe, el guitarrista Serge Teyssot-Gay y el bajista Frédéric Vidalenc, que luego sería reemplzado por Jean-Paul Roy.

Des Visages, Des Figures fue grabado en 2001, cuando Noir Désir era ya una banda consagrada en Francia, es el octavo disco de la banda y también el último grabado en estudio. Des Visages, Des Figures cuenta con numerosos invitados, entre ellos Manu Chao, quien participa del tema que alcanzó más difusión, Le Vent Nous Porterá.

En este album Noir Désir se aparta del sonido rockero y distorsionado que venía cultivando en sus discos anteriores y explora un estilo más cercano al que los grupos ingleses de rock-indie estaban utilizando para esa época. Esto, y lo logrado de sus climas, es lo que lo hace el disco más interesante que sus predecesores.

Debo advertirles que L'Europe, el último tema, dura alrededor de 23 minutos. Sin embargo el resto de las canciones son perfectamente accesibles. A mí, que cada vez escucho menos rock, me parece que est disco está buenísimo.

A tu salud, Zubanestrujenbajen!

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Les Négresses Vertes - Mlah

Recuerdo perfectamente la primera noticia que tuve acerca de la existencia de Les Négresses Vertes. Estabamos en casa de Néstor, que por ese entonces todavía no había partido hacia Francia, cuando leí, en 1993, la noticia de la muerte de Helno Rota, el cantante de la banda.

Los miembros originales de la banda, formada en 1987, eran un grupo de amigos, muchos de los cuales nunca había tocado un instrumento. Helno Rota estaba teniendo problemas con la heroína y falleció, víctima de una sobredosis, en casa de su madre, al día siguiente de haber comprado su propio departamento.

Varios miembros originales dejaron la banda luego de la muerte de Helno, pero Les Négresses Vertes continuaron fucncionando alrededor de un nuevo núcleo formado por el guitarrista Stéfane Mellino, el acordeonista Matthias Canavese y el trompetista Michel Ochowiak.

Mlah es el primer disco de Les Négreses Vertes y , en mi opinión, el mejor. En él, Les Négresses Vertes muestran la particular mezcla de influencias, punk rock, música gitana, musette y raï algeriano, que a esta altura del partido puede parecer habitual, pero que en 1989 o en 1993, cuando yo los conocí, era todavía novedosa.

Pero el merito de Mlah no reside ni residió nunca en lo novedoso, si no en la belleza de los canciones. Eso es, en definitiva, lo que hace que un gran disco lo siga siendo casi 20 años después. Melodías memorables como Zoubi, la mouche; C'est pas la mer a boire; Hey Maria; Voila l'ete o L'homme des marais, contagian una alegría y una energía que se encuentra en pocas bandas.

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Têtes Raides - Ginette (10 ans)

Los Tetes Raides ser formaron en 1984 con el nombre de Red Ted, tomando su nombre definitivo en 1987, dos años antes de grabar su primer disco. En sus comienzos, la influencia más fuerte y notable fue la de The Clash, mezclando rock, ska, reggae y punk con la fuerte herencia de la chanson francaise de Brel y George Bassens.

La influencia de la chanson, fue tomando mayor presencia a partir del tercer disco, Les oiseaux, y de la incorporación de la violoncelista Anne-Gaëlle, de formación clásica, que marcó también un giro hacia un formato más acústico, sin distorsiones ni sonidos eléctricos.

Dice Wikipedia que en escena combinan emoción, poesía, luz, humor, intensidad y un color musical especial que mezcla rock alternativo , chanson réaliste y bal musette, en un cálido ambiente de cabaret. Sobre una instrumentación que incluye acordeón, vientos, cello y guitarras, la grave voz de Christian Olivier entona las letras plagadas de humor negro, absurdo y compromiso político.

Ese compromiso los llevó a lanzar en 2002, junto a otros movimientos políticos, sindicales y sociales un Aviso de KO Social y a militar activamente contra el derechista Jean-Marie Le Pen en la segunda vuelta de las elecciones. En esa ocasión declaran que el objetivos es "luchar por nuestras vidas, y por todo aquello que las hace bellas y alegres: la libertad de ir y de quedarnos o de querer; el derecho a un ingreso digno, ligado o no a un empleo, a una vivienda, el acceso a un sistema de salud de calidad para todos y todas; la igualdad efectiva entre hombres y mujeres, un uso inteligente de los recursos de nuestro planeta; la visibilidad y los derechos de todos aquellos que , entre nosotros, llamamos minorías; la libre circulación del saber, de los adelantos técnicos o científicos; del arte; de los sistemas sociales, p´líticos, educativos o económicos al servicio de las necesidades de todos y todas...."

La banda está actualmente formada por:
Christian Olivier: voces, acordeón, guitarra y saxo.
Pascal Olivier: Bajo, contrabajo, Hélicon, Tuba y flauta.
Grégoire Simon: saxos, flautas, acordeón y percusión.
Anne-Gaëlle Bisquay: violoncelo, violín, contrabajo, bajo, voces, flauta, clarinete y melódica.
Serge Bégout: guitarra, banjo, saxo barítono, clarinete, percusión, trompeta, corno y piano.
Edith Bégout: tuba, trompeta, trombón, piano, percusión.
Pierre Gauthé (ex Mano Negra): trombón y trompeta.
Caroline Geryl: batería, voces.

A pesar de tratarse de un grandes éxitos, o algo por el estilo, Ginette es un disco de una notable homogeneidad. El último track es una versión en vivo del tema que da nombre al disco, donde puede apreciarse la energía y el clima festivo de los conciertos del Les Tetes Raides. Ginette es una recopilación que resume los diez primeros años de historia de la banda en diecisiete canciones.

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Les Primitifs du Futur - Trop de routes, trop de trains

"En Francia, el blues tiene tres tiempos y se llama musette". Esta cita de Boris Vian funciona a modo de epígrafe de Trop de Routes, Trop de Trains et Autres Histoires d'Amour, el segundo disco de Les Primitifs du Futur.

Tomando la musette como punto de partida Dominique Cravic y su banda reviven el espíritu del París de los años '30. En él caben, además de la musette, el blues, el scat jazz, , jazz gitano, el ragtime, el tango, la chanson, la biguine napolitana y otros géneros.

En este album, grabado en 1993, el acordeón tiene menos protagonismo que en World Mussete, de 1999. La instrumentación incluye, además del acordeón, guitarras, harmonica, Dobro (la guitarra con resonador americana), clarinete, xylofono, serrucho, el fantasmal Theremin, banjo y ukulele. Estos dos últimos instrumentos son ejecutados por el miembro más famosos del grupo, el dibujante americano Robert Crumb.

Dominique Cravic dijo, acerca de Trop de Routes, Trop de Trains, que su idea "fue la de tener una lista de temas que repreodujera lo que suecedía en un escenario de una noche típica de baile o música en un bal musette, realista y honrando la música"

Este disco, melancólico y festivo, innovador y respetuoso de la tradición popular, lleva en la portada el arte del gran Robert Crumb. Cuando yo lo escucho no puedo evitar fantasear con que me he dejado crecer un grueso mostacho, un vientre prominente, y que canto estas canciones en una taberna, abrazado a mis amigos, marcando el ritmo balanceando nuestros jarros de cerveza. Y es que Bienvenidos a la Monga! es un blog que está a favor de emborracharse con los amigos y de cantar abrazados. Y de las tabernas, los mostachos y los vientres prominentes!

“Vamos a buscar en el pasado! Todo el futuro está ahí para hacerte bailar...”

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Richard Galliano - Love Day

Bienvenidos a la Monga! no repara en gastos a la hora de satisfacer la curiosidad musical de sus visitantes. Por eso, para tenerlos al tanto de lo que pasa en la vanguardia europea, enviamos a nuestro mejor hombre a Francia. Por eso y para dejar de llegar tarde a las novedades.

Claro que, al llegar a Francia, Nestor se dedicó a correr detrás de las francesas, del queso, del vino y del champagne y en lugar de revelarnos el nuevo panorama musical, se dedicó a enviarnos discos de cualquier lugar del mundo y por lo general bastante poco novedosos. Si lo perdonamos y le seguimos pagando el sueldo es porque siempre nos mandó discos muy buenos.

Hace unos días, sin embargo, Nestor nos envió Love Day, Los Angeles Sessions que es algo así como lo último de lo último del jazz francés. Y es así de novedoso porque se trata del mas reciente disco de Richard Galliano, el mas importante músico francés de jazz de la actualidad.

Grabado en Abril 2008 en los legendarios Capitol Studios de Los Angeles, Galliano es acompañado por Charlie Haden en contrabajo, Gonzalo Rubalcaba en piano y Mino Cinelu en batería. Para aquellos a los que no les suene tanto este último nombre, les cuento que Cinelu fue percusionista de Miles en su retorno a la música a comienzos de los '80. Junto a John Scofield formó parte de la banda que grabó Star people.

Con este disco Galliano deja claro que el acordeón ha ganado definitivamente su lugar dentro del jazz. Pero Love Day no es un disco de destrezas instrumentales, si no de sutilezas, y en él se entremezclan el jazz más tradicional, la New Mussette y las influencias de Piazzola.

Los títulos de los temas describen bastante bien el espíritu y sentimiento de este álbum. Palabras simples pero cargadas de significado (Aurore, Bonjour, Birds, Poeme, Apple Pie, Serenité) le dan nombre a las doce hermosas composiciones de Galliano.

"Love Day abraza el siempre presente amor por la música y por la gente que me importa y me acompaña en la vida... días tras día." dijo Richard Galliano. Y ese amor, por la música y por la vida, se respira desde el primer al último tema del disco.

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McCoy Tyner - Guitars

Llego tarde a todos lados . Siempre. Eso lo sabe cualquiera que me conozca aunque sea un poco. Y es por eso que no sería desacertado proclamar que Bienvenidos a la Monga! es un blog que está a favor de la impuntualidad. Bueno, no a favor, pero por lo menos no la condenamos...

A las novedades también llego tarde. Y mucho más tarde hubiera llegado si Zeta no me hubiese enviado este fabuloso disco. Editado en Septiembre de 2008, Guitars es la más reciente producción del pianista McCoy Tyner.

Tyner está acompañado en este disco por Ron Carter en bajo acústico y Jack DeJohnette en batería. Sobre esa base se incorporan las guitarras del título: Bela Fleck, Bill Frisell, Marc Ribot, John Scofield y Derek Trucks.

Guitars es una feliz anomalía en la discografía de Tyner, casi completamente acústica y en la que muy rara vez participó algún guitarrista. De hecho, el único de los que participa en este disco y ya había tocado antes con Tyner es John Scofield, que apareció en Things Ain't What They Used To Be, grabado en 1989. En Guitars, además, fueron los guitarristas quienes sugirieron y en algunos casos compusieron el material, que fue grabado sin que hubiera ensayos previos.

Durante una conferencias de prensa que cita el sitio Jazz.com en su artículo sobre el disco, le preguntaron a Tyner si no sentía que había demasiados cocineros en la cocina, a lo que el pianista respondió que le gustaban “esos cocineros, porque cada uno cocina un plato distinto. Pero no estamos buscando las diferencias, si no las similitudes - y y la mezcla de conceptos - y la música refleja eso".

Con 70 años recién cumplidos, McCoy Tyner dice: ''Nunca hice nada como esto. Fue genial, y cada uno de ellos tiene su propio concepto y su propio sonido, lo que es muy importante en cualquier instrumento. Eso es lo que busco: el sonido y el concepto propio".

John Scofield participa en dos temas, una maravillosa (pero cuando digo maravillosa digo ma-ra-vi-llo-sa. ¿Quedó claro?) versión de Mr P.C., el tema que Coltrane le dedicara al contrabajista Paul Chambers, y Blues On The Corner. Dos de los más potentes temas del disco.

Bill Frisell por el contrario, crea con una aparente sencillez, climas hipnóticos y relajados. La versión de Contemplation es genial; y es impresionante escuchar en Baba Drama la manera clara en que los estilos se fusionan sin perder identidad.

Esto último es también merito de Ron Carter y Jack DeJohnette. Ambos son músicos que siguen sorprendiendo con su creatividad, su capacidad para darle a cada tema el sostén que necesita, y crear el marco que, junto al inconfundible sonido de McCoy Tyner, logran que Guitars suene como un sólo disco, pese a la rotación de solistas.

Derek Trucks comenzó a tocar a los 11 años con los ya mayores Allman Brothers. Es también un estudioso del blues y sus raíces, lo cual puede intuirse en la elección del repertorio y la ejecución. Yo, que llego tarde a todo, no tenía ni noticias de su existencia, pero no me canso de escuchar su versión de Greensleves.

La unión de músicos como Tyner y Marc Ribot parece a primera vista improbable. Sin embargo, Tyner dice que la naturaleza “free” de Improvisation 1 e Improvisation 2 lo transportaron a sus días con John Coltrane: “John y yo solíamos hacer esto todo el tiempo en el estudio. Amo tocar free”. Los cuatro temas con Ribot son el costado más experimental e intrépido del disco, pero el riesgo músical rinde sus frutos en 500 Miles y Passion Dance.

Béla Fleck viene a ser algo así como la excepción que confirma la regla, aunque es sabido que las excepciones no confirman reglas, si no todo lo contrario. Parece ser que fue Fleck quien insistió en tocar My Favorite Things, una melodía de que muchos músicos evitan. Tyner y Fleck, con el inconmensurable aporte de DeJohnette, dejan claro que tienen cosas para decir, incluso en esta melodía, a la que Coltrane le dió hace muchos años su forma definitiva. Béla Fleck, de paso, nos sigue sorprendiendo con su habilidad tecnica y expresiva para tocar el banjo.

Guitars es un disco de esos que te llena de alegría. Un disco con sorpresas, con poesía, con la sabiduría y la historia de un tipo de 70 que no deja de buscar, de aprender, de arriesgar.

Creeme, te lo tenés que bajar.

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Mles Davis - Water Babies

En 1976 Miles Davis se retiró de la música para reponerse de años de giras y excesos. La discográfica Columbia decidió armar un disco con grabaciones que habían quedado afuera de otros discos y lanzó Water Babies. La cubierta del disco fue diseñada por Corky McCoy, el mismo artista que dibujara la tapa de On The Corner, pero aparte de esto, los discos tienen poco en común.

Water Babies contiene cuatro temas compuestos por Wayne Shorter y dos de Miles Davis, de los cuáles uno, Splash, es un bonus track que no figuraba en la edición original.

Los primeros tres temas pertenecen a una sesión de Junio de 1967, por lo que los músicos que acompañan a Miles son Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Los tres temas son de autoría de Shorter, y son ejecutados con el mismo estilo que el grupo desarrolló en sus otros LPs como Sorcerer y Nefertiti.

Shorter también grabó Capricorn, Sweet Pea y Water Babies en su disco Super Nova. Las comparaciones entre las ejecuciones de un disco y otro muestran la forma en la que Miles influía sobre los músicos y la música que tocaba su banda.

Los siguientres tres tracks fueron grabados en Noviembre de 1968. Para esta época Dave Holland había remplazado a Ron Carter en el contrabajo. Chick Corea y Herbie Hancock tocan ambos el piano electrico, dandole a l a múscia un aire que recuerda a Filles de Kilimanjaro. Two Faced es también una composición de Shorter, bellamente ejecutada por Miles y el saxofonista. Dual Mr. Anthony... tiene un aire funky con toques latinos, bastante habitual a fines de los 60s, donde se lucen Tony Williams y Wayne Shorter. Splash, el bonus track, es en mi opinión, el tema menos interesante del disco.

Esta reseña es una adaptación, con agregados míos, de la escrita por G B (Connecticut) en Amazon.com.

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Wayne Shorter - Juju

Wayne Shorter es un saxofonista y compositor estadounidense de jazz, nacido en 1933. Su carrera comenzó en 1956, cuando comenzó a tocar con Horace Silver. Luego formó parte de la orquesta de Maynard Ferguson, donde conoció a Joe Zawinul. Más tarde se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, entre 1959 y 1963, de los que en varias ocasiones fue director musical.

Fue la insistencia de Miles Davis lo que consiguió que el saxofonista se uniera a su quinteto en 1964. Shorter formó parte, junto a Herbie Hancock, Ron Carter, Tony Williams y claro, Miles Davis, de lo que se llamó el "segundo quinteto" de Miles (el primero había sido el que incluyó a Coltrane), siendo el compositor más prolífico del grupo. Wayne Shorter compuso, entre otros, temas como E.S.P., Pinocchio, Nefertiti, Sanctuary, Footprints, Fall y Prince of Darkness.

En noviembre de 1970 Shorter abandona a Miles y forma junto con Joe Zawinul y Miroslav Vitous el grupo Weather Report. A finales de los 70's Shorter revisitó el pasado yendo de gira con Freddie Hubbard y sus antiguos compañeros Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams formando un grupo llamado V.S.O.P. Shorter abandonó Weather Report en 1985.

Pero volvamos atrás. En 1964 Wayne Shorter graba Juju, su segundo disco como solista para el sello Blue Note. Después de Juju vendría Speak no Evil, uno de sus discos más conocidos, donde la influencia principal es la de Davis; pero en Juju, la ejecución y la composición de los temas delata la fuerte influencia de John Coltrane.

La elección de la banda, entonces, no parece casual: en Juju, Shorter es acompañado por McCoy Tyner, Elvin Jones y y Reggie Workman. Tyner y Jones fueron miembros estables del cuarteto de Coltrane, y venían de grabar A Love Supreme; Workman fue el bajista del cuarteto para las sesiones de grabaciónde Africa/Brass.

Un disco hermoso!

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McCoy Tyner - 4 X 4

Y así, de un favorito del Blog, pasamos a otro favorito: nada más ni nada menos que el viejo y querido McCoy Tyner. Este es un disco que no había escuchado hasta hace unos días, cuando lo recibí de mi amigo, tío virtual, padrino espiritual en la blogosfera, Carlos.

El domingo recibí un mail de Carlos que decía "te mandé una 4x4". Grande fue mi decepción cuando me asomé a la ventana y no vi ninguna camioneta... Fue entonces cuando noté que lo que me había mandado era un disco. Y toda sensación de desilusión desapareció cuando me dí cuenta de que se trataba de un disco de McCoy Tyner!

Y de que se trata 4 x 4 ? Acaso McCoy grabó un disco haciendo música con el sonido de los motores de camionetas de doble tracción? Bueno, en ese caso seguramente lo habría publicado primero Malunchi en Il Canto Sospeso, su excelente blog de música contemporánea... Lo que hizo Tyner en este maravilloso disco es grabar con cuatro cuartetos distintos.

Cada uno de estos cuatro cuartetos estaba formado por McCoy Tyner en piano, Al Foster en batería y Cecil McBee en contrabajo. Después, para los distintos temas, se sumaban el trompetista Freddie Hubbard, John Abercrombie en mandolina eléctrica, el vibrafonista Bobby Hutcherson o Arthur Blythe en saxo alto.

Lo mejor del disco? Manha de Carnaval y Paradox con Hubbard, Forbiden Land con Abbercrombie, The Seeker con Hutcherson y Stay Sweet As You Are con Blythe. Otra vez, gracias a Carlos, nos enorgullecemos de acercarles un discazo de McCoy Tyner: un concentrado 4 x 4 para que tus oídos crezcan sanos y fuertes!

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Jorge Ben - A Tábua de Esmeralda

Bienvenidos a la Monga! vuelve a las fuentes para escuchar a Jorge Ben. Por qué? Porque hace bien, porque es domingo y porque si, porque nos gusta. Pero como estoy un poco vago, y como es domingo y como quiero disfrutar del disco, no voy a escribir nada, y voy a copiar acá, lo que de Jorge Ben dice Wikipedia.

Jorge Duílio Lima Meneses, más conocido como Jorge Ben Jor (Río de Janeiro, 22 de marzo de 1942) es un músico popular brasileño. Su estilo característico incluye samba, funk, rock, pop, maracatu, bossa nova, rap y samba-rock con letras que combinan humor y sátira. Incluye muchas veces temas esotéricos en sus canciones.

Tuvo su primer pandeiro a los trece años de edad y, dos años después, ya cantaba en el coro de una iglesia, pero quería ser jugador de fútbol, llegando a integrar el equipo infanto-juvenil del Clube de Regatas do Flamengo. También participaba como tocador de pandeiro en blocos de carnaval. A los dieciocho, su madre le obsequió una guitarra y comenzó a hacer presentaciones en fiestas y boites.

Y fue en una de esas boites que su carrera comenzó: en 1963, se subió al palco y cantó Más que Nada para una pequeña platea, en la que se encontraba un ejecutivo de la discográfica Philips. Una semana después, era lanzado el primer compacto de Jorge Ben. Su ritmo híbrido le trajo algunos problemas al inicio, cuando la música brasileña estaba dividida entre la Jovem Guarda y el samba tradicional, de letras engajadas.

Más que Nada fue su primer gran éxito en Brasil, y también uno de los temas musicales en lengua portuguesa más populares en los Estados Unidos hasta los días de hoy. La canción llegó a tal punto, que fue interpretada por jazzistas de renombre, tales como Ella Fitzgerald, Dizzie Gilespie o Al Jarreau.

En los 70 lanzó sus discos más esotéricos y experimentales, principalmente los álbumes A Tábua de Esmeraldas en el 72, Solta o Pavão del 75 y Africa Brasil en el 76, que no tuvieron popularidad y fueron apenas contemplados por una minoría en su época, pero que hoy son considerados clásicos.

Ahora retomo yo. A Tábua De Esmeralda está considerado uno de los mejores discos de Jorge Ben, aunque para mi gusto hay demasiadas referencias religiosas. Vaya como ejemplo el tema Brother, una canción dedicada a Jesús.

A pesar de esto A Tábua es un gran disco que incluye excelentes canciones que se convertirían en clásicos de Ben: Hermes Trimegisto, versionada en Africa Brasil, y Zumbi, dedicada al mítico líder de los esclavos rebeldes, posteriormente grabada por Caetano.

Están también Menina, mulher de pele preta; Magnolia y O Namorado da Viuva; pero Cinco minutos, el último tema, justifica por sí sólo la existencia del disco. Cinco minutos, que fue versionado por Marisa Monte en Memorias, Crónicas y Declaraciones..., es un temazo de esos que podés escuchar una y otra vez sin cansarte.

Bajalo y contame que opinás!

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Caetano Veloso - Singles

En 2007, con motivo de cumplirse los 40 años del primer disco de Caetano Veloso, comenzaron a re editarse todos los discos de Caetano. Este aniversario sirvió también para que apareciera material raro o inédito como la grabación del concierto Bicho Baile Show, Pipoca Moderna o Cinema Olympia, todos ellos ya publicados aquí.

Esta recopilación de singles y temas no aparecidos en LP's de Caetano, fue coordinada por Charles Gavin, baterísta de Titas, y supervisada por el mismo Caetano Veloso. La recopilación abarca un período entre 1967 y comienzos de los '80s.

El disco posee algunas joyas como la grabación de Charles, Anjo 45 junto a su autor, Jorge Ben; la primera grabación junto a Gilberto Gil de Cada Macaco No Seu Galho, samba del bahíano Riachão; y una versión de Let It Bleed, de Keith Richards y Mick Jagger. Entre las canciones del propio Caetano, las que más me gustan a mí son O Bater Do Tambor y Samba da Cabeça.

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Caetano Veloso - Totalmente demais

Y hablando de poetas y de música y de Brasil, como no hablar de este disco de Caetano. Decir que es el mejor disco de Caetano o algo por el estilo, sería demasiado arbitrario. Puedo asegurar, en cambio, que se trata de uno de mis discos favoritos, no sólo dentro de la amplia discografía de Veloso, si no de mi colección de música.

Como tantas otras cosas, el descubrimiento de este disco se lo debo a mi amigo Néstor, nuestro corresponsal en Europa. Claro que en aquellos tiempos no estaba en Europa y escuchábamos Totalmente demais en un cassette grabado...

Totalmente demais fue grabado en vivo durante las presentaciones de Luz do solo y contiene 16 temas, uno más lindo que el otro. Caetano Veloso, sólo con su guitarra, conmueve, emociona, juega y bromea con el publico, que responde con entusiasmo.

El primer tema, Vaca Profana, es un tema bello por donde se lo oiga, y se convirtió en el hit de
un disco que rompería los records de venta de Caetano, superando las 250 mil copias.

Además de este, hay sólo cuatro temas de Veloso, entre ellos, los lindísimos Os quereres, Nosso Estranho Amor, y Amanha. Los otros 12 temas pertenecen a otros compositores y no hay, aparentemente, otro criterio de selección que no sea la belleza de la canción y de la interpretación de Caetano.

Así, en Totalmente demais conviven Nature Boy, un standard que también fue interpretado por Coltrane y Davis entre otros; Cuesta abajo, un tango de Carlos Gardel; el inquietante fado de Amalia Rodrigues Estranha forma de vida, con la bossa de Joao Gilberto y Tom Jobim; un samba de Noel Rosa; un baiao de Humberto Texeira y una canción del rockero Cazuza, del que canta una conmovedora versión de Todo O Amor Que Houver Nessa Vida.

Totalmente demais es la prueba de que no son necesarios demasiados recursos para llevarnos a pasear a la montaña rusa de las emociones. Un viaje de la tristeza a la alegría, de la melancolía a la risa, a través de 16 canciones, guiados por el sonido de la guitarra y la cálida voz de Caetano.

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Arnaldo Antunes - 2 ou + corpos no mesmo espaço

Arnaldo Antunes es un poeta, músico y artista visual brasileño. Los que visitan seguido este blog saben que es uno de los favoritos de la casa. Saben también, que Bienvenidos a la Monga! es un blog que se declara a favor de un montón de cosas, pero sobre todo, de las cosas que nos dan alegría, y una de ellas es la poesía. Bienvenidos a la Monga! entonces, está a favor de la poesía. Por ese motivo hoy publicamos este archivo, que contiene el CD que acompaña el libro 2 ou + corpos no mesmo espaço.

Nacido en la ciudad de São Paulo, Antunes es más conocido por su faceta como compositor y cantante de rock. Integró durante diez años el grupo Titãs y luego inició una carrera solista que cuenta ya con nueve discos. Ha colaborado de forma profusa con otros músicos, entablando una estrecha colaboración con Marisa Monte y Carlinhos Brown, con quienes formó el grupo Tribalistas.

Como poeta, Arnaldo Antunes le concede importancia no sólo a la palabra, si no también a la función significativa de la disposición tipográfica. A la marcada influencia que significa el movimiento concretista de São Paulo en su poesía, Antunes aporta además, los recursos que ha incorporado en el rock, desarrollando de manera particular la relación entre poesía y ritmo musical.

Antunes ha logrado un reconocimiento unánime e crítica y público, siendo considerado un vanguardista tanto en la música popular como en la poesía. José Miguel Wisnik sostiene que Antunes “consigue trabajar con la palabra, los sonidos, la imagen y el movimiento, con lo que multiplica los focos de atención”. En su reseña acerca del libro 2 ou + corpos no mesmo espaço, el crítico Charles Perrone dice que la poesía de Arnaldo Antunes es una "poesia todo inter-: interactiva, interdisciplinar, interferente, internacional, intersemiótico, e interesante, en los mejores sentidos de las palabras".

2 ou + corpos no mesmo espaço fue publicado en 1997. El libro contiene 54 poemas, 13 de los cuales fueron grabados por Antunes en un CD que acompañaba esta edición. A continuación, reproduzco una reseña escrita por Carlos Rennó y publicada en la Folha de Sao Paulo.

Antunes une forma y sonido.

El CD "Dois ou + Corpos no Mesmo Espaço", que acompaña al libro homónimo, es una pequeña muestra del complejo conjunto de visiones y vivencias poéticas, tan particulares, en que consiste el instigante trabajo de Arnaldo Antunes, ahora en una transposición sonora.

En él reencontramos, apropiadamente materializados en el plano vocal, los mismos elementos presentes en la poesía de marcada caracterización visual de Antunes, como sus sugestivos juegos lingüísticos y sus sintaxis rebeldes, de lecturas simultaneas.

Así, por ejemplo, en la pieza del título, a medida que cada fonema es recortado, la pronunciación promueve paradojalmente la multiplicación de cuerpos-sílabas en el espacio del sonido al que parece aludir el título del poema ("Dois ou mais corpos no mesmo espaço se multiplicam..."). Del mismo modo, en la voz de Arnaldo suena, o se presenta, el ritmo irregular de las olas en "O Mar". Y la hache tartamudea, casi silenciosa o casi produciendo eco en "Agá" (Hache).

Isomorfismo en poesía hablada, correspondencia íntima entre forma, sentido y sonido. En el CD, los 13 poemas se vuelven palabras-cosas, como Sartre sugirió que es la poesía.

Bajo tales aspectos, el disco constituye una experiencia importante, después del divisor de aguas que fue "Poesia é Risco", de Augusto de Campos e Cid Campos. Pero a diferencia de aquel, "Dois ou mais corpos" no usa otro instrumento que la voz. En ese sentido, hay, finalmente, entre nosotros, un poeta con voz clara, bella, firme, fuerte (mejor dicho, un poeta con voces, porque son varias las que usa). Quiero decir: un experto en la oralización de la palabra poética en todas sus dimensiones: cantada, hablada, grabada, sampleada y editada.

A falta de tapa, ilustro este post con un manuscrito de Antunes que nuestro amigo Fernando (gracias Fernando!) , de Mendoza, recogió luego de una lectura de poesía que el brasileño realizó en Buenos Aires. El poema no forma parte del libro ni del CD, pero lo pusimos porque nos pareció bien.

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Vinicius de Moraes y Amalia Rodrigues - Amalia / Vinicius

Vinicius de Moraes se encontraba en Portugal en aquel diciembre de 1968. Debido a que iría a pasar la navidad en Italia, se le organizó una fiesta de despedida en la casa de Amália Rodrigues. Amália / Vinicius es la grabación de lo que ocurrió aquella noche en casa de la cantante de fado.

Amália Rodrigues solía organizar, en su casa de Lisboa, reuniones donde se juntaban los poetas con los que ella trabajaba, filósofos, escritores. Aquella noche, por supuesto, Amália cantó. Vinicius recitó sus poemas y cantó también, y también recitaron en algunos de los presentes: Natália Correia, poeta feminista que llegaría, más tarde, a ser miembro del Parlamente portugués; José Carlos Ary dos Santos, renombrado poeta; David Mourão Ferreira, poeta y escritor portugués.

Por fortuna para todos nostros, estaba presente el ingeniero de sonido Hugo Ribeiro, que fue quien registró, con un micrófono oculto en un florero, todo lo que ocurrió aquella noche. Esa grabación fue publicada dos años más tarde, en 1970, con el formato de un LP doble. Para esa ocasión, Amália regrabó en estudio algunos de sus fados, pero eso no altera el carácter documental de la grabación.

Vinicius fue un poeta sencillo y conmovedor; Amália Rodrigues, una cantante cuya voz bella, cautivante y plena de "saudade", posee la cualidad de remitirnos inmediatamente a la imágen de Portugal . Para quienes aman la poesía y la música este disco es un tesoro imprescindible.

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José Peixoto y Fernando Júdice - Carinhoso

José Peixoto y Fernando Júdice, son dos de los músicos que integran el grupo Madredeus. Apasionados por la obra del gran compositor brasileño Pixinguinha (1898-1973), padre de la música popular brasilera, grabaron un disco dedicado a su música. El álbum cuenta con las participaciones de la cantante de jazz Maria João, de Luís Represas, antiguo vocalista del grupo Trovante, y de Manuela de Azevedo, del grupo Clã.

A continuación reproduzco fragmentos extraídos de varios reportajes, que cuentan la génesis y el espíritu de este bellísmo disco. Entre los reportajes citado, se encuentra uno muy interesante publicado por el blog Raizes Antenas.

“Todo comenzó en São Paulo - dice José Peixoto - con la compra de unos libros con música escrita de Pixinguinha y otros autores. La idea era, juntamente con Fernando Júdice, de ocupar creativamente el tiempo durante los largos “tiempos muertos” y las esperas en las giras de Madredeus. Entonces ocurrió que, con cada nota que yo iba tocando, me iba conquistando ese deslumbrante paisaje musical. Comenzamos seriamente a abordar las partituras y a elaborar nuestros arreglos. También quedaba claro que no íbamos a producir una música de imitación. Asumíamos nuestra condición atlántica, exterior y, al mismo tiempo, apasionada, sin cualquier tentativa de apropriación de una cultura.”

A pesar de haber tocado con mucha gente y haber pasado por diferentes estilos, ustedes tienen una formación que viene del jazz. Como se sienten en un proyecto donde toda la música está escrita? Hubo lugar para la improvisación en este trabajo?

Hubo lugar para la composicion del arreglo. Improvisación no, porque hasta llegar a aquella forma cristalizada, Pixinguinha ya debía haber hecho todas las improvisaciones posibles. (...) Tocamos exactamente lo que estaba escrito, pero con creatividad en los arreglos. - dice Júdice - A pesar de existir una melodia escrita y una armonía, podemos tener un espacio de maniobra considerable. (...) Si escuchás un disco genuíno de choros brasileros, el nuestro no se parece en nada, porque el lenguaje es otro, la instrumentación es otra, nuestra alma es otra. Aquello surge en nuestra cabeza de una manera particular.

Júdice y Peixoto hablan también de la importancia de Pixinguinha en la música brasilera, de cómo le dió un carácter propio a la música popular brasilera y de su influencia sobre otros importantes músicos y compositores como Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti o Villa-Lobos.

"Si tienes 15 volúmenes para hablas de toda la música brasilera, estate seguro de que es poco. Pero si dispones de apenas el espacio de una palabra, no todo está perdido. Escribe rápido: Pixinguinha"

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María de Medeiros - A little more blue

Publicado en 2006, A Little More Blue es el disco con el que la actriz María de Medeiros debuta como cantante.

En su texto de presentacion del disco Medeiros habla de la enorme influencia que tuvieron los jóvenes compositores brasileros sobre la generación de portugueses que creció con la Revolución de los Claveles. María de Medeiros plantea este disco como un "tributo a la generación de portugueses que no sólo ha sido acunada por la música brasileña, sino que estuvo verdaderamente formada por artistas como Chico Buarque, Caetano Veloso, Milton Nascimento o Gilberto Gil".

Continúa diciendo que "sabíamos que Chico Buarque o Caetano Veloso no eran solamente músicos, sino también grandes poetas, pensadores y artistas comprometidos. Pero mientras nosotros estábamos en libertad, ellos estaban en plena dictadura. Fueron censurados, perseguidos, exiliados. Sus textos, muy comprometidos, eran mensajes codificados que sabíamos descifrar, cartas llenas de esperanza, inteligencia y coraje."

Como corresponde a una afamada actriz que se lanza a los 42 años como cantante, Medeiros se rodeó de músicos excelentes que la ayudan a pasar con éxito esta primera prueba. Lo llamativo es que ninguno de ellos es de origen brasileño: Jeff Cohen es un pianista clásico de origen americano; Joël Grare, un percusionista francés que ha tocado en formaciones barrocas así como en grupos de rock; Emek Evci un contrabajista de origen turco que viene del jazz y formó parte de varios grupos de World Music.

El repertorio elegido es equilibrado, y se acerca a los clásicos sin caer en la obviedad. Los arreglos, la voz de María de Medeiros, logran un disco de suaves texturas y tono intimísta. Medeiros tiene, y se escuchan en el disco, límitaciones como cantante. A Little More Blue es, sin embargo, un álbum amable y agradable de escuchar. No sorprende, pero gusta.

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Victoria Abril - Putcheros do Brasil

Putcheros de Brasil es el primer disco de la actriz española Victoria Abril como cantante y está completamente dedicado a homenajear a la Bossa Nova y la MPB. El disco recoge diez canciones del amplio repertorio brasileño, compuestas por Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Caetano Veloso, Chico Buarque, Dorival Caymmi, Jorge Ben, Roberto Menescal o Ronaldo Boscoli.

En un reportaje realizado por el diario argentino Clarín Victoria Abril cuenta que la bossa nova fue la banda de sonido de su vida entre sus diez y quince años. "Fue una de las pocas cosas que Franco no censuró. Tú no sabes lo que sentí cuando escuché por primera vez a Antonio Carlos Jobim. Era completo: autor, compositor, letrista, guapo. Esas fotografías fumando esos habanos.... Era mi Che Guevara (ríe)".

"(...) Jobim hizo con la música brasileña lo que hizo Jean-Luc Godard en el cine: la sacó de los estudios y la llevó a la calle. Jobim nos sacó del estudio y nos llevó directo a Ipanema con una fórmula que era simplemente una guitarra, unos textos acojonantes, un hilito de voz. Eso es lo que hago en el disco: un baño de humildad antes de cantar, y con ese hilito de voz ir haciendo dibujos en el aire. Y ya está. No hay secretos. La bossa nova es una música natural y se canta con el corazón".

Putcheros de Brasil es un disco cálido y agradable, con buenos arreglos, toques de flamenco y de swing aquí y allá, excelentes músicos y correctamente cantado. No tiene grandes sorpresas, pero se lo siente fresco y auténtico; entretenido y ligero, moderno pero sin caer en el engendro de la clase Bossa 'n Ramones.

Lo mejor del disco son las versiones de Aguas de março, Desde que o Samba é samba, Mais que nada, y Doralice. Destacan también las participaciones de la cantante brasileña Rosa Passos y la guineana Concha Buika. Pero Puthceros tiene también sus puntos flojos, o al menos polémicos, como la versión en francés de O que será, que aquí se llama Tu verras, o el tema final O barquinho con la inclusión del rapper francés Lord Kossity.

Para producir el disco Victoria convocó a Javier Limon, responsable, entre otras cosas de Lágrimas Negras, de Bebo & Cigala. "Me ha interesado su música, su sonido. Todo lo que pasa por las manos de Javier Limón me parece fascinante. Cuando escuché Lágrimas negras me volví loca. Le dije a Javier: Yo quiero esto. Quiero un scanner de mi alma. El me entendió perfectamente. No podría haber hecho el disco sin él", dice Victoria.

Durante otra entrevista, esta vez con el diario Página/12, Victoria Abril cuenta que algunos temas como Agua de beber, Desde que o Samba e Samba o Tu verras fueron grabados en una única toma. “En un mundo en que el que todo está retocado, un mundo de fotoshop, de repente una pieza en bruto, sin adornos, sin mentiras, ya, tal cual salió, tiene mucho valor”, explica. "(...) Está llena de muchos defectos, pero tiene algo único: esa ausencia de subrayado, esa frescurita, esa ligereza... "

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Carmina Cannavino y Lucho Gonzalez - Encuentros y Despedidas

Carmina Cannavino es una cantante y compositora peruana radicada en México. Hija de madre peruana y padre argentino, ambos músicos, creció escuchando música clásica, tango y folklore argentino.

En 1996, en un viaje a Lima, conoció al guitarrista Lucho González. González nació en Perú, pero cuando desde muy pequeño y hasta los 16 años vivió en Buenos Aires. Su carrera musical comienza al regresar a Perú. En un reportaje hecho por Gabriel Plaza para el diario argentino La Nación, Lucho González, cuenta su inicio en la música, marcado por su encuentro con Chabuca Granda.

Tenía 21 años, estudiaba abogacía en la Universidad Católica y se había hecho amigo de Eduardo, uno de los hijos de Chabuca, con los que salía de parranda y se juntaba a tocar guitarra y percusión. "Un día llegué a su casa para invitar a su hija Teresa al cine, porque me gustaba. Chabuca me abrió la puerta y me quedé helado. Cuando volvimos, ella nos estaba esperando y me pidió que tocara un poco la guitarra. Ahí abandoné el derecho. Me tuvo siete años a su lado, embobado todo el tiempo; me hizo sentir como su cuarto hijo."

En Argentina formó el famoso trío Vitale-Baraj-González y participó de un disco en conjunto con el guitarrista español Tomatito y el argentino Luis Salinas. Como músico o arreglador trabajó junto a figuras como Mercedes Sosa, Ana Belén y Víctor Manuel, Milton Nacimiento, Joan Manuel Serrat y Diego Torres, entre otros.

Cuando se conocieron, Cannavino y González se prometieron mutuamente volver a trabajar juntos. Fue así que en 1999 grabaron en Argentina Encuentros y despedidas, un disco con canciones populares de Perú, México y Argentina. Luego, continuaron tocando juntos hasta 2003, realizando numerosos conciertos junto al percusionista peruano Hubert Reyes.

Lucho Gonzalez, director musical del grupo de Chabuca Granda durante siete años dijo de Carmina Cannavino: "a lo largo de mi carrera compartí escenarios con maravillosas cantantes como Mercedes Sosa, Chabuca Granda, Ana Belén... cuando escuché a Carmina, no pude menos que recordar a estas maravillosas señoras..."

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Leo Maslíah y Carme Prieto - Entreverados

No es la política de este blog responder a los pedidos (tampoco recibimos tantos, bah!) pero Quique, por algún motivo que desconocemos, se ha convertido en el pedigüeño oficial de Bienvenidos a la Monga! Quizás porque sabe que teclas pulsar y lanza el pedido casi como un desafío.

A pedido de Quique, entonces, salimos a buscar este disco de Leo Maslíah y la cantante chilena Carmen Prieto. Editado en 2007, sigue la tendencia de la última producción de Maslíah, que se aleja de su repertorio tradicional, si esa palabra puede usarse para la obra del uruguayo.

Maslíah ha publicado en 2008 Pianos, un disco con standards de jazz y anteriormente Arboles, donde se deja su estilo para dar paso a un registro de piezas de música de cámara para distintas combinaciones de violín, chelo, flauta, etc, y Clásicos, donde musicaliza con obras clásicas, cuentos infantiles tradicionales como Caperucita Roja o Pulgarcito.

En Entreverados, Maslíah y Prieto interpretan su visión de algunos tangos y boleros populares. Maslíah es un músico sorpendente, y su interpretación al piano se aleja de la moldes pre configurados para el estilo al que se aboque.

Existe, sin embargo, un atecedente y son las versiones de La última curda y Naranjo en flor que Maslíah había grabado en Zanguango. En aquel disco el uruguayo alteraba los versos para darles un carácter humorístico. Digo que existe un antecedente porque los arreglos de Naranjo en flor son similares en